{{ 伍. 談談樂手教練實務經驗 }}_16

連續兩天炙熱高溫的週末，在熙來攘往的信義區香堤廣場，『新光三越2018 第6屆不插電音樂大賽』順利完成了第二階段的複賽：22組年輕的參賽者們各自用兩首的原創表述了他們青春的喜怒哀樂，而三位評審在經過相當熱切的討論攻防後，決定了入選決賽的十組參賽者；接下來的一個多月，這十組參賽者會分配給三位評審做各自10個小時的音樂集訓，然後在八月中旬的決賽中一分勝負。

看起來，是一個還頗有建設性的音樂競賽活動，在炎炎夏日的台北，還算是健康而有教學相長意味的世代音樂傳遞；但…我有一點心底的感覺很想提出來討論一下。

[二. 樂手教練的實務筆記]_03

這兩天的賽程，我都提早了一些時間在評審席就位，為的是先閱讀一下所有參賽者的原創歌詞 --- 事實上，只要是類似的音樂活動，任何有『原創作品』的項目，我都會習慣性地先預覽一下創作者的文字，也許這來自於過去在唱片公司製作部的工作訓練，你會希望在還沒有旋律、音樂的烘托、渲染的情況下，先看一下作者文字掌握的能力，看看整個故事的結構，看看文句語意的鋪排，看看是否有獨特而不落俗套的觀點會躍入眼簾。

而我很意外 --- 但其實也不是太意外 --- 地發現，幾乎所有寫作者都很強調『自己』的感受，但一旦把所有人的描述放在一起細讀，十之八九，這些『感受』都像是同一個人寫出來的！我說的不是那種『英雄所見略同』的境界，而是一種使用語言的『狹隘同質』性，以及對於事物表層描述的局限、而無法深入剖析進而延伸的『平面感』。

對！『平面感』！許多的創作者用了非常『用力』的形容詞彙，把自己的感受『努力』地試圖傳遞出來，但因為缺乏『具體』的核心概念，所以，你只會覺得字眼帶來的繽紛感，卻始終像是在看一種浮誇的2D平面圖，完全抓不到作者最真實的心跳瞬間。雖然不應該，但我還是在某一篇的歌詞註記了一個眉批：『大量的詞性轉換與形容詞的堆砌，並不會讓這些字眼自動轉換成詩』。

這種在文字敘述上缺乏『景深』的寫作，往往只會使閱讀者陷入一種無端的膠著感；而為了不讓這些遲滯的文字影響閱聽者自己的情緒，我們其實會下意識地自動忽略了這些無關痛癢的字詞，所造成的結果，大概就是閱聽人對於許多時下『原創』作品無感的普遍狀況。

我一直也很苦惱於怎麼找出一個好的範例來解釋優秀的文字敘述應該如何透過轉換視角、藉景喻物，創造出有效的『景深』、『對比』，來讓閱讀者可以心領神會於作者『不言自明』的最高境界……一直到今天稍早，看到了友人馬世芳兄所轉貼的吉他名家大竹研先生的文章，我才覺得真的可以在這一週的專頁文章中一舒心中塊壘 --- 因為大竹君的文字，透過了極好的中文翻譯，完全體現了我認為一個優秀的文字經營應該是怎麼樣的場面 (且讓我厚顏轉貼這一篇文字) ：https://www.facebook.com/photo.php?fbid=10157565715639992&set=a.10152571790279992.1073741825.832404991&type=3

(我真的希望你會先另開新頁、好好看完這一篇音樂家的自敘，再回來看我的後續。)

你怎麼會想到用一只戴了十七年的手錶來開始描述這十七年來的人生種種？你怎麼會用發條的這種特性來延伸『即使已到這個年歲仍保有孩童般的心情，眼睛盯著錶面，左手拿著錶，右手旋緊發條：讓自己快轉，或者倒帶』的這種內心寫照？

