#葉郎每日讀報

1.艾美獎決定與奧斯卡劃清界線

在電影院發行的電影跟在VOD發行的電影都算是電影的年代，奧斯卡獎和艾美獎之間出現了新的模糊地帶。過去兩個獎項只在紀錄片項目比較常出現參賽者重疊，在奧斯卡開始接受未在電影院上映的電影報名之後，重疊的機會將大大增加。艾美獎主辦單位美國電視學院說他們非常支持美國影藝學院對奧斯卡報名資格的必要調整，但他們同時也決定將所有入圍奧斯卡的電影排除在艾美獎的競賽以外。也就是說凡是報名之後成功入圍奧斯卡的影片，未來就不得再報名艾美獎。
（報導原文：https://bit.ly/2A8dR2Z）


2. Steve Aoki和 deadmau5將登上《Fortnite 要塞英雄》演出

電玩遊戲《要塞英雄》先前在遊戲中舉辦的Travis Scott演唱會總計吸引了1230萬玩家同時參與。該公司因此打鐵趁熱，宣佈週五遊戲中將有Steve Aoki和 deadmau5的演出。依據先前舉辦的的虛擬演唱會模式，估計表演長度應該都只有10分鐘上下。該遊戲目前的玩家人數已經超過3.5億人，比起去年3月快速增加了1億人之多。
（報導原文：https://bit.ly/3ftWpGp）


3.英國業界擔憂演唱會產業鍊將在幾週內瓦解

UK Music等組織和英國音樂人持續呼籲政府出手救援，否則整個英國演唱會上下游產業鍊將在幾週內崩塌瓦解。根據Music Venue Trust的調查，有82%的音樂演出場所可能在本月底之前關閉。在大城市中的表演場所因為財務負擔最大，因而狀況也最危急。「整個產業鍊支持了10萬音樂人的生計，所以如果有82%場地關門，就等於音樂人可以演出的地方瞬間少了82%」Music Venue Trust執行長Mark Davyd說。
（報導原文：https://bbc.in/2LcXEvO）


4.重量級好文：音樂產業之死可能是件好事

音樂產業不是第一次遇到逆風，但從來沒有遇過COVID-19這種一瞬間把整個產業插頭拔掉的狀況。每一種類型、每一種規模、每一種票價的演出通通沒能逃過一劫。雖然串流取代了唱片的產值，但演唱會才是真正餵養音樂人活下來的方法。經過Spotify和唱片公司的一路剝削，串流收入流到音樂人這一端時已經只剩銅板價。唯獨只有世界頂端的藝人才有辦法從串流中吃飽喝足。

對音樂人來說他們的職業就是一個徒勞的循環：在專輯創作和錄製的過程中會收到一筆預付款，而專輯發行後的收益讓唱片公司把預付款抵清。緊接著的巡迴演出會帶來演出酬勞和週邊商品收入，收入一路下滑直到專輯發行的光芒慢慢淡出為止。然後唱片公司再度拿出一筆預付款讓他們開始另一次循環。

夏天是音樂人努力賺錢的黃金季節。因為天氣良好意味著會有更多音樂節，更多機會賺到演出費、賣出更多週邊商品，同時在音樂節中透過面對面接觸吸引到新粉絲，然後依靠著接下來幾個月粉絲的消費來養家活口。同樣的結構性問題是只有世界頂端的藝人靠著演唱會吃飽喝足，對多數音樂人來說這個反覆勞動多半只能在運氣好的時候勉強糊口。

COVID-19的疫情使音樂產業的結構性問題變得更顯著：我們產出了過量的音樂以至於它們便宜到幾乎等於一文不值。那些靠著音樂賺錢的公司根本只分零頭給音樂人。疫情之下我們終於看清音樂人到底被整個產業、整個社會佔了多少便宜。

許多音樂人已經出來呼籲Spotify調高三倍版權費來彌補大家在災情中的損失，即使Spotify和其他串流公司目前都是屬於賠錢狀態。疫情也會促使音樂人重新檢視和唱片公司的制式合約內容，促使唱片公司把真正的版權收入透明化。

