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2021金馬獎最佳電影主題曲 在 BeautyExchange.com.hk Instagram 的精選貼文
2021-01-05 15:42:49
. 最近於Netflix上線的台灣BL純愛電影《刻在你心底的名字》,在台灣上映幾個月衝破一億台幣票房,成為當地2020年第二套破億電影!故事講述80年代剛解嚴的台灣,一對遊走在友誼,愛慕之間的高中同窗,他們在青春的騷動與性啟蒙的渴望牽引下冒險,因為學妹的出現而讓曖昧關係產生變化。戲中兩位小鮮肉男主角...
2021金馬獎最佳電影主題曲 在 Danny Wen 溫士凱 Instagram 的精選貼文
2021-02-02 22:47:53
哥在 講客廣播電臺 主持的「#世界異家來作客#」節目,星期六晚上23:00pm 在FM 105.9 頻道,今天在我們每個月第一個星期六的「#精彩生活客#」這個單元,我們特別邀請到日本音樂家 大竹研 Ken Ohtake 先生來到節目中,要和大家一起聊聊他的音樂和他和台灣的故事。 【播出時間】 ...
2021金馬獎最佳電影主題曲 在 藝文青 Instagram 的最佳解答
2021-01-12 08:17:12
. 【12月 電影】 . 新一年新氣象,迎接2021年,《狂舞派3》電影今日公開海報,7大主角顏卓靈、蔡瀚億、楊樂文、劉敬雯 (Lydia)、Heyo、劉皓嵐、阿弗粉墨型格登場,在鏟泥車前列陣,擺出型格氣勢,在一個地盤工地中凝望,對應本集以Hip hop文化對抗地產霸權的主題。 . 導演黃修平解釋:...
2021金馬獎最佳電影主題曲 在 Facebook 的最讚貼文
2021年金穗獎真的帶來了一個新的氣象,就各個角度來看都是如此。
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首先是策展面向,有別於過去執行單位的便宜行事,今年改由金馬執委會執行之後,在各層次都上了不止一層樓。在宣傳行銷上下了更多工夫是一件事(以往在粉專都常常找不到手冊連結、活動花絮也沒有確實更新),或許更重要的是,讓入圍者覺得自己今年真的受到尊重與榮耀,不止映後座談的主持專業度提升,還開設了DCP製作課程幫助新銳導演。
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在影展規劃上更回到短片與新銳的基礎,過去選了太多電視電影,往往令人產生喧賓奪主之感;新增了影評人推薦獎,讓影評觀點也得以導入金穗獎(對影評人來說也是個一個刺激,因為不是很多影評人對短片有關注);為了讓產業與新銳接軌不只是一個口號,也另外邀請業界人士得以先行觀賞。
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今年因為疫情導致金穗獎延期,對於金馬工作人員來說可能是一場災難(與金馬影展距離太近),但因此搭配線上平台的展映的做法,使得今年金穗獎觸及到的觀眾更多,社群討論度激增。或許來年即便沒有疫情攪局,線上並行的模式也很值得延續下去。
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一直到今日出席典禮,綜觀整場典禮的規模,甚至細到嘉賓致詞等環節,整體都達到了「小金馬獎」的水準。我永遠難忘有一年我出席金穗獎,黃裕翔在台上彈奏《海角七號》主題曲時,旁邊大銀幕搭配播放的是一支畫質480p的壓字預告片。當你把典禮搞廉價了,參賽者自然也不會尊重,說這個獎項「含金量」有多高也沒人信。但今年金穗獎完全脫離了這些負面形象,可說是完全重生。
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許多人會想,金穗獎不過就是頒個短片,有這麼重要嗎?別忘了,這是許多新銳導演的第一站,如果能在這個階段被看見,獲得自信,進而得到栽培的機會,未來就有機會創作更多作品,包括獲得長片的製作機會。可以說,金穗獎就是台灣電影的基石,就連李安導演生涯起步也是從金穗獎開始,不過也誠如導演今天在預錄影片所言,之後會怎麼樣,「就看個人造化了」。