『觀察』→『紀錄』→『沈澱』、『醞釀』→『試作』→『反芻』、『修正』→『再作』，然後我們才可以來談談創作的可能。

我當然也不斷自省，會不會是因為世代的差距，我『拿著明朝的劍來找清朝的官麻煩』；特別是這個以 IG 圖像式溝通的時代 (https://zh.wikipedia.org/wiki/Instagram )，誰還耐煩於這樣的文字建構？『…啊～是要給誰看啊！』

那就拿今年度金曲獎年度歌曲、盧廣仲先生的『魚仔』一曲，來看看他的文字運用：https://www.mymusic.net.tw/ux/w/song/show/5664874 ，不是一樣可以看到場景的轉換，以及藉景喻情的手法？在此，我還想特別推薦2018年七月號的『科學月刊』精選文章：『盧廣仲金曲獎入圍神曲<魚仔>中的語言轉換與旋律性』(http://www.scimonth.com.tw/ )，來看看『認知心理學』(http://wiki.mbalib.com/zh-tw/%E8%AE%A4%E7%9F%A5%E5%BF%83%E7%90%86%E5%AD%A6 ) 的專家教授是如何看待『字韻咬合』對於閱聽人所能帶來的深刻影響。(由於牽涉的智慧財產權利，我非常建議你可以去實體店面購買一本這樣的優良刊物來逐字閱讀。)

我只是很想說：如果你可以明確感受到『創作的慾望』，恭喜你！你『可能』擁有大多數人不見得能擁有的天賦；但真要能完成一個好的創作，只依靠『可能有的天賦』是遠遠不夠的！從『原生的慾望衝動』到『足堪傳閱』到『足以傳世』，這中間所需要的精雕細琢，其實才是一位創作者應盡的本分啊！

而這些，都不是你與外界的什麼音樂競賽，那些，都是你與自己無聲的爭戰。

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後記1. 今年我才知道，原來『香堤廣場』是台北市政府管轄的地盤！如果藝文界的朋友會需要類似的場地來舉辦活動，是可以向台北市文化局提出申請的，而最高的合作條件可以到場地免費！我覺得…這是個很棒的訊息。

後記2. 所以接下來的一個多月，我會與四組參賽者一起研修一些音樂相關的可能性；我覺得外在的音樂技術修整，其實都只是『勞力』型的學習，但真正讓創作發光的，恐怕還是來自於『勞心』的自我要求、鍛鍊。因此，在開始我們的音樂之旅前，我希望你可以看過了這一篇的文字，也算是校正一下我們彼此的基準，然後一起努力向前。

而我會很希望能將這些訓練過程，以『樂手教練』的身份，用文字紀錄在這個專頁，也許，這對於後進的新創者，會是一個可供參考的資料庫。

後記3. 既然是暑假，我們就來展開一切的暑期音樂鍛鍊吧！前此提到的『第二階段樂手養成計劃』，我們已經順利甄選了兩名新進鼓手加入即將展開的音樂製作案；接下來我們會在本週三公佈『貝斯手甄選』的相關活動訊息，歡迎各位對於自己音樂前景有絕對企圖，又喜歡在高壓環境下鍛鍊自己的貝斯手，一起來玩耍這個暑期音樂營。

謝謝大家！

{{ 伍. 談談樂手教練實務經驗 }}_04

上一週我很粗略地將『做為一個等待機會、但還不確定自己是否準備好了』的音樂人可以有的自我評量，分成了幾個階段，而每個階段裡也都有循序漸進的評量方式；對於第一階段『人與樂器的關係』，我會把它歸類在一種非常『物理性』的概念裡 --- 因為，其中所提到的每一個事項，其實真的都可以用『花下的時間』觀測出『具體的進程』，以及因為更多是牽涉到『肢體操作』，這些『技術性』的進步，我個人覺得只要能掌握到要領，原則上～每個人應該都可以得到自己預期的效果。

