英國人。瘋了嗎？ ＃英國媽媽封城日記 #第104天

睡覺前看到這個今天的新聞，實在是太震撼了！你是不是跟我依樣懷疑「＃英國是不是零確診了？」不！今天台灣忙著過端午節，英國忙著“慶祝” 今年第一次（也可能是最後一次）32度高溫的夏天。
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今天！英國還是 ＃感染1118人！＃死亡149！反觀台灣，只要超過20人感染，就全民防護做到滿乖乖守在家裡。而你不能理解的英國人，今天這樣的病例人數，度假勝地的海邊Brighton和Bournemouth 湧入上千人！擠到有夠誇張的！而且今天還不是英國假日，只是週間。（抱歉我實在太激動了。）
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照片中的人，是真的被關到連思考能力都沒有了？還是被關到已經豁出去？還是把警告標示，從4降到3就以為恢復正常？我的理解是，＃政府慢慢軟性恢復生活 ＃但有條件的，這個我同意，比如說搭乘公共交通工具，必須得口罩帶好，保持社交距離2公尺，規勸要常常洗手。我個人甚至覺得，還是盡量避免外食（除非可以重新加熱換成自家容器）。
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說好的social distant呢？只能說自私的人還是很多？英國人真的不是你想像都是紳士淑女。這些人不但破壞了政府的規定，而且留下大量平日3倍的垃圾，而且一堆醉漢打架鬧事。哎！到底是他們太樂觀？還是真的太信任生死有命？
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有時候都在想，之前完全lockdown的時候，出門好像還比較安全？因為根本路上都沒有人。哈哈！現在>< 你永遠不知道剛剛誰在哪裡交叉感染了誰？
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不過閱讀英國網友們的留言也很療癒，有人說，這些人的social distance只剩下腦細胞了。還有，在非假日的週間能出來海邊，表示這些人無法勝任WFH模式的工作（言下之意，諷刺他們是失業領補助金的人）。更好笑的是，有人說這些人大概以為COVID-19曬太陽就可以殺死了（又是一個諷刺）。

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＃平行世界的腦洞

＃台灣人現在報復性消費境內旅行

＃英國人報復性集會

＃7月4號真的還要繼續開放嗎？我都暈了。

＃千萬不要貿然出國或去觀光區！你以為你自己防的很好，其他人才沒在管你咧！

「歌者的智慧」筆記

在「符立中筆記」音樂評論的書中，偶讀到一段資深聲樂家金慶雲老師的話，深有同感「在一切的藝術中，音樂最是短命。而在沒有留聲機的時代裡，任何用語言或文字對音樂的描述，都像是水中撈月，而在一切的音樂詮釋中，演唱家的生命更是短促，隨著身體的衰老與死亡，死去的不只是一個演唱者，連同他的樂器也一起埋葬了。一切樂器皆人造，唯獨人聲乃造物者所賜，人生不只是樂器，發出的不僅是音樂，還包括語言、詩與戲劇，歌劇就是淋漓盡致的最佳寫照。」

現代人由於拜科技所賜，靠著手上的遙控器，就可以聆聽各種影音，對於長期耕耘致力於演出的歌唱家而言，每一場演出都是新的創作與體驗，旋起旋滅的藝術，呈現的是唯一與短暫的永恆，和錄音間百般雕琢的成品，絕非能相提並論。

在學聲樂的路上，頗多崎嶇，一方面樂器就在自己身上，另一方面看不到，摸不著，全憑內視覺與內聽覺的領悟與想像。光憑信心和努力也未必有成效，歌唱家席慕德老師用貼身的學與教的經驗，集「歌者的智慧」分享給讀者，不管知識認知與理解或肌肉、力度與聽覺的運用，都值得用心品味與思考。好的聲音是自然而不明顯，當歌者受正確的訓練，站在舞台上呈現的都是一種反射動作，要唱得扣人心弦，不在於曲子的難易，而是要用心靈唱歌。
初學聲樂的人，通常只看到音符和節奏的差異，聲樂老師常講不是發出聲音就叫唱歌，當歌者在唱歌的時候，應該要掌握音與音之間的張力，和聲與和聲之間的變化和力度、語言的色彩、氣氛的變化和彈性速度的掌握，詮釋之間最重要的就是想像力。

