好久沒更新這裡，某部份原因是 IG 發文有字數限制，附上連結又無法超連結，始得我的評論會遭到閹割，最後便忘（懶）了發表在這。 而我始終認爲 IG 的媒介屬性不適合長文，僅適合吸睛的圖和短文字，因此，若對我的評論有興趣的讀者，建議還是追蹤臉書粉專，那邊會有完整且較新的評論，同樣搜尋「地下電影」就能找到。 今天趁著 #奧斯卡 頒獎前，談談《#父親》 ——以下有雷—— 從舞台劇場首度轉戰電影導演的費洛里安齊勒（Florian Zeller），找來奧斯卡帝后安東尼霍普金斯（Anthony Hopkins）、奧莉薇雅柯爾曼（Olivia Colman）主演的《父親》，在 97 分鐘的敘事，展現導演對於影像的高度理解，透過「時間」與「空間」的轉換，不斷打破觀眾認知，敘事經驗不斷反轉，成就特殊的觀影視覺體驗。 首先，開場第二顆橫移推軌的鏡頭運用，宣告觀眾跟著奧莉薇雅柯爾曼的緊湊步伐，從戶外踏進公寓，這間公寓，是安東尼的世界，而戶外灑落的安詳寧靜之感，被棕黃色調取代，就於這裡開始，導演逐步透過「空間」、「服裝」、「手錶」、「畫作」等符號表徵，慢條斯理地褪去記憶外衣、高雅淡然地破壞文明。 開場戲非常聰明的是，導演將觀眾拋進一個無從確認「真相」的世界，隨著劇情推演，當觀眾私自認為建立起人物關係，準備「安穩地」進入「女兒」——「父親」會有的預期對話時，下一瞬立刻被零碎且混亂的敘事線打破，於是觀眾直視了多重人物疊合的狀況發生。也就是說，電影之初，觀眾並無法「真正」確認誰是女兒，誰是女婿，而我認為，導演是有意識地拒絕觀眾建立人物關係，進而離散所謂真實感知。 很多時候，我認為故事在一開場就捨棄建立人物關係是危險的，當觀眾幾分鐘內無法迅速理解角色的位置，無從確立關係、台詞、敘事等細節，基本上就會邏輯混亂，導致喪失興致與耐心，便會脫離故事。但《父親》仍舊選擇透過「非線性」手法，抽離一般敘事商業電影急於確認的人、事、物，而這麼做是挑戰觀眾的。 至於為何導演要將片子置身於顯而易見的危險，我認為，這步險棋最重要的意義是——不斷反覆加深觀眾對安東尼這個角色的認知。 因此，片子透過「剪接」看似造成觀眾對敘事、角色的「邏輯混亂」時，但恰恰呼應的世界觀是——安東尼的「失智症狀」。所以觀眾的主觀視角，就被導演巧妙置放於安東尼身上，而當觀眾無法確認人物關係，深感無法進入故事之際，就會產生與安東尼同樣的焦躁、煩悶、不安，甚至發怒。 所以，換句話說，開場在導演手法的選擇之下，雖然觀眾無法確立角色關係，但是對安東尼的失智症狀便會產生極大認同感，縱使其餘「配角」仍舊模糊，但「主角」安東尼頓時變得鮮明立體。進一步說，導演在開場想做到且唯一重要的是——混淆觀眾對於角色、空間、時間的順序理解，而這樣的混淆正是遞出邀請函，試圖讓觀眾深入沉浸安東尼的失智症困局，進而塑造安東尼的形象，這無疑是這部片子最重要的事。 讀取到這件事之後，就能發現導演在鋌而走險之中裹藏著膽大心細，也就闢出了一條康莊大道。 誠如上述所言，這間公寓的主人翁，是安東尼；這部電影的主角，是安東尼。跟著安東尼共同經歷失智症的「邏輯混亂」之後，觀眾才被導演擺放在其餘記憶清晰的人物視角，在不斷辯證的台詞之後，逐漸拼湊人物關係。 開場能有這樣的效果，歸功於導演與剪輯的技法選擇，精湛地縫合「形式」與「內容」，令觀影者目眩迷離的同時，卻又心醉神往。延伸地說，這是透過「剪接」才有辦法做到的事，從劇場出身的費洛里安齊勒，絲毫感受不到對於電影媒材的生澀感，相當熟稔所謂的「蒙太奇」，當掌握「電影語言」並自如運用時，費洛里安齊勒也就成功地將《父親》從舞台劇躍然於大銀幕，深具說服力。 至於剪接在《父親》之中不只做到非線性的「時間」位移，也做到「空間」轉換。