但這一週我想敘述的，會開始涉入一些『化學性』的概念，這個意思是：這其中所能討論到的事項，有些要件並不是線性的關係，有一些面向，甚至可以說：『那不是投入的時間多寡就可以決定的』……我瞭解這可能會有點兒令人沮喪，但！『做為一個等待機會、而還不確定自己是否準備好了』的音樂人，我想，也許還是可以就這些觀點，來看看自己所投注的努力，是否能夠找到『非線性』的變化可能。

[一. 漫談樂手教練的心裡話]_04 『準備』的度量衡_02

B. 第二階段 --- 人與音樂的關係：

之所以會想要用音樂 (或其他藝術方式) 來表達自己的想法、與他人溝通，並且期望得到認同、共鳴，最原始的出發點，應該就是『喜歡』音樂 (或其他藝術方式) 吧？但～『喜歡』這件事究竟可以怎麼『具體的衡量』？『我知道自己喜歡音樂』，可是，究竟要喜歡到什麼程度，它才能轉換成為一種驅策自己的動力，夙夜匪懈地在技藝上精益求精呢？在經過超過三十年的音樂學習之後，我必須很冷酷地說：『如果音樂會是你的職業選項，光是靠喜歡，那絕對是不夠的！』前一週所提到的：『如果你想要在這個行業出頭，先問問自己有沒有像其他選擇了相對正規工作的同學們一樣，每天至少要在他的工作崗位上打卡上班八個小時』，只是很冷靜地去敘述對於將音樂做為自我意志的表述工具，並且希望能尋求到伯樂的機會等待者，所應該至少要做得到的基本要求；在這個前提之下，我覺得要討論『人與音樂的關係』之前，我想提出來的『基本面』，其實是『自律』這兩個字。

只有『自律』，才能建立起一種自我要求的慣性，才能讓你從藝術喜愛的『化學性』進入到藝術學習的『物理性』，才能讓你在伯樂不知何時會出現的過程中不會懷憂喪志，其實最重要的是：你才會知道自己在做什麼！

在具備了『自律』的這個基本面之後，我們才能來聊一聊『人』之於『音樂』所應該要有的準備：

1. 想像力：如果我可以為藝術的創造找到一個出發的原點，我真心覺得就是『想像力』了！那是一種將『還未具體存在的事物，在腦海中以突破時空限制的方式，瞬間給予存在的可能』的一種能力；如果我可以選擇、但只能選擇一個在這一世老天所予的天份帶到下輩子，我會毫不猶豫就選擇『想像力』！很多時候，當我在編曲工作開始之前、我的電腦還只是一個空白的檔案的那個時間點，我其實幾乎就已經『想像』出整個編曲的樣貌了；就像盯著散落一地的樂高積木，我還不用動手去試著拼、試著組合，我就已經在腦海裡看到今天要完成的機器人、太空船會長成什麼樣子，剩下的，只是花下時間去將這個『想像』給組織出來，所有的音樂聲部、線條、能量的流動，都只是為了完善這個『化學反應』所執行的『物理操作』而已。

那麼，『想像力』應該如何觀測呢？我在想～如果此刻你飢腸轆轆，突然飄來一陣食物的香氣，而你的大腦立刻就可以做出反應、『想像』出那個食物的樣貌，我認為，你就是一個有想像力的人。當然，藝術類的想像，不單純是生理上那麼直觀的反應，它其實會很依賴『先前你餵給它什麼養分』！如果你很喜歡『聽』音樂，但不是太常去分析音樂、拷貝音樂，你可能就會感覺，當你需要應用音樂上的想像力時，往往會力不從心。而比較有建設性的觀測方式，會是：當你聽到一個單純的旋律，你可以不依靠樂器，就『聽到』可以有的和絃配置與聲響，而隨著你在先前的『養分補給站』的存貨越來越多，你可以『聽到』的和絃聲響會越來越精緻，甚且可以在和絃彼此的連接上，『聽到』一個或以上的副線條，用來強化你想像中的內聲部；當然，於此同時，你一定也能『聽到』那些還沒有真實存在的律動、拍分，而且可以在腦海裡『突破時空限制』地任意搬移這些拍分所在的位置。

