{{ 伍. 談談樂手教練實務經驗 }}_06

當2000年9月，由陳子鴻、黃怡倆位老師策劃製作戴佩妮第二張創作專輯，因而召集了來自馬來西亞的 Bass 手 Andy Peterson、吉他手 Jamie Wilson，來自新加坡的鋼琴、鍵盤手吳慶隆先生，與來自臺灣的鼓手李守信先生，以及小弟在下我本人，五位樂手在強力錄音室由美國籍錄音師 Bill Drescher，與臺灣的錄音師史大維先生共同協力之下，歡樂地渡過編曲錄音的十天之中，我們並不知道其中的一首曲目『你要的愛』，後來會搭劇、成為2001年偶像劇『流星花園』的片尾曲，也因此讓這首很帥的歌兒成為戴佩妮的知名代表作之ㄧ。

2018年，這部當年的偶像劇神作將要重新改版製作，而其中的音樂選曲，很…『意外』地還是選用了這首『你要的愛』(如果知道搭上這齣戲，相關的音樂作品可以衍生的價值，應該不難想像會有多少山頭勢力亟於插旗；而這首歌兒在十八年之後仍然雀屏中選，我覺得那個難度…真的很高) ！不過～畢竟過了十八年，因此製作單位希望賦予這首作品全新的風貌；而由戴佩妮自己擔綱製作人的角色、與製作單位溝通協調後，決定製作兩個不同編曲風格的版本，其中一個版本，希望能傳達原曲所沒有的『青春氣息』，而音樂製作人戴阿妮覺得，用兩把單純的木吉他呈現『Unplugged』的色彩、情緒，應該是很能表現這樣的畫面訴求。

『哥～您覺得找誰來編會比較好？』阿妮這樣問了。

我想都沒想就推薦了這兩個人！

[一. 漫談樂手教練的心裡話]_06 『環境』與『人脈』_01

先說回這十八年中，臺灣音樂生態的變化吧！眾所週知，音樂載體的改變、制度食古不化、一味追求報表績效的『數字管理』，在在都重創了臺灣的音樂產業；但就在市場近乎崩盤的前夕，許多真心熱愛音樂的樂手，還懷抱著對於未來在音樂產業中一顯身手的憧憬，毫無畏懼地背起了行李與樂器，遠赴國外，投入正規音樂學習系統或相關專業的技能教育體系，用零距離的方式，直接浸淫在西方音樂的學習環境裡。然而，當這些樂手一波一波學成歸國的時間點，卻碰上了市場急速衰敗的下坡起點，在我的觀察，許多身懷絕技的樂手竟然無法在產業中以公平合理的待遇得到應有的工作機會與尊重，而其中必然有礙於生活壓力、社會責任等等因素，不得不向現實妥協的客觀情事，不論是因此以較低的報價爭取工作，或是因此將原本的音樂熱情降溫為『工作公式』而不再維持高密度、高質量的練習，這些，都是整個音樂環境變遷所必然會產生的後遺症。

我非常認真地向這些海歸的樂手們請教過，究竟當年他們在國外學習與回到臺灣投入工作之後，最重要的差別是什麼，而我所獲得的答覆，非常聚焦在一個特點：『在國外學習，當然會有很好的師資，但師資其實並不是真正的重點；重點反而是與你一起學習的同學們，他們每個人都想彈得比其他同學好，因此形成了一種彼此競爭的學習氛圍，那樣的氣氛所造就的學習環境，會把你的潛能全部都激發出來！』、『回到臺灣，雖然偶爾在工作場合也會遇到同學或學長、姊、弟、妹，但…就沒有那種環境的感覺了，自己……好像也就會懶散下來』。

