Day 2 笑什麼 你也是Sequential Art （上篇）
少時專心琢磨技藝，長大後發現創作者最需要克服的是既定認知、刻板印象。
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在同一個媒介苦修打滾多時，自然而然會走出自己的軌道。但太過自我感覺良好地走在這條路軌上，就會只專注看著自己軌道的正前方，不經意放棄了觀看其他路軌的景色，甚至還以為那些景色根本沒什麼好看的。

我是個由漫畫出發了解藝術的人，所以今天容我從漫畫講起。

如 Day 1 所說，可能因為日本成長的緣故，自人生有記憶起，我就每天在看漫畫，尤其是少年Jump。隨著漸漸長大，我也變得喜歡解構集英社旗下的漫畫。什麼每頁平均5－7格分鏡、黑白色比例、玄幻打鬥漫畫的武器一定有劍、男女角色數目的比例等等。聽起來像是個專家。

那時全中大Fine Art Undergraduates只有我一個在畫漫畫，（江記黃照達等人都早就畢業了）心想，該沒什麼人challenge到我關於漫畫的認知吧。突然一句。

「喂，你覺得漫畫是什麼呀？」

聽起來多簡單的問題，我卻支吾以對地答辯著。

用「答辯」，是因為我發現自己不懂得回答，卻又不想被看穿。即使看著那提問者純粹出於好奇的誠懇臉色，那毫無敵意的請教，我還是選擇砌詞答辯。那刻即使真的成功說服了他，也讓我內心誤以為足夠堅牢的漫畫知識庫像國人玻璃心般輕聲敲碎。

隨著多年對漫畫漸漸深入的認知，鞏固下來的是對漫畫的既定認知。且這種既定認知在內心刻劃得愈深，就愈難以接受其他形式的漫畫，甚至拒絕理解，把不熟知的漫畫歸類為邪魔外道。

幸好我未算病入膏肓，仍能就自己對一種媒介輕妄、粗糙的觀念提出質疑。

然後我就認真地想「漫畫是什麼」。

我嘗試把視野拉遠來看。但一旦把視野拉寬，什麼影像藝術、動畫、舞蹈等等的，都映入視線。媽啊。我只是想思考漫畫是什麼。為什麼你們都走進來了？

「因為你剛才在想『漫畫是有序的圖像排列』啊」。

錄像 動畫 舞蹈 etc has joined the chat。

「我也是有序的圖像排列。」

「我們也是。」

「那我們都是漫畫囉？」

「不是吧。」

「為什麼不是？」

「那你們是何時開始出現分野的啊？」

「圖像排列的邏輯、媒介、方法。」

我嘗試扒開來看它們之間出現分區的界線。但發現界線很糢糊，糢糊得像是形容顏色的詞語，什麼「藍綠色」、「綠藍色」、「青色」、「鴨綠色」、「青玉色」、「綠松色」、「碧綠色」。但後者要定義區別，其實可以用光波長、Hex Color Code等賦予每個詞彙絕對且可量化的定義。可是，藝術媒介又可以嗎？或許硬要在藝術形式上找出絕對量化的定義並不可行，但透過思考媒介間微妙的區別及共享之處，就能更理解自己處理不同媒介時，腦袋究竟出現過怎樣的思維轉換。

於是，媒介之間的糢糊界線、未明之處，變成我覺得很有趣的地方。也開始在這些地方鑽起牛角尖，用另一種心態重新畫起漫畫來，還把一批Copic Marker，G筆頭擺進蘋果迷你倉封印起來（說起來，有人想要嗎？可dm我，還有很多哦）。

如果真的深究這道問題，需要大量實驗及閱讀經驗。於是就傾家蕩產買起書來。還記得，第一年受邀參展安古蘭國際漫畫節時，我花了10000多元港幣買了一個行李箱份量的書。因為那時覺得當地的書，錯過就沒了，因為我活在被港漫、英雄美漫、日漫當道的香港，生怕回來後就再也找不到這些書。所以當時的想法就是有殺錯無放過，要買下一眼間看不透是什麼東西的書，回港再慢慢研究。
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以下將介紹我自己在一些作品的嘗試，以及不同藝術家的作品。
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此Post第2、3、4張：Cube Escape Paradox （柳廣成）
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我在腦海內的漫畫VS動畫之思辯：Frame Rate vs Panel
年少時買過漫畫化的寵物小精靈劇場版：《超夢夢的逆襲》、《利基亞爆誕》、《結晶塔的帝王》、《穿梭時空的相遇》。發現內文都是電影動畫幀格的截圖，排列成漫畫形式印作紙本漫畫書。後來我在想一個顯而易見但卻耐人尋味的問題：