但如果你覺得自己是一個沒有什麼想像力、卻又一心想要做出自己音樂的人格特質的話，我建議你趕快回去第一階段，開始動手大量拷貝音樂並且認真地分析它們！而你最應該從事的休閒活動，就是去買一堆樂高積木，去練習拼出一些只有你感受得到的那些造型。

2. 舉一反三的能力：在早期的錄音室鍛鍊中，往往製作人會提出與你的音樂直覺或見解完全不同的意見，我所學到的是：製作人提出的要求，你一定要做得到，但你一定也要想得到製作人想不到的看法，而且你能夠執行出來。在我從事錄音室吉他手的職涯初期，製作人會依據我所處理的內容很明確地告訴我他不要什麼 --- 我相信從事創意類型工作的夥伴們一定很能體會：老闆總是要看到你做出來的東西，纔會開始意識到他不要什麼！但更可怕的是，『他知道不要什麼』不等於『他知道要什麼』，因此，當你可以運用想像力去建構一些還不存在的樂音時，請不要只有一種套路！你必須在獲得一些新的資訊時，立刻能夠重新整合現有的狀態，再次提出新的解決可能。而有時候，製作人突然明白他要的是什麼、但你的音樂判斷告訴你『這恐怕不太理想』的時候，你第一件要做的事，就是先按照他希望的方向，執行出他所期望的結果，然後很客氣地詢問：『我還有一、兩種方式，不知道是不是可以試試看？』，你能夠處理出來的方式、手法越多，製作人會給你的限制就越少 --- 至少，到了後來我在處理吉他錄音時，很多製作人已經可以不用出現到現場了，這並不是因為他們怠忽職守，而是『就吉他操作來說，我一定比製作人專業，我所能想到、執行出來的，一定比製作人所能想到的更好、更有效』！而對於製作人來說，他們的專業，就在於找到他們可以信任的分項專業人才，這比較是一個健康的產業應該運作的模型。

但那是以前。

現在的音樂製作過程、生態，製作人的位階、功能有著顯著的退化、甚且被淘汰，在現在這種『我的音樂我主張』的主流觀念下，我的觀察是：誰越能有『舉一反三』的豐沛想像力，誰就越能有出線的機會 --- 但他必須同時具有下述第三種能力。

3. Sense：我在上一週北藝大的課堂提到了這個關鍵字、並詢問了全班同學對於這個英文單字的最佳中文解釋，一位留學德國主修打擊樂的女同學給出一個我覺得很文雅適中的翻譯：『美感』。

在那個什麼都還不存在的時間點，你因為有想像力，所以可以『創造』出別人都還無法觸摸到的『謬思』，而因為你能舉一反三，你甚至可以因為一個靈感而再能建構出其他不同的音樂處理方式與可能；但～是什麼讓你最後決定要用這個音、這個和絃、這個律動、節奏？而且，為什麼？

只有你的『美感』能回答這些個問題。

但你的『美感』……你怎麼知道能不能感動到其他人？

你不會知道！你只能一直不斷去追求。有的時候，你的美感還沒到該有的水平，所以理解、同意你的人很少；但有的時候，你的美感已經超越了同一個時代的水平，所以根本沒有人能理解、同意你。而你究竟是處在哪一種位置呢？

在這個產業工作、學習的過程中，我幾乎可以斷定：『Sense』是存活與否的最後關鍵因素！你可以拷貝別人的音樂到非常相似，但如果你沒有那個 Sense，你的手感就一定會被聽出來沒那個靈魂；反過來說，如果你很有 Sense，你甚至不必具備什麼了不起的絕招，也可以用非常簡單的和絃、音符，說出感人肺腑的音樂故事 --- 相信我！這兩種極端的人物我都認識過。