演唱會的停擺致使上下游工作人員收入全無。演唱會業界長期採用的論件計酬合約使所有工作人員都要獨力承擔眼前的巨變。大家只能寄望疫情可以促使他們團結起來改變這種不公平的結構。

連演唱會Promoters自己都逃不過重創。除非特別指名購買，否則他們過去買的保單幾乎都不涵蓋傳染病的風險。影響所及是未來年輕的新進藝人、實驗性類型、小型演出都很可能消失，只有財務風險低的高知名度、高效益演唱會可以繼續出現。演唱會的燈光音響特效也會減少，此外因為保單的費用會高漲，預計也會使票價上揚。

許多人開始在疫情中想辦法改變這種結構性現況，藉以存活下來：有些藝人自己在線上銷售專屬單曲或是演出，有些人則是舉辦線上的工作坊。

其實市場上一直都有線上演出，只是疫情把大家關在家中之後，大家才開始發現這種體驗很酷。許多人相信最終線上演出會變成一種商業模式。比如柏林愛樂的數位音樂廳。當然線上轉播永遠不可能複製音樂現場的氣味和氛圍。

當我們要從灰燼中重建音樂產業時，不太可能再從現有的經濟結構模式下手。電競產業的經驗可以作為參考：粉絲願意透過Twitch 或是 Patreon等社群付費支持他們鍾愛的選手。這次疫情讓全世界體會到原來音樂這麼脆弱，也因此刺激大家開始用行動來支持他們鍾愛的音樂人。當大家透過那些更透明的交易平台比如bandcamp購買一張專輯或是黑膠時，音樂人因此得到的收入可能等同於超過數千次串流播放。該平台原本抽成15%，疫情發生以來已經兩次舉辦活動將100%銷售所得全數歸給音樂人。

寄望疫情過後，我們會記取這次世界停止轉動期間學到的每一堂課，並有足夠的智慧重建一個更甜美、更公平的新音樂產業。
（報導原文：https://bit.ly/2LakUKP）


其他今天也應該知道一下的事
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➤中國電影院再開門近了？中國國務院宣佈採取預約制開放電影院等密閉式娛樂場所（https://bit.ly/2SMKCcA）

➤東京電玩展取消，取而代之的是一系列線上活動（https://bit.ly/2YICyx8）

➤英國第一季電影電視製作投資未受疫情影響，成為史上第二高（https://bit.ly/35GQtp2）

➤Uber、Lyft、Airbnb等共享經濟龍頭不約而同開始裁員（https://bit.ly/3dt5Gg5）

➤上世紀的遺跡——連鎖信又回來了（https://bit.ly/2xLDQN1）

➤ Amazon的《Lord of the Rings 魔戒》 和 《Avatar 2 阿凡達2》在紐西蘭的劇組復工（ https://bit.ly/3ce9iSU）

➤上海迪士尼樂園重新開張第一天的門票秒殺（https://bit.ly/3bjPNHb）

【卡巴拉儀式2020年度的再次招募】

Oly老師去年開展了一年份的卡巴拉儀式，今年即將再度招募年度參與者，一起經歷內在的體驗與轉化，卡巴拉儀式講求緣分，請你看到這些字詞靜下心感受一下，若無緣，沒有感受到內在召喚，下面的冗長內容則無須觀看，獻上祝福給各位(合掌)。

#卡巴拉儀式是一個以一年為單位的儀式
#祂適用於任何人任何對象

【卡巴拉儀式的特質】

「卡巴拉生命之樹」被稱為煉金術師的基礎，煉金術師透過祂，看到實像與虛像間的共同、穿越祂來了解能量的法則、經驗祂體悟生命的歷程，祂也可以說是

世界的模板　／　從生命源頭到實踐的過程　／　心境的萌芽到開花結果　／　宇宙能量循環的軌道　／　因與果、是與否、陰與陽、光與暗、存在與不存在　／蘊藏所有行星的能量體現　／　蘊藏所有數字與符號的能量體現　／　蘊藏所有音頻的能量體現　／　蘊藏所有光線與虛無的能量體現　／　蘊藏神聖高靈的力量體現　／　………。