觀眾在不知不覺之中，於角色開、關門的動態之中，秒瞬穿越空間。於是在推進敘事之際，場域便從「安東尼的家」，進而轉換為「女兒安的家」，最後走入「安養院」，至於場域變化，象徵的是——安東尼的主導權逐漸喪失。然而，除了場域幫襯之外，導演同時透過「服裝」去強化這件事。 於是觀眾能看到，安東尼在擁有主導權的公寓，西裝筆挺、體態端正、禮儀到位；轉換到女兒家，甚至喪失睡衣替換為正裝的權力（之後就以睡衣示人）。場域不同（自宅、女兒家、安養院），體現失智症的每況愈下，潛移默化地將人類的「禮儀」與「秩序」全面破壞，更重要的是削去安東尼自我的主導性，進而達成全面失能。 至於，如何在剪接技法之下，判別場域的不同，簡單有效的方式是透過色調——棕黃色是「安東尼的家」、灰色調是「安的家」、藍綠色是「安養院」（當然還能利用畫作等物品的消失判斷），而這些線索，除了營造氛圍之外，更能在導演創作的世界中，撿拾起影像巧思。 在片中錯綜複雜、不落俗套的每個剪接點之中，看見的是團隊從前期拍攝到後期剪接製作，環環相扣的縝密佈局，甚至在空間、服裝等細節皆做到影像暗喻，不用台詞敘事，真正利用「影像說故事」，全片由內而外高度整合。 全文請點此👉https://bit.ly/2QXkJIQ

《#陽光普照》入圍奧斯卡最佳國際電影前 15 強短名單的新聞，相信多數影迷都已知曉。昨天在臉書分享後就忘記同步更新 IG，因此今晚才分享在這，以下內容直接挪移於地下電影的臉書粉專。 《陽光普照》再度傳來捷報！恭喜進入第 93 屆奧斯卡最佳國際電影前 15 強，從 93 部國際參賽作品中脫穎而出。照片中的這群人真的辦到了。 今年影藝學院因應肺炎疫情改了許多制度，其中之一就是關於最佳國際電影的初選方式。往年最佳國際電影在這階段是選出 10 部電影的短名單，而這 10 部電影的組成方式，有 7 部是由「General Committee」投票選出，至於其他 3 部片子，就會組成「Executive Committee」，去做一個類似特別提及的動作，在實際開會討論後，撿回可能被大家忽略卻相當優良值得進入角逐的作品。 但因為防疫關係，今年取消聚會，於是「Executive Committee」就不存在，而今年就從 10 部電影擴增名額至 15 部電影，直接由「General Committee」的投票分數高低排序，或許在北美目前有一定能見度的《陽光普照》，就有了闖關的空間。 無論如何，不管是 10 部還是 15 部電影，《陽光普照》都順利進入第二階段，上一次擠進短名單的台灣作品，是魏德聖導演的《賽德克・巴萊》，只可惜最終未進入最終五強。 時至今日，台灣僅有三次入圍最佳外語片（國際電影的前身）五強的經驗，分別是1993 年的《囍宴》、1994 年的《飲食男女》以及 2000 年的《臥虎藏龍》，皆由李安執導，《臥虎藏龍》也順利抱獎而歸。 今年奧斯卡最佳國際電影的評審，必須在在 3 月 5 日至 10 日，觀賞完 15 部入圍影片，方能投票選出今年最佳國際電影的最終五強名單。雖然從目前聲量來看，《陽光普照》要擠進最終五強機會不大，但套一句去年奉俊昊在獎季說的話：「關於奧斯卡，誰也不知道會發生什麼事。」 祝福《陽光普照》。 有幸在 2019 年時專訪鍾孟宏導演，再度分享專訪文章，希望讓影迷更了解鍾導的想法： ✍️全文寫在『The News Lens 關鍵評論網』。 ☀️上篇：談創作、談攝影，獨樹一格的鍾式美學👉http://bit.ly/2tM0Fy1 🌞下篇：談演員、談角色，台灣電影未來的樣貌👉http://bit.ly/37q6srt 🏆第 93 屆奧斯卡最佳國際電影入圍短名單： 台灣，《陽光普照》 丹麥，《醉好的時光》 香港，《少年的你》 捷克，《Charlatan》 羅馬尼亞，《一場大火之後》 俄國，《親愛的同志》 墨西哥，《流亡雙城》 挪威，《Hope》 瓜地馬拉，《La Llorona》 智利，《The Mole Agent》 象牙海岸，《Night of the Kings》 波士尼亞，《Quo Vadis, Aida?》 伊朗，《Sun Children》 法國，《媽咪心風暴》 突尼西亞，《The Man Who Sold His Skin》

2020 年 12 月 22 日，今天是【地下電影】創立三週年。 記得三年前的今天是平凡的週五，午後陽光讓冬日陰冷消散，當時台北的冬天不像今年數週陰雨綿綿，而是暖陽和煦，【地下電影】就在這樣的溫度下，於一陣慌亂和胡鬧中創立。 今日這個粉專長成現在這種樣貌，是當初創辦時怎麼也想不到的事。在這三年間，我的生命確實因為電影，因為這個粉專，遇見不同的人、事、物，進而激盪各種可能性。 在三年之際，問問自己當初為什麼寫作？是怎麼開始嘗試書寫所謂的「影評」？純粹是電影帶給我的情緒波動，這種波動無論是好是壞，對我來說它需要有出口宣洩，只因我還熱愛電影、相信人生，是我對電影信仰的自身回應。寫作是私人經驗的延伸，當我在漆黑場域中，看見銀幕上的靈光乍現時，總是神往，寫作很單純，是寫給自己看，唯一核心是對得起自己、對得起電影。 但這份神往至今，偶爾也成了迷惘，讀了點書、看了點電影，會發現自己滄海一粟，粉專人數越多，有了些微話語權時，就不像當初敢言、敢衝，會覺得自己何以咬文嚼字、大放厥詞？受眾也不再是自己，複雜了些。陳珊妮說：「沒有歷史的人，沒有未來。」但未來好像跑得太快，當我力有未逮地不停回溯電影歷史與自我對話之際，一轉眼，往往發現未來則望塵莫及。 現今網路普及、資訊爆炸，網路空間充斥各形各色的文章，因自身工作性質，每日要看數十篇參差不齊的文章，遊走於瑰玉和垃圾之中，的確也讓我對於寫作有些動搖。 有時納悶讀者對於垃圾文章的反應之好，明明是篇極爛廢文；有時也讚嘆其他作者的精闢評論，而後甘拜下風，知道這種高度可能永遠無法企及，自己便好似成了不上不下的幽魂。評論是什麼？自己觀點的價值又能擺放在哪？不斷質疑自我、不停反身提問，日復一日，年復一年，三年過去了，還是沒有清晰的答案。 但我也知曉，在庸人自擾的呢喃之後，唯有持續寫作才能對自己誠實，才能找尋寫作或觀看的意義，這也是我唯一能做的嘗試。縱使每次寫作是痛苦的、是自虐的，但當文章完成之際，總是汗暢淋漓，某種儀式完成了，就有繼續找尋下一個儀式的動力，探問下一個可能。 此舉週而復始，不斷自虐、不斷徒勞，但自討苦吃之後，或許能找到某些我所嚮往的東西，嚴重點說，有可能就找到我存在於世上的位置，這是電影和寫字至今帶給我的想法，而這種想法是滾動的，非永恆的。 或許也像《85年的夏天》中的 Alexis，靠著述說自身故事，碰觸困惑與苦痛，才能揮別死亡幽魂，才有機會航行於海洋。 「如果有人還持續在看你的文字，你還願意持續寫作，我就覺得寫作者要去珍惜。」這是今年我專訪聞天祥老師時聽見的話，而我的確也是如此想法。感謝這三年來，每一個按讚、每一則留言、每一次分享，都成了我持續寫作的動力之一。只要還有電影讓我動心；還有讀者願意看我的文章，我就願意持續書寫，這條寫作之路，可能就成為某種爛俗的甜蜜負擔，也或許能讓我在當代的瘋狂世界中安身。 【地下電影】三週年，謝謝讀者，持續看電影、持續體驗生命。附圖為《醉鄉民謠》，人生十大愛片之一，多少身懷才華也願意努力之人淹沒於時代浪潮之中，在與 Bob Dylan 的擦肩，成了傳奇身後的無數幽魂。而今時今日能混口飯吃，不過幸運了點，以此警惕。