而 Sense、美感，會有方法可以練習而進步嗎？我覺得它無法『練習』！但，它會因為你所身處的『環境』而有所變化。舉例來說，我自認是一個衣著品味很差的人，所以將近三十年來，我只有黑色、灰色兩種T恤搭配牛仔褲＋黃色高筒 Timberland，而且應該會就這樣走完我的人生；但如果三十年前，我去了歐洲求學，我估計，我的衣著方式、配色概念，應該會比現在高明一些。

因為『美感』是一種人文教育，它深植在國民從小到大的一切生活細節裡，它無法被揠苗助長，只能細水長流地在每個小地方被涵養。我難過的是：在這個島嶼，我們求學的階段，學業成績界定了我們生命的價值，進入社會後，薪資職銜界定了我們的價值，美學教育從來都不是我們可以拿出來討論的議題，然後我們要能夠在音樂、藝術方面很有 Sense？

你知道你成長的過程中真的就缺乏了這一塊，所以你一定要很能『自律』 --- 有意識地讓自己能一直身處在可以涵養 Sense的環境裡，你需要一直拿其他的、各種類型的藝術傑作來灌溉自己，你需要謹慎地去比較每一個『想像力』所執行出來的成果的質地，如果你 senses到這個音符、這個和絃聲響不是那麼美，你就應該自律地打掉重新來過，到了最後，你會知道，只有你的 Sense可以成為你自己的導師，幫助你一直在藝術的領域踽踽獨行，自發性地檢閱與完善你的一切創作。

如果真能達到這個境地，我覺得你應該只會繼續去追求你心中的至真與至善，旁人理解與否，可能已經不在你的眼界了。

而依序進入到這個階段的後期，我覺得『機會』不會只是路過你家，我覺得『機會』會是專程去找你。

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後記1. 根據『莫非定律』(https://zh.wikipedia.org/wiki/%E6%91%A9%E8%8F%B2%E5%AE%9A%E7%90%86 )的廣義解釋，在完成前面兩個階段的準備之後，也許機會真的找上你了，但一切事情還是會非常可能出錯！那是因為整個準備過程中還有最後的第三個階段，而～那就是下一週的事兒了。

後記2. 『鼓手甄選』資訊揭露的兩週後，年輕新血們的來訊讓我與戴佩妮都覺得事情似乎應該要往更專業的面向來執行；因此，我們已經議定甄選執行的地點會是在強力錄音室，而甄選的模式會是針對已經遞交給所有鼓手們的四首曲目，以錄音的硬體器材水平讓所有參與者都能有最好的監聽條件來進行試奏。我想，不論結果會是什麼，這一個甄選活動，應該會非常刺激、有趣。至於實際執行的時間，我們很快就會公佈在這個專頁，同時以私訊的方式向每一位來函的鼓手告知與確認。

後記3. 這次圖文不符的照片，是來自在2018年4月18日於台北國際會議中心所執行的馬毓芬老師『愛的旅程』音樂會中的一個剪影，掌鏡的人是相識多年的攝影高手奧斯汀大師 (https://www.facebook.com/profile.php?id=100002953016581&hc_ref=ARTOu9ZRI8-SUB-OZ61GFGWle_2H5lGcCCRwE7tfCFBJbEhjfC-kKOZgAiY856sLuWg )。選這張照片的原因，除了同步紀錄在這一週能有幸參與這個與眾不同的音樂會演出之外，還因為我非常喜歡這張什麼也沒說、但又說了很多的光影構圖，而這一切的組成，我覺得就是 Sense的總合。

奧斯汀 （鄭明裕）

{{ 參. 談談編曲實務經驗 }}_15

『我…有可能進入音樂行業嗎？』那個從十八歲到二十五、六歲的我，每一天都不停地、充滿懷疑地問著自己。

我知道『音樂』是老天、父母所給予我的最好的能力 ---比較起我其他可能發展的資質來說，雖然音樂是我最晚接觸的一個領域，但我非常清楚知道，我對於這種『藝術能量』有著非常不同於其他人的『反應』，而且那種反應，常常令我自己有一種『這似乎不是我自身就能產生』的玄妙感；所以，即便我才接觸了吉他非常短的時間，而也不過十七、八歲，還是高二的學生階段，我就已經辯證過：『如果未來要到社會上謀生，我應該要拿我最好的天賦去與其他人競爭』這種簡明的邏輯，也幾乎是在那個年紀就已經做下了人生志向的選擇決定。