用再多的語言都無法形容祂，因為卡巴拉生命之樹是一個非常龐大的能量體系與創造的法則，並且祂是動態的，祂一直在我們的生命當中支持著陪伴著你、我、他。我們都是祂的一部分，祂永存於我們之中。

🌈參與卡巴拉儀式對自身有什麼好處？

說實話，我不知道。這是從猶太學者便開始鑽研的智慧，至今約有四千多年的歷史。

卡巴拉有十顆球體，在每顆球體上，你自己個人存在著什麼樣的人生議題，沒有任何人可以去得知，祂不像一本書，有著頁面可以去翻閱了解，祂是看不到的、純粹的能量品質，我們會說生命的本源皆來自於此，因此你的課題也記錄於此。

而我們運用像剝洋蔥一樣的方式，用著各種不同的自我力量，在不同的層面上運作，包括：「物質世界、情緒、意識、學習、靈性、能量支持」，不斷不斷的在生命歷程當中，跨越生命裡的障礙與框架，也就是不斷的去了解生命的本質：「我的需求、我的歷程、我的每一份關係、我的經驗、我的情緒、我的精神、我即是我。」

而這些都是卡巴拉生命之樹裡的議題，其實我們一直在經歷祂。

🌕做一次卡巴拉儀式就可以完成此生的功課揚升？

沒有，卡巴拉儀式是一個輔助成長的法寶，祂可能引領你看見真實的方向、祂可能推你一把協助你改變、祂可能讓你向內看發現自己其實很有力量，使你面對過往深藏的經驗、祂可能在你勉強自己時，讓你學習放鬆、祂可能協助引導你釋放關係中的緊繃。

卡巴拉會協助你較快速、或是將複雜化為簡約的去進行自己生命的功課，但真正的成長仍然是你，而就像生命的每個階段都有不同的課題，卡巴拉儀式是每位高階魔法師固定每年度的自我成長功課。

⏰卡巴拉儀式的時間，與自己要做些什麼？

此為遠距團體儀式，在團體成員的狀態許可之下基本上每個月一次，但也可能因為成員的需求調整成每兩三個月一次；或是一次兩顆球（陰陽面一起做的意思）然後下次儀式時間拉長。

我們會用email告知每期儀式的時間，以及因應每顆球體的狀態可能會有一些自我問答的內在功課（此功課是為了協助你思考，不需要回復也沒有正確答案。）儀式的能量層面不是直接對應肉身，故無需介意儀式時你在做什麼（並且我會對應能量流去找真正適合開儀式的時間點，所以不會有正確的幾點幾分開始。）但你的確有可能會受到儀式能量的波動影響你當下的狀態（但有人跟我說她下午身體一直晃動，可是我晚上才開儀式。你懂嗎？有時候是你的身體自我為了儀式在準備，總之，不需要為了儀式改變太多，放寬心去敞開跟接受就好）。

❤️卡巴拉儀式費用
．原價12615元。
#本年度附贈個人特製雕刻魔法符印原木盤
（依照您的能量狀態獨一無二設計之魔法陣盤）
參與卡巴拉儀式者，在當年度卡巴拉完成期間若有參與熾天使其他儀式，為讓能量完整進行整合，將直接升級皆使用個人特製魔法盤施作儀式。

只收四位。誠摯的邀請有緣份的你，與我們一起經歷這個年度。

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#卡巴拉生命之樹 #卡巴拉儀式 #生命之樹 #年度轉化

當代音樂再合理不過的做法 華語音樂別再排擠編曲了💩

這陣子因為著作權修法的緣故，圈內開始熱烈的討論詞曲版權這題，很開心聽到很多創作人開始交流這一塊資訊～而這兩天大家交換了很多想法，特別是傳統音樂工業裡製作端的編曲人該分多少比例的版稅這題，我也提出我的看法。