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至於就選片面向,也是令人耳目一新。有朋友私訊問我說,往年的金穗獎短片都這麼強嗎?就我觀察幾年下來,我的確覺得今年整體品質躍升不少。不過會後一位評審跟我說,他倒無法武斷地說是今年特別好,但可以確定的是,「今年有很多跟過去很不一樣的嘗試」。
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《啊朋友,再見》就是今年典型的奇作,人物對白聽來極其生硬、文謅謅,沒想到看久之後,像是受到催眠一樣,像是掉進旋轉溜滑梯一樣滑入了導演構築的、古怪而迷人的世界,過去似乎只有阿基.郭利斯馬基(Aki Kaurismäki)電影能給我這般奇異感受。原本認定這種作品可能得到兩極評價,得獎機會不高,但今年評審團卻願意予以評審團特別獎肯定,也像是一個展現出個性的宣告。
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導演范文翰是來台灣讀書的陸生,過去的作品在對岸也曾獲得褒獎,只是風格與現在基調完全不同。也是在頒獎日這一天才得知原來這部片是獻給他已故的好友胡波,即《大象席地而坐》導演。據他所說,這是一個「虛構的告別式」。
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不只是范文翰拍出了你我不曾見到的台灣人情,拍攝實驗、錄像出身的蘇匯宇導演也在《未來的衝擊》當中讓我們看見了完全不同與以往的台灣風貌(或許是根本沒有在用台灣電影的框架進行創作才對)。評審在得獎詞將之與彼得.格林納威(Peter Greenaway)並論,讓我有種恍然大悟之感。並非拍攝電影出身的蘇匯宇,對影像與語言的思考都完全不在一個典型電影語言的脈絡底下,初看的確令人有衝擊之感。評審團特別獎與攝影獎的肯定都是實至名歸。
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榮獲最佳學生劇情片的《入世》以一個旁觀者的外籍看護莎莉的角度看待台灣鄉村青壯年人口外流的問題,只是電影卻不只是丟出議題讓觀眾消化。不再只是將所謂的移工當作是客,而是將她視為主體,看得見莎莉逐漸融入異地的過程,從陌生、到理解、到讓步、到自信。具有相當高的成熟度。
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其它沒有成功獲獎,但也特別具有生命力的新鮮嘗試,還包括張荷澤的《永恆之火》,描述白色恐怖底下的一處叛亂分子的生命狀態,混合類型的呈現有巧思,視覺的展現令人驚嘆;高中校園題材,由詹承廷執導的《青春劇烈物語》跳脫出青春電影套路,不灑狗血不灑淚,回顧到對人際問題本質的探討,人物設計極度豐富;田倧源的紀錄片《登玉山途中》邀請伍榮富與林長安兩人重回現場(重構的玉山),帶出一個跨越現實與虛構、過去與現在的對話,觸及威權崇拜之題,深具創意。
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有些作品則在演員的整體演出上令人難忘。許傑輝的《88海水浴場》(附圖)以父子情為題,看似簡單輕巧,但對人物刻畫、演員調度近乎完美,春風與兒童演員姜仁展現的默契實在驚人;香港導演陳淦熙的《三步》之中,飾演母子的陳雪甄與胡智強之間的對戲,不見學生製作的稚嫩,直逼金獎水準;郭玄奇的《迷藏》不僅在同志類型議題上有所開拓,更懂得將兩位小演員林宥綸與吳至璿的表演調整到位,使得作品看來一氣呵成,整體感極好。
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幾個大獎得主在事前都不算有懸念,同獲三項大獎的李宜珊的《手事業》與曹仕翰的《貓與蒼蠅》都直接表徵了短片領域能夠做到的最高水準。同時為兩位獲獎的演員楊麗音和潘之敏感到開心,雖然詮釋角色類型迥異,但兩位演員都同樣完成了自己的突破。(雖然我原本更期待看見《手事業》拿的是整體演出獎,潘麗麗與游安順也都太精采。)