聲樂的學習是一條漫漫長路，除了知識與理論的認知和理解外，需要更長時間對於肌肉、力度與聽覺的追求。光是肌肉與力度的關係，要做到純熟至少都是數個月到數年工夫，所有的練習都是基本功。

開始練習時一定要說到呼吸法，因為這是發聲時的動力體，上課時我們通常會提出四種呼吸法供學生自主練習，（一）快吸慢放，一秒瞬間吸氣完憋住五秒，再慢從齒縫間吐氣35秒起跳，越長越好。（二）快吸快放，瞬間一吸一吐，維持60秒不間斷，頻率要等速，而次數是關鍵，每秒若做到4次吸吐，一分鐘就累計240次循環。（三）慢吸快吐，最慢速度吸滿一口氣，憋氣5秒後急吐氣。（四）慢吸慢吐，慢吸到氣滿後憋5秒，再等速吐氣。

呼吸法的練習是每天的功課，待到橫膈膜的運作可以受大腦控制為原則。一個成功的歌者絕不應只有美麗的聲音，重要的是唱什麼要像什麼，許多人享受唱歌的樂趣，殊不知唱不好對別人是種折磨，所謂「唱歌者不知聽歌者的痛苦」之說。

當呼吸法的問題解決後，面臨的就是發聲法，練習發聲的過程中會牽涉到肌肉與支持和位置，這中間絕對需要有一個好聽覺的聲樂老師的陪伴。

唱歌運氣的過程中肌肉不能鬆垮，但也不是都緊張的狀態，要在放鬆中找支持，我們常會要求學生做到「上鬆下緊」，上半身放鬆，特別是臉部表情要儘可能地鬆，但下腹部運氣要維持緊實狀態，以免聲音失去支撐力，而唱出沒有生命的音符。

發聲的樂句都是一首首的短歌，能唱出有生命力的短句，始有可能放大放長樂句的處理，但很多人不明瞭，覺得我是來學唱歌，為什麼老要讓我唱這些乏味的曲調？這就是認知上的問題，簡單的歌都唱不好，如何勝任大曲子的表達？聲音的訓練終結是要忘掉聲樂的技巧，因為技巧只是歌唱的工具，而非歌唱本身。

學習聲樂很需要體力，因此我們希望有志想學唱歌的人，可以養成運動的好習慣，除了讓聲音的表現有更多的可能性外（例如爆發力），也更能尋求好聲音的表現。美聲唱法是人體所有細胞的歌唱，協調的肌肉和搭配好的共鳴，才能發出美妙而圓潤的歌聲，到這裡，我們都在求製造一件好樂器而努力。

學習聲樂的過程一點都不浪漫，而且每個人的條件都不相同，問題也各有差異，一個有歌唱天賦的人，需要具備動人的音色、寬廣的音域、穿透力的聲音和喜愛唱歌的熱情，然而要成為成功的演唱家的過程更需要紀律與專注，聲音的成長是階段性的，音樂性、熱情和企圖心是讓音樂的道路更順暢的主要原因。

以席慕德老師的音樂資歷與經驗談「因材施教」

聲音是歌者的樂器，歌唱牽涉到的不只是聲帶，聲帶周邊以及身體其他部位的肌肉。唱歌的人全憑聽覺和身體運作的感覺，聲樂技巧就是在不斷的重複與練習中，而成為一種反射動作。

沒有兩個人的聲音是完全一樣的，學習唱歌是很個人的事，就因天生樂器結構限制與與學習的領悟力因人而異，一個人的音色、發聲器官和體型有關，而聲音典型的形成，則和他的個性、氣質、情緒、對事物的敏感性和甚至和血液循環的快慢，都密切相關。