我完全可以理解這樣的學習曲線，也親眼見證了類似的樂手案例不斷地發生而只能心中悵然、而什麼也改變不了……

但～『生命會找到出路』！近三、五年來，最新一批的海歸派樂手們完全突破了這個看似在客觀條件上很難有變化的界限：一群從同一個學習系統學成回來的年輕樂手，相約在台北的一個公寓裡成立了一個聯合工作室，他們的想法很直接而單純：『就讓這個場域維持著如同在學校的氛圍，隨時隨地都可以聽到隔壁房間的誰誰誰又練了什麼新的招式，我要怎麼怎麼維持著不落人後的態勢繼續精進』。他們具體而微地將國外學習的『環境』生根在自己的土地，彼此督促、砥礪著對方與自己，一直維持在非常優秀的職能水平之上；這其中包括有對於吉他器材與錄音技術高品味追求、因而成立了台北第一個以『專職錄製吉他』錄音室為目標的年輕人；有華語音樂編曲宗師第二代、受教於西方與華語音樂製作系統、天份極高並且勤奮練習的年輕人；有專注鑽研現代藍調、融合爵士音樂彈奏的年輕人，你可以想像類似這樣資質的四、五位年輕吉他手長時間工作、生活在同一個空間裡，會是多麼巨大而值得期待的能量嗎？

因此，我第一位推薦給戴佩妮的吉他手，就是來自這個環境的翁光煒先生 --- 他今年二十七歲，已經在業界執行過許多不同面向、但非常有代表性的工作；如果以當年戴佩妮成立『D Power』樂團的實際狀況來看，翁光煒先生比當時的樂手平均年齡都還年輕了三、五歲。

另位一位吉他手，我從幾年之前的各所大專院校熱中舉辦的跨校際型音樂競賽裡就注意到他了 --- 他就是被歸類為『獎金獵人』型的參賽選手，雖然剛開始的一、兩年，他只是以『協力伴奏』的角色出賽，但只要他所參與的比賽項目，在我印象所及，好像從來沒有失手過。後來，他轉攻『指彈演奏』，展現了木吉他彈奏的高超技巧；最後，甚至以『自彈自唱』的方式挑戰了『個人組』與『創作組』的比賽，同樣的，在我印象所及，他總是在比賽的過程中獲得評審一致的青睞，幾乎沒有失利過。

但～像這樣的年輕人，在我過去十年以上參與校際音樂競賽評審的經驗裡，他並不是唯一的一個。

『他…之後會怎麼發展呢？會不會是另外一枚美麗而絢爛的煙火呢？ Mmm… 我們再觀察看看吧！』我與我的分裂人格們這樣地對話，然後保持了相當的距離，遠遠地、不帶情感地觀望著。

當他在2017年7月上旬走進北藝大IMPACT學程的招生面試教室時，我知道了 --- 他是不一樣的那一個。

毫無意外的，他以優異的成績錄取了IMPACT學程。在第一個學期的課堂上，他很少主動發言 --- 如果你參與過我在北藝大的課程，你就會知道我所秉持的『提問式教育』是如何刺激著學生們一定要主動解答我所提出來的各種製作面向上、甚至涵括了人文價值觀的疑難問題 --- ，而他，似乎是過於安靜、隱晦的年輕人，我因此在印象上，不特別覺得他會有什麼精彩的表現。

在我一個學分的『製作概論』課程裡 (也就是總長18個小時的授課時間)，班上的同學們除了各類型的問題思辨學習、期中考要完成一個很有製作代表性的專題研究報告之外，還必須以分組的方式，完成一首市場流行音樂曲目的改編、製作課題。他所分到的組別，非常有意思地涵括了古典、傳統與流行音樂寫作各類專項的同學，按理來說，這一組的作品應該會是很有風格並且精彩的；但是，在執行的前半階段，我觀察到他們的工作水平遠遠低於整組的平均水準；在進行瞭解實際狀況、給予老師的指導意見之後，突然在某一週的進度上，這一組呈現了『我所不能瞭解』的有效整合，而學期最後，這一組的整體音樂表現，超出了我原本的預期。