從主觀來說，我可以自己認定『音樂是我最好的能力』這種事情；但從客觀的角度來說，『我的最好，又會是這個世界排到哪邊去了的位置』呢？

『我一定是不夠好的吧？』…其實那些年我每一次的自問，得到的都是這種非常黑色的自答 --- 如果你身邊的同儕都是類似林正如先生 (『河岸留言』展演、教育系統創辦人，高中同學)、雷光夏小姐 (文青派創作流掌門，高中學妹)這些充滿創作能量的奇才，而走進任何一家的樂器行，都可以看到一堆你叫不出他的名字、但他顯然很有名的吉他、鍵盤高手，張牙舞爪地炫耀著操作樂器的華麗技巧與言談間對於音樂的理解和控制力，『我的最好，又會是這個世界排到哪邊去了的位置』呢？我只能感覺到自己渺小得可笑，用一句現代語彙：『我連他們的車尾燈都看不到』！

唯一支撐著我的妄想不致於乾涸死去的，大概就是每次聽到七〇、八〇年代那些搖滾、實驗音樂先聖先賢們的曠世巨作時，那種『我好想像他們一樣啊！』的深埋在心中、無聲但巨大的吶喊吧？當我一秒一秒、貪婪地吞噬著這些音樂寶典時，我知道我一定是無法超越他們的，但我可以放任我的想像，想像著他們為什麼構思了這個樂句、為什麼安排了這個樂器、為什麼要這樣說這個故事，以及『為什麼他們可以是他們』。我的想像不一定都能得到現實世界中真實的回應 (特別是那還是一個資訊流通不太發達的時空環境)，但那些想像，建構了我自己在音樂世界裡的世外桃源，每一次我在現實世界看到令我沮喪的人、事、物，尤其是那些年齡相仿的天才們又在音樂上得到了什麼進步或展現時，我就會逃回我的世外桃源，然後聽到那個『我好想像他們一樣啊！』的吶喊，一次比一次更大聲地，在我心中激盪迴旋。

『我一定是不夠好的！但，我可以讓今天的我比昨天再好一點』。在『維特』與『不維特』的煩惱之間，我很幸運地被那種無聲而巨大的吶喊推向了後者的選擇：我當然可以繼續我的悲觀或感傷，但，為什麼不試試看『不要悲觀或感傷』呢？我想要像那些七〇、八〇年代搖滾、實驗音樂先聖先賢們一樣說出他們心中的音樂烏托邦，那，我能做些什麼？

從那之後，每一天我聆聽著這些音樂，然後規定自己，每天都要寫出一個完整的樂句、Pattern或小小的樂段，才可以結束這一天 --- 那是高三畢業第一次大學聯考落榜之後的冬季尾聲，而春天的到來，還很遙遠……

這個『每天寫出一個樂段』的訓練持續了好幾年，大多數的音樂內容，都是ㄧ兩天之後我就會不想再提起的『習作』；而每隔一段時間，會因為前面這些『習作』的累積與沈澱，而忽然有了一個比較像樣的『創作』片段，當這樣的音樂產生時，我就會認真練習這些個片段，然後用一臺『四軌卡帶錄音機』(https://zh.wikipedia.org/wiki/%E5%8D%A1%E5%BC%8F%E5%BD%95%E9%9F%B3%E5%B8%A6 )，將這些音樂紀錄下來。很偶爾地，我會去到樂器行，在把玩樂器的時候，有意無意地將這些音樂片段彈奏給陌生的旁人聽。漸漸地，我注意到那些陌生人的反應也越來越不一樣，雖然我並不覺得他們會喜歡這些音樂，但我可以意識到，他們覺得這些音樂『有點兒不一樣』。