是否把上述電影的Frame Rate 調至平均On 90（不是粗口哦），就看起來像漫畫了？

（得出on 90的根據：90分鐘電影有129,600幀（24FPS），用一頁漫畫平均7 Panel，一本書200頁的算法來算，129,600/(7x200)≈90）
影片需要高frame rate的原因之一是為了讓圖像連續變化、運動（播放）的速度而導致肉眼的視覺殘象產生的錯覺，而誤以為圖畫或物體（畫面）正在活動。漫畫的Panel間的提示因不需要考慮殘象運動錯覺的事實，令腦袋足以腦補Panel間的缺失即可。

自4年前畫起動畫後，我就在想如何把畫作的frame rate變得尷尬，慢得既不像動畫，快得又不像漫畫。於是在此書，就試試看了。動畫裏上一個幀格映入你的眼球後，就是下一個幀格的事了。上一幀格消失，下一幀格出現，如此輪替。但漫畫就是要所有畫面乖乖地印在紙上讓人一覽無遺。那不如讓onion skin更透徹些、延伸得更遠些幀格，全畫出來好了？（哈哈，literally OnionGhost）

在我這次作品上，我覺得漫畫可以玩的是發生於頁面上的圖像排列，不是輪流替換單一幀格畫面。但又可以應用在處理動畫會思考的事。

這時你可能會說，漫畫就非得是平面紙本不可了？
很好的提問。所以，下一個。
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此Post第5、6、7張：Here（Richard Mcguire）
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要在電子熒幕介紹這本書的魅力，恐怕有點難。因為Here作出的嘗試，是有意圖地讓漫畫書作為立體、具厚度的印刷品，如何藉其物理性與內文的空間感巧妙呼應。但它不是pop up立體書，因為它還是以完全平面的紙本製作而成，圖像的解讀仍然依賴平面紙張的表達。我說的立體，意思是指作者賦予書本在釘裝上的立體空間意義，令書本的釘裝不流於紙本書籍純粹的物理特徵。

Here是左揭書，封面是從外界視覺看到的屋子窗口，封底則同樣是從外界視覺看到的牆壁。內頁則是由屋內視覺向外看的景象。亦即，內頁左頁一定是向窗戶外看的，右頁一定是向牆壁看的。以90度角翻閱，就會構成封面、封底是屋外空間，內頁則是屋內空間。Here這本書的原則，就是空間上的視點是絕對不會改變的。

Here內文近300頁，透過漫畫鏡框再加標明的年份，由固定的視覺，持續變化的時間，交代這一空間發生過的人和事。

內文最初較在想像範圍內，就是屋內在數十年間換過不同的租客，有過長期租客，看著家人數目多了起來。還有數頁這樣的場景：在相隔甚遠的時間說過的各種話語，硬被漫畫的分鏡力量截下來，放在同一畫面。彼此間的語句本應毫無關聯，但卻因為漫畫的力量而被安排在同一空間重遇，使得兩者間的話語像在交談般。

後來，時間的尺度開始拉闊。時間延伸至房屋仍未被蓋起來的時代，剛好有個獵人經過，他射出的箭，剛好擦過漫畫內永恆不變的視點；還有城市化的經過、築屋的過程、工人等，都被這絕對不變的視點映下來。漫畫中後段還來到未來的時光、以及遙遠的過去：地球剛誕生，仍無大氣層之際，漫天星星、隕石的場景。
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我發現自己寫太長了。要分兩天寫。明天會進入動畫世界多一點。
另外，介紹多點在漫畫媒介的既定語言、概念上大作發揮的藝術家及作品，可以google，還可以上網買買他們的書看：

(此Post第8、9、10張)

榮念曾 天天向上

Tobias Schalken Balthazar

Chris Ware (我推薦他所有書，算是Infographic x comics的始祖)
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老實說，愈是探索，就愈不知道漫畫是什麼。但我樂在其中，如Day 1 所說，這並不是一種迷失的狀態，而是令我雀躍的事情。就像研究量子力學的物理學家般，發現在宏觀世界行得通的物理定律，在微觀世界卻莫明其妙地一一被推翻否定。量子力學像是有意識般地對你說，「再想清楚才嘗試定義『規則』吧。」

漫畫的全貌是什麼，就算是手塚治虫，我也不覺得他會知道。他也只是漫畫作為藝術形式的始祖發現者。像是物理學的…愛因斯坦吧。愛因斯坦發現了很多事，卻也帶著對量子力學的種種不解，歸入塵土了。不是他們渺小，而是世界太宏大了。