而關鍵，我的分析是：他用吉他站出了一個恰如其份的中心角色，而其他專項樂器的同學們，很有效地被整合籠罩在同一個氛圍裡。

像這樣的角色，明眼人是很快就能 Sense 到的！果不其然，在寒假前後，他就被同樣在北藝大IMPACT學程執教的侯志堅老師，抓去完成了電影『花甲大人轉男孩』的原聲配樂吉他的錄製。到了第二學期，我的課程轉換成三個學分的『製作實務』，而每一屆的同學都必須以同樣的分組，繼續完成三首以上原創單曲的 A & R 作業 (這是一個非常有挑戰的全面向製作觀念，對於所有參與過這門課的同學來說，我估計每一位應該都會畢生難忘)，而他所呈現的音樂架構，再一次，非常沈靜而內斂，但非常有效！

阿妮問起誰可以來完成『你要的愛』新的木吉他版本，我覺得是時候讓他挑戰一下不同難度的關卡了！他今年二十三歲，他先前創作的木吉他指彈演奏作品，已經有其他更年輕的學生拿來當做參賽的曲目！他的名字是：蔡巽洋。

這兩位都不到三十歲的年輕音樂人，在之前的生命歷程中從來也不曾交會過；但這倆位不約而同地做了同樣的思考：一位是主動去維持一個有學習、競爭力的『環境』，另外一位是加入一個『可以有』學習、競爭力的『環境』。在此之前，我從來沒有在任何社交型態的場合遇見過他們，認識他們之後，我們也從來沒有任何刻意『維持人際關係』的交談 --- 只有在工作過程中一些不負責任的玩鬧，以及他們實際完成的音樂作品。

自己這一路走來將近三十年的音樂學習之路，我時不時聽聞了誰誰誰告訴我，在這個工作領域 (所謂的圈子) ，『人脈』很重要！『人脈』，當然很重要，但那應該是某一種起始點之後的事；關鍵恐怕還是：『那個起始點為什麼會開始？』

我寧願相信：你身處的環境會影響你，比較起認識了什麼『人』，我覺得你更應該分析與考慮什麼樣的『環境』更能幫助到你！

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後記1. 在這個新版的『你要的愛』工作中，我很開心地去扮演了樂手教練的角色！這其中，我沒有下任何明確的『音符指導棋』，只是與阿妮一起很簡單地去導引這倆位年輕人原本就有的音樂才華，然後，像是觀賞一齣美好的戲劇一樣，看著他們逐步建構出新版的樣貌。

他們已經編寫完成了，只剩下近期內會進行的錄音工作。如果你問我音樂內容如何，我只能說：真是好聽！而且 --- 相信我！我根本想不到他們想到的。

後記2. 在北藝大執教將近兩年，每一次的課堂都令我有『教學相長』的感受！我很喜歡看到年輕人們在課堂中用心思索的場景，也很喜歡每一屆的同學在完成他們的原創曲目製作作業中的每個成長過程。很快的，第三屆已經開始招生了，我深信這個學程會是一個非常優秀的成長環境；而會不會想進入這樣的環境，可能～還是得由你來決定：

https://exam.tnua.edu.tw/bachelor_b/download_b.html

後記3. 另外還有一個很有趣的音樂競賽資訊：由新光三越所主辦的『第六屆不插電音樂大賽』～ https://streetvoice.com/opportunities/806/ 。這個活動有趣之處在於：進入複賽的前十名，每一組都會由評審 (導師) 選定、參與10個小時的音樂培訓之後，才進入到最後的決賽。這大概是我在臺灣所看過最酷的競賽培訓設計了！我在第四屆參與過這樣的賽程，在當時與三組音樂人分別經歷了非常有趣的音樂冒險旅程；今年，我似乎有機會再次進行這樣的玩耍！如果你對於『樂手教練』究竟可以給予你什麼樣的幫助感到好奇的話～請記得讓自己加入到這個環境裡。

後記4. 戴阿妮新的樂手計劃第一波的『鼓手徵選』，我們已經在昨晚 (5月6日) 結束前，完成對於先前所有報名樂手的一對一訊息溝通；在此非常感謝每位給予回應的樂手朋友，我們期待在5月21日的整個甄選過程中，看到各位精彩的展現。

下一波的樂手徵選計劃很快會在這個專頁做出訊息公佈，我想～應該還是會很有趣！

後記5. 這次圖文不符的相片，是來自十八年前，我們那群樂手聚集在一起的第一天的晚餐，從強力錄音室走去東湖市區餐廳路上、從一個路邊攤商所買來的『阿尼』瓷偶 --- 這當然是一個有隱喻的購買行動。