但真正把這些音樂片段用『一對一』的方式認真聽進去的，是當年剛在錄音室嶄露頭角、但也還在『齊柏林樂器』兼任吉他教職的江建民先生。小江老師後來成為九〇年代華語流行音樂製作圈中最重要、最有創意的錄音吉他手與編曲，他與另外一位神級的吉他手倪方來先生，幾乎界定了一整個時代的華語流行音樂的吉他語彙與聲響美學。而我有幸在小江老師還有時間餘裕的狀態下，受業於老師的四堂吉他課；我有生以來，第一次踏進專業錄音室、參觀了職業樂手的錄音過程，就是小江老師所給予的機會。

在那之後，我心中的自問自答，從『我…有可能進入音樂行業嗎？』轉而變成『我應該如何進入音樂行業呢？』，雖然，我依然充滿著懷疑……

[三. 關於編曲開始前應該要會的幾件事]_04 知己知彼

那個『我應該如何進入音樂行業』的問題，我不知道你會覺得整個問句的『重心』是在哪裡，在我繼續說完這段故事之前，也許你會願意拿同樣的問題問一下自己、然後傾聽一下自己心中的答案？

而回到當年，我問著自己應該如何進入這個音樂行業時，我第一個思考的面向其實不是『我自己』，而是『這個行業還會需要什麼？』。

讓我再重述一次：整個九〇年代，小江老師與倪方來先生已經拿下了大多數需要吉他錄製的製作案；同時，市場上還有超過十位以上的錄音室等級的吉他樂手，可以讓製作人有足夠的人才彈藥庫來處理製作案所需，而在編曲工作的需求方面，整個華語音樂最燦爛華麗的鋼琴、鍵盤編曲家陣容正在各個錄音室綻放芳華，這其中的任何一位工作者的音樂學養、實戰資歷，名氣，都不是默默無聞的我所能企及。最簡單、核心的問題就是：『他們為什麼需要你？』

他們不會再多需要另外一個吉他手的！我知道這個冷酷的現實。

『我好想像他們一樣啊！』那，我還可以做什麼？

其實，只要稍微冷靜一點，就很容易看出一個端倪：在那個 Midi 第一次爆發的年代，鍵盤編曲家們用 Midi 樂器顛覆改變了過往純粹只用樂手真實錄音的製作慣性，一夕之間，節奏組型態、管絃樂型態的錄音室樂手突然就失去了原來的工作『被需求』，而當時 --- 乃至於到現在還是 --- 唯一不太能被取代的，就是需要細緻手感的吉他工作者；但這些被大量工作所需求的吉他樂手們，因為每天繁重的工作量，沒有人能夠抽得出時間 (更具體的真相是：他們也不需要) 去瞭解 Midi 這種新型作業型態。因此，這中間出現了一個交叉的真空地帶：市場上沒有一個能嫻熟操作 Midi 的吉他手。

所以我一定要會 Midi ！

但，這樣真的就夠了嗎？

『知己知彼，百戰不殆』 (http://wil891607.pixnet.net/blog/post/36778756-%E5%90%8D%E5%8F%A5%E8%BE%A8%E6%AD%A3%EF%BC%8F%E7%9F%A5%E5%B7%B1%E7%9F%A5%E5%BD%BC%EF%BC%8C%E7%99%BE%E6%88%B0%E7%99%BE%E5%8B%9D%EF%BC%9F ) ，如果『進入這個行業』的確可以視為是一種『競爭』的態勢，我覺得：『我不只要會他們不會的，他們所會的，我一定也得會！』。

基於上述的兩個思考論述，後來的我，真的到了日本的電玩品牌『SNK』公司學習了 Midi 的知識與操作；回到臺灣的幾年後，第二次進入國際唱片品牌『EMI』製作部。在『EMI』製作部的所有時間，我的工作就是聆聽其他市場上的唱片公司所發行的專輯，做出研究報告，來建議我們自己的藝人產品在音樂路線上的執行策略。那一年多的時間，我聽盡了當時所有發行的華語專輯 (以及為數不少、具有相當指標作用與參考依據的西洋專輯)，瞭解每一位製作人、詞曲作者、藝人、製作物的種種細節，而對我最重要的是，我聽到了當時所有錄音室吉他手的所有不同音樂特徵與運用手法，當然，我所能研究瞭解得最透徹的，正是我的老師江建民先生。