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我個人參與評選的影評人推薦獎這次卻是以新銳切入,將獎項頒給嚴京威的《季候風》。討論過程堪稱激烈,也是從十幾部慢慢縮小下來,作品各有擁護者,但嚴京威在影像上精確而沉穩的調度,是唯一讓所有人心服口服的選擇,以一台車的座位變換來暗喻家庭權利關係的移轉,太有想法。《季候風》也是我在前年個人十大選出的年度最佳華語片之一,很榮幸有機會真的給導演一座獎。
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最後金穗大獎頒給紀錄片《度日》。
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說來我跟導演林佑恩也曾有一段有趣的淵源,之前去採訪柯貞年導演時,他是合作媒體派來的平面攝影師。猶記當時拍攝地點的公司職員都驚嘆地說,過去有過這麼多媒體的攝影師來取景,就只有他找到跟別人完全不一樣的角度。後來才知道他也是導演,拍攝了《度日》。
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也是今天典禮後才知,林佑恩其實不是電影相關科系出身,學習養分或許來自他拍攝新聞紀實的豐富經驗。這不過是他的首部紀錄片作品。但他對高風險家庭貼身的細膩觀察,不至於讓作品淪於傳統式的煽情關懷,更據實地讓觀眾看見這群青少年的躁動、對生命的遲疑。
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特別的是,觀者可能時不時會對被攝者的身分產生疑惑,因為你很難確定你究竟是在看一群孩子,還是一群大人。出身家庭的境況,迫使他們失去了自己該有的樣子,承擔超乎自己所能承受的重擔。即便題材看來悲愴,但林佑恩依然穩住立場,避免過度的個人詮釋。光影投射下來,甚至帶出了一種詩意性。
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最後,2021年金穗獎最大獎得主不是傳統電影人出身。無論評審有沒有意識到,但這個結果帶來的訊息其實很重要。
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電影的樣貌應該是不斷地流動的,過去經常有此一說,是「金穗獎的片型」,看似走穩某個套路就能取得評審青睞,但在今年,我們看到一些非傳統敘事、選材的作品甚至非電影界影人都能獲得矚目,證明金穗獎真的試圖在「推動」一些改變,讓新的創作見解、新的說故事手法能夠有機會融入進來,帶來一些新的刺激。
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在金穗獎擦亮招牌的這一年,各個評審給了一份不落俗套、意義深長的得獎名單。更重要的是,眾多創作者們,也都拍出了令人回味再三的好作品。借著導演們的眼睛,彷彿能對自己對所處世界更增添了新的認識。
#金穗獎 金穗獎/優良電影劇本
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大家或許知道世界博覽會是許多偉大發明初次登場的舞台,但是否知道它也曾經帶動一波電影形式創新(而且風潮也一路來到台灣)?
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在1967年的加拿大蒙特婁世博會,有超過五千萬人參與盛會。一部名為《立足之地 A Place to Stand》的17分鐘短片震驚世人,而它原先不過是一部介紹加拿大風土民情的展覽紀錄短片。該片的導演克里斯多福.查普曼(Christopher Chapman)在這部作品開創了「多重動態影像技術」(Multi-dynamic image technique),成為史上首位將畫面分割的人(如附圖)。
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《立足之地》全片沒有對白,畫面呈現的是加國安大略省的風景地貌與人文風情。這起先是安大略館的委託案,查普曼雖然打算遵循「城市交響樂(city symphony)」的概念來製作這部作品,卻不想固守傳統紀錄片形式,於是開始琢磨如何在單一畫面之中呈現更多資訊給觀眾。例如拍攝火車的時候,他也想同時讓觀眾看到火車內外不同角度的樣貌,又或者把一個畫面的不同重點劃分開來。
https://youtu.be/o0F10Sc3Vcw