這個『阿尼』在錄音室陪伴了所有工作人員十天，聽到了所有音樂從無到有的全部過程。錄音結束的那一天，我邀請所有參與的工作人員一起在它的身上簽名留念。從那一天起，不論我的工作室搬到什麼地方，它都一直被放置在那個『可以看到我』的地方，這樣，我就可以也一直看到它，就像那段美好的日子從來沒有離開過一樣。

十八年，好快呀……

北藝大IMPACT音樂學程

{{ 壹. 談談木吉他伴奏 }}_08

在介紹了以一把木吉他伴奏為基底、倆位極為優美的人聲所組合呈現的『Scarborough Fair』之後，我們對於人聲主旋律的『二聲部』交叉流動的方式應該還留有一些個清楚的印象；今天，想反過來介紹『單一人聲主旋律、二聲部吉他伴奏』的典範，來做為一種音樂上有趣的對比與學習。

當然，在古典音樂的範疇裡，『二聲部』的音樂寫作並不是一件特別的手法；以巴哈(J. S. Bach)來說，在一把魯特琴上寫一個『兩個主旋律線條交錯』的樂曲來演奏(https://www.youtube.com/watch?v=ZrnRL5i7CZ0 )，或是寫雙小提琴協奏曲來表現主題的相互呼應(https://www.youtube.com/watch?v=leTVfMb2uME )，似乎都只是這位音樂巨匠的一種日常心智活動(或根本也許只是一種心智遊戲？)。但今天想介紹的，是指『用兩把吉他共同來伴奏一個音樂主旋律』的音樂表現手法。

這其中的難處是：兩把吉他都具備可以同時處理旋律、和絃、節奏的能力與條件，要如何分配兩把各去處理什麼聲部，才能讓任何一把吉他都有它的獨立性、而聲部豐富飽滿，但又不致於干擾了另外一把吉他的線條與發展。對我來說，在流行音樂聽眾的耳力能夠辨識與欣賞的範圍內(意思是音樂的內容不會孤芳自賞而有可聽性)，能將兩把吉他伴奏處理得天衣無縫又具備彈奏樂趣的，恐怕只有Jim Croce這位『貧民』音樂家了！

[一. 木吉他伴奏應該要練起來的曲目]

曲目1-8 Jim Croce - Time in a Bottle https://www.youtube.com/watch?v=dO1rMeYnOmM

雖然我很鼓勵與強調用耳朵聽力抓歌的必要性，但到了這樣一首編曲細膩的曲目，我覺得我們還是先來『看』一下兩把吉他分別扮演的角色，可能比較容易理解這種『彈奏的樂趣』：https://www.youtube.com/watch?v=XviLcMmpqRU

值得注意的是：

1. 我們一定會注意到這種『根音下行』的伴奏處理模式是如何地被廣泛應用！從第一篇介紹的『Blackbird』開始，這其中有許多曲目都不厭其煩地重複使用這樣的手法；甚至，在華語流行音樂中，不論是大、小調的根音順階下行，或是半音下行，幾乎已經成為一種通用的『公式』。但我們很少會直覺地去思考：『這樣的方式，與[主旋律]到底有什麼關係』。

很多時候，當我們在彈奏上遇到瓶頸，轉而向其他更有能力、經驗的老師請教突破的方式時，通常很容易得到一個共通的答案：『去學習一下樂理』。

『但我覺得樂理好像很難啊！』；『樂理？可是很多很棒的樂團、樂手都說他們不懂樂理啊！』；『Mmm…我覺得我看不懂……』。我們心裡的小聲音一直這樣說著～

我理解。所以我們只是先學習著一些很棒的曲目，每次都一點點地增加一些彈奏的難度，讓你循序漸進地先把『吉他彈奏』這件事，做到『物理性操作』的熟練；而其實在過程中，不斷地將這些音樂處理的重要資訊，洗腦式地建立起你的聽覺慣性(或者說一種『格式化』？)，然後現在才請你思考：：『這樣的方式，與[主旋律]到底有什麼關係』。