首先聲明兩個大前提：
1.強如美國/韓國流行音樂，版權基本上沒有分什麼寫人唱的主旋律 或 編曲搞伴奏的差別，概念上都是叫作曲。
2.個人認為”詞曲版權” (以下將以”音樂版權”代替) 實際上是在demo這個”錄音著作”完成當下發生的。而demo錄音著作(母帶，也就是你過出來的那個mp3) 本身是有價值的！

全世界 (除了華語市場以外) 的詞曲授權基本上是沒有預付的，但是有所謂的song fee (production fee)，意思是”買”這個demo母帶的費用...很意外吧？在台灣傳統音樂工業裡基本上不會有人告訴你，其實demo母帶本身是有價值的！但前提是你的demo品質必須屌、必須做到接近可發行的品質，不然國外的A&R是不會買你的歌的。
建立在這個前提之上，其實我大膽的說，流行唱片工業其實是不太需要”事後(創作)編曲家”的！以台灣傳統音樂工業目前的遊戲規則來看，編曲其實就是一個錄音的工，就像樂器dubbing、和聲、混音一樣，是幫唱片公司提供協助完成可發行的”錄音著作”的工(而且是買斷)；就算有唱片公司願意分版稅給這些參與製作端的辛苦音樂家們，也該從”錄音版稅”去分而不是”音樂版稅”。

看到這裡一定有很多圈內人不服氣了，因為實務上不論是編曲、樂器dubbing、和聲甚至混音，我們都”不得不”提供很多實質上”創作”的部份，尤其是編曲家們從拿到單調到幾乎只有主旋律的demo到完成整首歌的編曲，提供的實質創作內容絕對值得算上”音樂版權”的一份。沒錯，任何一位流行唱片界的編曲家絕對都擁有創作能力，編曲作品也值得share到音樂版權，但你必須在”創作端”就得進場。

這裡”創作端”是指參與demo母帶製作的階段，基本上一首demo的production其實就跟正式的production沒什麼兩樣，作者們是相當需要投入成本的 (大部份是時間與電費、咖啡零食等費用)，且完成一首demo之後要進行推歌，直到歌曲賣出之前”不會有任何收入”，這就是創作端的音樂人必須承擔的風險。而老外行之有年的做法就是team work，一首demo的製作不會只有做主旋律的人跟詞人，一定也會有歌手 & Tracker(也就是Producer)，甚至成員裡也會包含單純只做Engineering的人；一首歌的完成需要多少人要看情況，比例就依參與的作者們協調好 (也有些參與作者實際上只收fee不拿比例掛名，談好便行) 但肯定的是老外做demo基本上是當一個正式的production在做，所以詞/曲/編曲/錄音/混音各層面都得顧及，這樣才能提升歌曲的競爭力。就以目前競爭非常激烈的韓國音樂市場，主流唱片公司的收歌A&R也都是特別嚴格，demo本身不夠屌的話，就算只是混音差強人意都有可能導致歌曲落選～

如果用這個標準來看台灣早期流通的那些demo, 嚴格說來那些demo都只能算是半成品 — 這在傳統情歌上或許是ok的，但如果一把木吉他＋vocal的demo跟我說這是舞曲，全世界能生產出超屌舞曲的寫歌團隊可都不是這樣搞的好嗎。

早期台灣傳統音樂工業在收歌階段基本上只需要收到好的詞/曲，對歌曲其它部份幾乎都是在製作端用同一套SOP在處理 — 這造就了一段華語流行音樂的盛世(特別是情歌)，但只有這套SOP也讓現在的音樂工業跌至谷底。現今的流行音樂是相當多元的，不可否認情歌在華語音樂裡還是佔最大宗，但其它曲風的歌曲用這套過時的SOP是不可能做得好的！情歌以外的曲風，Track的原創性、獨特性、器樂旋律與音色都非常大的程度影響歌曲的成功度，尤其是廣義的電子舞曲。所以，這就是為什麼外國歌幾乎都是co-write，自幹王是非常稀有的。