『他們所會的，我一定要會』。為什麼？因為唯有這樣，我才能彈出與他們完全不一樣的音樂內容。

你覺得市場上、製作人的心裡，會需要第二位小江老師嗎？你就算摹仿得再像，你也不會是小江老師；而如果真的需要小江老師所處理的音樂質感，任何製作人都一定會排隊等到小江老師的空檔的。

但你必須知道小江老師為何會被這麼多製作人需要，你才能制定出一種有別於小江老師的色彩，但質感可以相互觀照的音樂路線。

舉例來說：小江老師在處理的木吉他，不論在分解和絃的彈奏，或是獨奏型態的樂句進行，他的音色都是巨大而飽滿的。因為這個特點，我因此所選擇的木吉他鋼弦，是0.13的弦徑，以增加我彈奏的顆粒感。又例如小江老師是一位熟悉錄音製作的樂手，所以，即便是一個不算太複雜的分解和絃，他也會刻意拆成兩把或以上的方式來分次錄音，因為當混音的時候，將這些吉他擺放到不同的『定位』時，會呈現出一種令人驚喜的聽覺經驗，感受到每一個音符似乎都是從難以預期的方向跳進你的耳朵，創造出一種非常寬廣的 Stereo 音像。因為這樣的音樂特徵，在我的彈奏選擇上，我會刻意把也許應該用兩把吉他來彈奏的音樂內容，很努力地都編成以一把吉他來完成，來區別吉他完成度的大色塊差異；而同時，非常努力鍛鍊自己的 Click 精準度，把『那一把』吉他可以用極微小的時間誤差、近乎百分之百相似地重複彈兩次，只是其中一把的調音是標準的440kHz，而另外一把是調成438kHz，然後將這兩把幾乎像是『複製』的吉他放在極左、極右的定位；這種『Detune』所製造的 Stereo 音像，會與小江老師手法的聽覺經驗完全不同，但，都會感受到整個音樂場景被拉寬的效果。

然後，再加上他們沒時間研究、但我還算過得去的 Midi 編輯能力。

這段故事差不多也說完了。我只是不知道這對於你會不會有什麼幫助。

我知道你所將面對的音樂環境，比較起我進入的時間點，已經更形惡劣：完全看不到回饋的商業機制，其實很難維持你對於音樂進程的信心；而音樂閱聽人對於音樂的需求，以及需求的方式，看起來也還蠻令人灰心喪志的。也許正是這些原因，近來，在新世代的音樂創作氛圍中，逐漸浮起了『厭世』的浪潮；而在之前的『做自己』意識，一種在同溫層中相互取暖的分眾、破碎型市場，看起來也好像是未來的一種主流。

其實，你的灰心程度，與我的年少徬徨，不知你願不願意相信，真的相去不遠。

我只是很希望，在你的心中，不論如何，都還會有那個無聲、但巨大的聲響，一直讓你在浪潮中載浮載沈的掙扎過程裡，還能有一個『奮力吸一口氣』的生存念頭。而如果你真的還在奮力求取生存著，我希望能這樣告訴你：『當大家都只是做自己的時候，其實，沒有人會看見你』，但如果你願意做一個『因為意識得到別人的存在，而仔細調整、呈現的自己』，你存活下來的機率，會比那些只能單純『做自己』的人要高出許多。

當大家都可以有同樣的編曲音色、都可以理解相近的音樂運作原理時，剩下的競爭變因，除了天份與運氣，就是你『知己知彼』的『音樂定位研究與分析』的能力了。

而我希望你能在開始動手編曲之前，就先培養起這樣的能力。

雖然，我也只能希望著……