這樣的旋律間彼此互動的關係，其實就是一種『對位』的關係，而你已經在不知不覺中，熟悉以及應用了一些你以為你不會去接觸的樂理：https://zh.wikipedia.org/wiki/%E5%AF%B9%E4%BD%8D%E6%B3%95

2. 如果你開始意識到：『原來主旋律這個線條，是其他伴奏旋律線條的中心參考』，那麼，對於和絃與和絃之間的連接，你應該也就可以理解這中間存在著『伴奏旋律線條』進行的意味。

3. 如果你開始意會到：『那麼…和絃被定義的方式……是不是與[很多條旋律線同時進行]會有一定的關係？』我～～～我就要感動得掉眼淚了！

高二升高三的暑假，當別人在圖書館奮力準備著隔年的大考時，我對著這本『基礎樂理』苦思不得其解，心裡想著：『這到底是在講什麼啊！』，對於學業的荒廢以及心中嚮往的音樂又不得其門而入的挫折感，讓我深深覺得自己完全是在浪費生命與時間。

我完全不記得究竟是什麼契機，我忽然意識到：『音樂的進行等同於時間的流動』，也就是說，樂理書上的每一句話，都應該是用『橫向移動』的動態方式來看待，你就會看到很多的旋律線彼此用著一種對話的方式在呈現著；而對比地看，在任一時間點，你將這些橫向移動的旋律線，用『縱向』的刀法切一塊下來，你拿在手上的，就是一個一個的『和絃』。

4. 再回頭看看這首『Time in a Bottle』，那些個『看』起來很奇怪的和絃按法，你就會理解它們其實是在做兩件事：

a. 各自的單一把吉他上，低音部有一個線條，高音部有一到二個線條，為了同時處理到這些聲部，所以必須採用非『盒框式』的處理。

b. 兩把吉他之間又互有和聲補強的關係，所以在處理彼此的和聲關係上，會更考慮旋律把位的變換。

5. 在雙吉他伴奏的編寫上，『把位』，會是多麼重要的切入點啊！

以上。

在這個系列的文字裡，我一直很強調吉他彈奏上『肌肉物理的橫向移動』，以及『突破盒框式和絃思考』，原因其實是：終究這些『伴奏』的功能，是以『其他的旋律線』來包覆、豐富主旋律的整體聲響，如果我們希望能在未來的音樂探索的道路上，學會自我教育的方式，我認為，去思考旋律之間彼此的依存關係所發展出來的音樂面向，應該會是一個很重要的基礎。

說到Jim Croce這位早逝的民謠巨擘，我覺得他比其他有著輝煌戰績的藝術家們，更像是一個一直還活著的真實人物；他的發展並不是那麼順利，他所有一切的努力，也讓我覺得更像一個會在我們生命中出現的『人』！

因此，很想多表述一下他的生平：

https://en.wikipedia.org/wiki/Jim_Croce

http://www.twwiki.com/wiki/Jim%20croce

在他不是太多的作品中，類似『Time in a Bottle』這樣的雙吉他伴奏還有好幾首：

https://www.youtube.com/watch?v=EN1nMpmC0n4

https://www.youtube.com/watch?v=zaE-sBJQixg

https://www.youtube.com/watch?v=hHVBzLGAIbU

但因為想在這一篇文字中導入我對於旋律與和絃之間關係的認知，所以特定來聊『Time in a Bottle』；而這首曲子，在近年的好萊塢英雄電影『X戰警-未來昔日』中，導演特地選做其中一位變種人『快銀』的主題曲，我覺得整個畫面處理的巧思以及高科技的後製，用這首來自1973年的作品來詮釋，更有著對於『時光』的一種寬廣的延伸感：

https://www.youtube.com/watch?v=H6jNc-HDwVA

而這一篇文字，也做為我自己對於高中時光那些掙扎的過程，以及對於『時間』體悟的一點點緬懷。

希望這也能幫到你，用不同的方式來看待『Time』這個抽象的意念。

祝音樂探索之旅繼續順利愉快！