好的聲樂老師，除了協助學生找到自己的聲音特色，讓其天賦做最佳、最有利的發展，而非一味的追求高音，唱不好或聲音不美，很多都是因為發聲法出了問題所致。聲樂學習是漸進式和階段性的，若早期養成的壞習慣、錯誤的學習方式或錯誤的觀念造成，其實要花更多時間導正。

願意花時間學唱歌的人，一定是本身熱愛歌唱，聲樂技巧的訓練是一磚一瓦慢慢累進，需要大量的耐心和嚴厲的監督，一百次錯，也不會有一次對，畢竟音準、節奏和速度都不是模稜兩可之事。

聲音的質感，質感的優劣決定市場價值。
聲音的音質被視為是天賦，而音色常受限於欣賞者主觀的標準。很多人學歌，認為能唱到曲子的高音，解決了音準、節奏和咬字，就能登台唱這首歌了？至於如何將這些因唱得更悅耳、動人、更符合作品的風格或更舒服，卻是很多人不太考慮的事。席慕德老師舉了一個親身聆聽「霍夫曼的故事」中一首花腔詠嘆調「在樹籬上的小鳥」的看法，最終老師說，粗糙的花腔、尖銳的花腔或掙扎的花腔，都不算花腔，若不能做到乾淨俐落、清澈透明和讓聽的人驚艷，就不要輕易嘗試。
聲音不論高低、亮暗或輕重，都有其特殊的質感與光澤，聲音的質感是每個歌者，都應該思考的課題。

國際大賽的評審在聽什麼？入流的演唱大概基本條件都在伯仲之間，漂亮的聲音和純熟的技術之餘，評審最想收集的是一種能夠吸引感動他們的聲音，那種甜美而溫暖的音樂性處理，真誠的表達出歌中感情的歌唱。

好的聲音是要能夠唱什麼像什麼，用不同的技巧和音色達到不同作曲家的要求，形成所謂的曲風。例如演唱歌劇和藝術歌曲就是兩種迥然而異的世界，歌劇強調的是炫耀聲音，歌者的呼吸、體力和口型，為製造音量而預備，讓歌聲可以根據劇情，達到音樂的高潮為要；而藝術歌曲則是歌者內在美的最高表現，強調的是如何透過作曲家對詩詞內涵的理解，藉由音符呈現精煉語言的情緒與意境，歌者強調的是詮釋與咬字，如何透過音節間的音符或空白，營造出歌曲的獨立情懷。

席慕德老師認為聲樂學習的目的是製造圓潤、持久又光亮的聲音、能夠演唱不同速度、節奏和風格的歌曲。
聲樂教學技巧時需要特別關注的問題
（一）、呼吸法：橫膈膜呼吸或腹式呼吸，就是要做到意識控制氣流，使之能平穩而有彈性的運氣和分句。
（二）、共鳴：是指母音在氣流上頭射出正確音高後的共振效果，通常依據音高決定腔體的共振的多寡。共鳴不是歌聲的全部，需要搭配歌詞中的母音支持，咬字、音高和音準的相互配合。
（三）、咬字：歌樂就是有歌詞的音樂，絕對不能含混不清，即使為使聲音圓潤也沒有商量的餘地。咬字清晰度與發聲有絕對關係，發聲位置偏差、口腔空間大小、舌根和舌頭擺放、嘴唇肌肉的放鬆度和下巴太緊都有密切相關。
（四）、口腔空間：最好保持一個可以隨更換母音與音程變化，靈活運用舌頭、嘴唇和下巴的穩定空間。
（五）、聲音位置：確定保有一種統一的音色，和遊走於低中高三個音域運用自如的位置。
（六）、舌頭：保持自然平放。
唱歌是一件高度協調的事，任何一個環節出了錯，就不可能有完美的聲音。