回到正題，對於身處目前傳統音樂工業的編曲人而言，與其改變環境不如改變自己，如果真的很在乎版稅，就應該規劃一下音樂事業比重，開始參與創作端的製作。之所以老外賣歌一定會收song fee就是要用來支付demo製作過程產生的所有費用(當然也包含demo的編曲)，這就是我一開始所指的”demo母帶本身是有價值的”這件事。

當然，台灣的唱片環境才剛開始蘊釀跟進這種比較global的做法，其中也會牽扯到一些唱片圈生態政治利益分配的問題。但只要demo能做到頂尖水準，基本上production fee (台灣目前大部份公司的認知是俗稱的”綁編”) 是相當有機會爭取到的。至於應該是多少錢，據我所知的range大約在2000~20000美金都有，不過實際上的工作內容不見得只有編曲的部份，廣義的Tracker其實是包含整個製作的工作 (總之由該曲的trackers自行協調分配)。若以Kpop的運作方式，通常就是歌曲tracker跟唱片公司in-house製作人協調分工與費用即可。

我也能理解有些圈內人覺得我說的某部份太過理想化，但我只能說這些事情其實都已正在發生。只不過站在編曲人的角度，因為已經很習慣了”接案->編曲(創作)->收錢”這樣的工作模式，剛開始參與創作端可能會有些不適應 (常常覺得做白工) — 因為一首demo完成到賣出，快可以很快，慢可能要等到10年後才賣出都有可能。

回應小李老師 Eriky Lee 的話題，我覺得基於曲風的不同，在”創作端”實際參與的 作曲(主旋律)/作詞/編曲(器樂創作) 比例有可能大相逕庭 — 比如說傳統情歌，幾乎都是著重在主旋律跟曲；而舞曲則絕大多數例子是編曲最重要。成功的”原創性編曲”絕對不是找hit songs來抄幾個音色改幾個音那麼簡單而已，甚至很多舞曲最hook的地方都是drop段落的器樂；而這類舞曲的作詞比例依一般國際慣例大概落在12.5%~20%

我建議可以有幾個原則如下 (以原作者們共擁有100%計算)：
1. 把作曲(主旋律)/作詞/編曲(器樂) 三等分當作原則，視曲風作適當比例調整
2.若有實務上的必要 (比如已知pitch對象會另外邀詞/比稿) 則預留一個比例給詞人 (目前幾乎是50%，其實應該要降低，詞人們請不要公幹我)
3.若有實務上的必要，也可share部份比例給未來製作端的編曲人
4.若有純engineer類作者進場且願意不預先拿fee, 則應share一部份比例

另外回應 滾哥 于滾滾 的論點，個人覺得 版稅比例&工錢 其實是得一起整體考慮的，硬要說的話只能說原罪來自傳統工業的遊戲規則 — 對於唱片公司立場而言，歌曲授權費與製作費本都是整體預算的一部份，
而取得demo的錄音著作費用 (song fee) 本就該算是製作費的一環 (至少涵蓋編曲成本)，如果台灣音樂人的demo能夠做到全球該有的水準，且不因不合時宜的遊戲規則而勉強自己做不是最適合自己的工，讓創作端與製作端更緊密結合，才能讓優秀的音樂人得以溫飽生存。反觀現況，很多歌曲從製作端開始直到做完，作者都不一定跟製作端的人有機會做任何的交流。

大家身邊有只靠寫歌就能靠版稅過活的朋友嗎？(入行超過20年的大前輩們不算)
就連寫出小幸運這麼賣座的歌的作者都得靠著不斷接製作/編曲案才能活下去，你說呢？

ps.以上所言都跟需不需修著作權法沒有關聯，只是對關心版權的編曲人/作者提供一個基於現況可以執行的方案。

#寫到天亮
#肺腑之言