《立足之地》全片線上看(無對白)
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查普曼的構想最早是受到一部英國電影《The Door in the Wall》(1956)的啟發,該片的畫幅的形狀與大小會因為戲劇需要而調整,但最終成效不彰,而且該片並沒有做出分割畫面的嘗試。這讓查普曼躍躍欲試,不過在當時,「分割」的概念完全不被認為有任何可行性,因為這被認為可能會造成觀眾的混淆────不知該看哪裡。而查普曼本人起初也沒有足夠自信可以成功。
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當時不像現在可以用電腦直接操作,查普曼必須在無法事前預覽實驗成果的情況下,在拍攝時就得精確衡量畫面的位置,再以土法煉鋼的方式刪節、拼湊,這個過程讓他一再感到挫敗。而且整個製作期長達兩年,耗資達50萬美金,令查普曼壓力如山大。
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在電影首映時,他仍鬱鬱寡歡,影片尚未結束便逕自離開現場,但此時一個人拉住了他,說自己被這部影片完全震撼了。他是好萊塢巨星史提夫.麥昆(Steve McQueen)。
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該作使用70mm膠捲拍攝,投放在66×30英尺的銀幕上,最多同時可以看見15個分割畫面。作品在1967年4月28日首映,共計六個月展期有兩百萬人欣賞了《立足之地》。又因為它的技術實在太新穎,後來也引進美國與歐洲進行商業放映,估計當時共有一億人欣賞過這部作品。該片更破天荒地在隔年提名兩項奧斯卡,同時提名最佳真人短片與紀錄短片獎,最終獲得前項。
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全美各大片廠的製片人與主管都找上查普曼,訂製了一份《立足之地》的拷貝。隔年立刻被好萊塢立刻拿來運用在劇情長片上,史提夫.麥昆主演的《天羅地網 The Thomas Crown Affair》(1968)便率先使用這項技術。
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至於台灣部分,白景瑞執導的多線敘事電影《家在台北》(1970)也以此作為賣點,並在當年金馬獎掄元。然而久而久之,這也變成一種濫用,查普曼晚年曾表示:「當時許多電影人趨之若鶩,卻很少人真正理解如何運用。」
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不過多重動態影像技術依然影響深遠,直到1970年代的電視節目,這類分隔畫面的使用已經非常普遍,也偶有電影成功運用該形式,達到與內容需求的結合,例如麥可.費吉斯(Mike Figgis)的《真相四面體 Time Code》(2000)。在進入21世紀之後,則較常能在實驗電影、錄像藝術當中看見這樣的手法。
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除了影像上的革新,《立足之地》在配樂上也別有有心,查普曼與作曲家桃樂絲.克萊曼(Dolores Claman)密切合作。在電影首映前六週完成錄音,動用45人的管弦樂隊與15人合唱團,針對影像的不同情緒做出細密的調整。
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影片最膾炙人口的同名主題曲也是由桃樂絲.克萊曼編曲,在世博會後被灌錄成唱片,賣出五萬多張。克萊曼在2021年7月17日於西班牙辭世,享耆壽94歲。至於導演克里斯多福.查普曼則在2015年以高齡88歲辭世。
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【地下電影 X #公視】,淺談漫改動畫《#勇者動畫系列》
2020 年,台灣疫情尚未進入三級警戒,電影院持續苦撐之際,成為火車頭帶動票房增長的,是來自日本的動畫作品《鬼滅之刃劇場版:無限列車篇》,「大哥沒有輸」頓時成為家喻戶曉的口號,《鬼滅之刃劇場版:無限列車篇》最終在日本打破影史票房紀錄,台灣也寫下破 6 億台幣的傲人成績,幕後推手動畫製作公司幽浮社(ufotable)推高了動畫作品票房的天花板。