漫畫的世界還有什麼未被發現，其實真的還有很多人不想停留在已知的既定形式，貫徹實驗精神，務實地用創作探索著。就算眾人不一定關心，作品不一定出名。

動畫也是吧。

隨著在藝術的造藝及年齡的增長，就更得提醒自己要謙卑。

謙卑不是說在公眾形象上盡量以禮待人、說話盡量客氣謙遜，而是指對藝術保持謙卑。才能看得更清，藝術史的接龍遊戲才能玩得下去。於我而言，藝術是一種思考訓練，要對自己的創作時刻保持質疑，不能只苦修技藝，被自己畫作的視覺之美矇騙。

我覺得對藝術形式愈是Judgemental的人，他們對藝術媒介的既定認知就愈深，就愈需要否定，以捍衛他們內心對於藝術媒介片面的認知。因為如我經歷般，這種認知好歹也是用歲月建構出來的，就算被據理力爭地挑戰了，也會害怕信念失守，於是需要死守自己對世界的認知方式，才不會令長年建構出的自我搖搖欲墜。

Artist Statement 常見的語句「向____提出挑戰」雖有被濫用之嫌，但考慮適當的Context，其實本身的說法並沒有錯。

挑戰的就是我們自己對世界的認知。作品會證明某些認知是過時的，此時我們就得承認這些認知已不合時宜。而這種不合時宜，與今期流行什麼東西無大關聯，因其否定來自創作上實驗結果的推敲。經不起推敲的觀念就捨棄吧。若此觀念出自你心，就更需要虛心捨棄。

打了四小時字，發現打子4000字，見諒lol
下篇明天出！再會！

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又到星期三，今期終於有機會，寫由本專欄創立之始就想探討的話題，Dota 和LoL之間的比較！

#LetTheWarBegin
#第一期先講小小basic野
#篇幅有限未入戲肉
#G2老細同Ceb之間嘅隔空對話都無位寫
#小編成日都講LoL係格鬥game嚟
#LoL唔係無戰術但Dota真係另一個lvl
#歡迎大家加入討論


北美嘴炮王再挑爭議：DOTA2》操作不可能比《LoL》難

近日北美知名選手Doublelift在個人直播中表示跟《英雄聯盟》（下稱LoL）相比，《DOTA2》的操作難度低得多，兩者相比的可能性是0！事件再一次引起兩者的玩家社群激烈辯論。

《LoL》及《DOTA2》兩者由於玩法類似因此經常都被拿來比較。雖然兩者同屬MOBA，但由於細節設定上存在非常大的差異，如果忽略這些細節直接比較遊戲體驗，情況就如同只因足球及籃球都以射球入網為目標，而歸納成同一種運動的説法一樣搞笑。

之前筆者已經有簡略寫過兩者在早期開發及市場推廣時的恩怨，今次會重點比較一下遊戲核心操作性的部分。

Doublelift在直播中提到幾個關鍵原因，令他覺得《DOTA2》相對簡單，包括《DOTA2》中英雄的轉身速度、較慢的攻擊動作、以及大部分技能是指定目標施法（必中）。基本上他的理解沒有錯，由於《DOTA2》保留了魔獸年代的三圍屬性設定，所有角色在初期空裝時的攻擊速度比起《LoL》慢得多，加上RIOT針對所有英雄的攻擊後搖和移動幀數都有嚴格的限制和判定，使得遊戲操作變得十分連貫順暢，幾乎可以媲美格鬥遊戲的連技。

而且《DOTA2》只有不足兩成的角色有位移技能，相比之下《LoL》絕大部分角色都有，而且更可以選用召喚師技能“閃現”，這等於有二次位移能力。這些差距在職業選手手中效果會再被放大，因此《LoL》普遍來說在操作性上的確要高於《DOTA2》。

但這並非事實的全部，假如我們比較一下極限水平的操作，就會發覺《DOTA2》的操作要求一點也不低，其中最複雜的要數“卡爾”。他的技能並非常規的直接施放，而是隨着身上三種元素（QWE）的組合，再以大技R合成一招技能，因此總共有十招！玩家使用時出一招技能就已經要按四下，要做出快速流暢及準確的連技絕對需要長時間的訓練。相比之下，《LoL》直到最近推出的新英雄“亞菲利歐”，才可以靠轉換武器的設定跟“卡爾”相提並論。

另外較少被提及的是多單位的操作。《LoL》由於遊戲核心引擎的限制及設計上希望盡量簡化，基本上玩家不需要操控自己角色以外的單位。但《DOTA2》保留了魔獸的RTS基底，其中有不少英雄都有召喚或分身能力，只要玩家操作上應付得來，絶對可以實現四線甚至更多的操作！而且部分召喚單位更可以裝備有主動效果的道具，等於憑空多了一招技能！因此要說《DOTA2》的操作性比《LoL》低得多是太過武斷了。

關於兩者在設定上的差異其實還有更多，特別是地圖複雜度、視野及主動道具等，下期我們會繼續探討。

文：Xalynx、Draconid