歌曲詮釋-1（引自習募得-歌者的智慧）

唱歌感動人與否？詮釋最重要。詮釋是將原作精神和理念透過演出者的技巧與修養，呈現在第三者面前的過程。以歌曲的詮釋來說，可分為語言和音樂兩大層面，首先要談的是語言也就是歌詞，通常都是詩詞作品，歌者有義務在演出前，認真下功夫研究歌詞的意義與內涵，藉詩句處理，揣摩語氣和咬字，特別是輕重音的分辨、明暗音的區別及母音字重量和開、關母音的差異，進而考慮氣氛營造的曲趣等，人聲不像樂器有固定音色，歌者受自身聲音、個性與對詩詞內涵認知的影響，對於歌曲詮釋可謂每個聲樂家都是一個獨立的個體，除非他開口，否則你永遠無法知道會聽到什麼。

歌曲詮釋-2（引自席慕德-歌者的智慧）

客觀詮釋就是參考作曲家的規範條件：如音高、節奏、樂句長短、力度和表情記號的指示或過去歌者的詮釋。大原則先把握曲風是戲劇性或抒情？伴奏的角色是寫情或寫景？是跟著詩的旋律線或襯托或以同樣動機貫穿全曲？歌者要研究的是1.曲式和詩歌段落的關係2.調性轉換和詩句的關係3.樂句長短與呼吸的關係4.字的明暗與聲音色彩的利用5.聲音色彩和和弦的關係6.休止符的運用7.力度與張力8.速度與節奏9.彈性速度的利用等。好的歌者必須掌握語言與音樂的相關知識和修為，透過歌唱技巧營造歌曲氣氛，發揮個人聲音的色彩，展現個人風采於舞台，始能讓詮釋變得有趣又充滿吸引力。

歌曲詮釋-3（引自席慕德-歌者的智慧）

教授藝術歌曲最難的就是啟發歌者的想像力。歌者光有美麗的聲音、優異的聲樂技巧和超強的是譜能力，照譜一板一眼的演唱，是無法唱出動人的歌聲的。藝術歌曲是詩樂合一的作品，作曲家從詩詞中獲得靈感創作，其意境與氣氛猶如一篇動人的故事，有畫面有情緒，歌者必須善用聲音的色彩與含蓄的表情，帶觀眾進入歌曲的情境中，靠的就是文學的修養和充分的想像力。歌者要從詩詞中找到原始的靈感，然後再從音樂中找到呼應，用自己的技巧表達出曲趣，不妨在了解歌詞涵義與音樂相關知識的過程中先自問1.誰在說話？2.對誰說話？3.在哪裡說話？4.說些什麼？5.說話時聽聞到什麼？6.歌曲結束時說話者的心情有何變化？當歌者有辦法在自問自答中找到相應的答案時，就不會言之無物了，唯有歌者先感動自己，才能影響觀眾，從聆聽中找到感動與樂趣。

歌唱的技巧、美麗的聲音、豐富的想像力與深厚的文學修養，都是舞台上個人風采與魅力的熟成。表演者必須讓觀眾的眼光專注到自己身上，讓聽眾彷彿看到歌中情感而隨之入境，誠懇地展開心靈神會之旅。

聲樂藝術是金字塔頂端的藝術，發聲技巧繁複，細節難以勝數，藝術歌曲不是為普羅大眾所寫，因此，這條路一路走來，一直都是艱辛、充滿著競爭、需要長期努力奮鬥與自我突破的生涯。此書席慕德老師多以德國藝術歌曲出發，因為，那是行之有年、被世界各國認定的歌唱藝術的典範，然而，當所有的藝術都不斷推陳出新之際，我們也需要有新曲目，藝術視野與人文修為是需要教育和培養的，最重要的是鼓勵作曲家和文學家對於自我文化認同，多創作有質感，反映時代與社會現實的國、台語藝術歌曲，提供演唱家發表的素材與舞台，當國家最高文化單位都主張流行音樂是主流時，傳統聲樂藝術工作者，如何走出一條屬於自己的大路？其實是所有關心古典音樂者都必須思考的問題。

文：王淑汝老師