2020 年底,「品質保證」的皮克斯推出動畫新作《靈魂急轉彎》,片中緊扣「靈魂樂」一題,飽含對生命思辯的因果哲理,循序漸進地提出「活在當下」的核心意旨,成為疫情之下撫慰人心的最佳電影之一。皮克斯屢屢推出動畫電影,都令觀眾直呼「大人看的動畫片」,也真正做到「闔家觀賞」的實質意義,來自美國加州的這塊金字招牌在疫情下仍舊耀眼。
然而,回望國內電影競賽最高殿堂金馬獎,去年在「最佳動畫長片」的項目,由易智言導演 12 年磨一劍,首部創作的動畫作品《廢棄之城》拿下,當然,也讓《藍色大門》班底——易智言、桂綸鎂、陳柏霖師徒三人在金馬舞台上重聚。對於《廢棄之城》,金馬給出的評語是:「開創台灣動畫新格局。」易智言也在台上喊出「動畫是集體的創作成果,是未來」。
若站在金馬獎的歷史上回溯,2016 年第 53 屆競賽將「最佳創作短片」獎分為「最佳劇情短片」及「最佳動畫短片」兩獎[1],至今產出 5 部最佳動畫短片,其中 2019 年由王登鈺創作的《金魚》更在鍍金之後,於該年 12 月 20 日誠品電影院上映[2],動畫短片做正式商業放映,此舉與金馬動畫短片獎的增設遙相呼應,提升動畫短片的能見度與重要性,寫下里程碑。
走到 2021 年,由文化部前瞻預算支持,公視主導、大貓工作室製作的《勇者動畫系列》,或許更加具備商業潛力。此作品改編台灣漫畫家「#黃色書刊」的同名作品,為台灣漫畫 IP 首次改編動畫影集,在良好基礎的觀眾群下,《勇者動畫系列》擁有一定的變現量能,如發展週邊公仔、衣服、配件等等,實際上漫畫原作的確如此實踐,但透過動畫加深、拓寬群眾池子,有益無害。
而《勇者動畫系列》幕後製作團隊皆出自台灣,音樂部分,由五⽉天阿信擔任統籌,凝聚獅子 LION、美秀集團、茄子蛋、旺福、鼓鼓以及魏嘉瑩創作系列主題曲、片尾曲與插曲共五首歌曲,角色配音則請到黃子佼、吳慷仁、孫可芳以及近年出場率極高的劉冠廷,試圖以市場號召力極高的「明星」們帶動熱度,進而打進「非動畫」族群,走出同溫層。
實際看完《勇者動畫系列》,第一季共 6 集,每集落在 24 分鐘左右,在原先穩健的漫畫文本架構中,轉譯為動畫就有良好基礎,故事為標準三幕劇結構,「起、承、轉、合」各部分明,每一集皆在衝突的堆疊中提供觀眾探索故事的動力,且互為表裡,採取跳躍方式卻彼此緊扣,並逐步拼湊龐大的世界觀。
動畫也延續漫畫口吻,以詼諧幽默的基調,深入淺出叩問「善惡」、「種族」、「演化」等艱澀議題,顯然創作者嘗試於架構的奇幻異世界中,映照當代社會,並透過通俗動畫表現,勾勒出世界可能的成因與走向,娛樂之餘不失深度。
筆走至此,憶起 2018 年的動畫電影《幸福路上》,此片展現天馬行空的浪漫本質,同樣不忘探討現實人生的面向與可能性,乘載 80 年代至今台灣人的集體記憶。在跨度 30 餘年的時間軸裡,透過主角小琪的視野,不斷探索幸福的定義,並深刻傳遞出創作者對台灣這片土地的觀察與濃厚情感。再往前看台灣動畫,記憶最強烈的應該就屬千禧年前的《魔法阿媽》,說自己的故事,永遠是對抗全球化資本浪潮的唯一解答。
最後,或許這幾十年台灣在動畫產業的商業發展是緩慢、斷裂、缺席的,對比歐美、日本距離真正的「工業化」仍好幾步之遙(也包含整體影視產業),但從近年的創作脈絡與市場動向來看,仍能窺見「動畫」創作者們蠢蠢欲動的零散星火,當這股星火凝聚一方,在打死不退、一再失敗後的餘燼復燃後,就有可能於未來成燎原之勢。
而易智言去年在金馬獎上高呼的:「動畫是集體的創作成果,是未來」,能否在《勇者動畫系列》之中,一把火燒出未來,7 月 4 號本週日,觀眾是最後一塊拼圖,待市場實際驗收。
🎬以下為播出資訊:
《勇者動畫系列》於 7 月 4 日起,每週日晚間 10 點於公視頻道、公視+播出。此外,8 月 1 日 將在 myVideo,9 月 1 日 LINE TV 全套上架,Netflix 9 月 1 日於全球 192 個國家上架。
備註
[1]今年金馬獎更另設「最佳紀錄短片」
[2]經網友指正,台灣史上首部正式商業上映動畫短片為《微笑的魚》
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