▍今天，宮藤官九郎五十一歲生日！
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2000 年，千禧蟲並沒有如同預期般，橫掃全球電腦，造成大規模的資訊失能與專業板塊變動。但同年 4 月，宮藤官九郎交出第一部電視連續劇編劇作品《池袋西口公園》，從此日本編劇界產生了一次難以被忽視的大跳躍。

宮藤官九郎最早是以劇團演員身分出道，同時編寫綜藝節目腳本，而後還創立搖滾樂團擔任創作者與吉他手，成為連續劇編劇、電影編導、甚至是童書作家等職已經是時間軸上稍微後端的事情了。從他亂七八糟的身分履歷看來，我們大概可以猜想宮藤官九郎就是個腦內劇場 24 小時公演不連休的怪才，創作對他而言是一種身體能量的發洩出口，就如同他在就讀日本大學時選擇中途退學的理由一樣。

「大學生活太無聊了。」

對他而言，文本的產出，是讓自己身處的世界邁向有趣的道路。
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在《池袋西口公園》一炮而紅後，他一連推出《木更津貓眼》、《曼哈頓愛情故事》、《戀愛魔法使》等原創連續劇腳本，他那種全日本獨有的故事疾走感、與令所有觀眾都難以預測的連環轉折、再加上綜藝感十足的惡搞笑梗連發、絲毫不迎合主流電視圈的態度，讓宮藤官九郎的名號在短短幾年間立即成為戲劇圈的新希望。

他的每一部作品都被放在電視台黃金檔播出，收視數字大多悽慘無比，但後續討論與實體 DVD 販售數字卻老是破紀錄，大家很快便理解，這個男子是不能隨便用收視數字來定義的，再比下去也只是顯得自己無知。

於是，宮藤官九郎靠著他那低收視率的連續劇作品，從 2000 年開始一路到 2016 年，總共拿下 10 次日劇學院賞最佳劇本獎，而他的連續劇作品實際上也不過就 14 部，也就是說他每次出手的拿獎機率，高達 70% 以上。
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#宮藤官九郎｜#海女｜#寬鬆世代又怎樣｜#流星之絆｜#BIOS專欄

今年的關鍵字，仍舊是疫情，但在亂世之中， 2020 年自己與 360 部電影共同走過。由衷覺得在台灣是幸運且幸福的，還能輕鬆走進電影院，於漆黑的場域之中，和無數陌生人共享光影魔法，而除了電影院之外，串流的發達與普及，也讓電影在疫情之中有了其他生存的空間。因此，在台灣，在世界各地，影迷與電影邂逅的方式，就無拘無束，也有了更多可能性。
　
在自己今年 360 部的電影之中，藉由年底回望今年，梳理出自己的「年度十大佳片」，留存為 2020 年自身的時代印記，更有幸提供給讀者、影迷參考、交流或是留存，作為 2020 年的回顧。
　
去年也同樣寫了年度電影推薦，當時的評選標準為「2019 年度台灣院線電影」，不包含影展、串流、數位修復等片，但由於 2020 年全球受到肺炎疫情影響，許多片子少了商業映演的機會，故今年更改評選規則，影展、串流皆納入考量，唯一限制為今年首度在台灣看見的作品（不包含舊片和數位修復）。順道一提，榜單中的某些電影為去年出品，但因片商作業時間拉到今年的台灣院線放映，仍舊選進評選。
　
整理了今年的觀影紀錄，發現讓自己最有感觸的，還是在於人與人、人與社會、人與國家怎麼共處的作品，世界已經夠亂了，但透過影像我們好像還能奢侈地去反思，還能去醒悟，雖然某些時刻對於諸多議題有種無能為力的失能感，但在電影之中，或許人們終能找到一絲避世的位置。
　
🎬以下排名有分喜好順序，並附上短評。1 至 5 名後天刊出。
　
10.《#曼克》，【#Netflix】
　
名導大衛芬奇沉潛 6 年，在動蕩不安的 2020 年交出《曼克》。1941 年，劇場與廣播界的金童奧森威爾斯執導了震古鑠今的《大國民》，縱使《大國民》在 1942 年的奧斯卡僅拿下一座奧斯卡，但時至今日，《大國民》在影史的地位已不辯自明。當時的好萊塢有《亂世佳人》這類的大製作電影，而《大國民》的出現，走出與古典好萊塢截然不同的嶄新道路，是時代的開創者先鋒之一。
　
《大國民》讓觀眾跟著記者視角，透過回憶錄的方式不斷帶出主角凱恩的過往，拼湊可能的人生模樣，更重要的是，片子從媒體帝國巨擘之中，反映美國自由資本主義以及英雄主義；而《曼克》在大衛芬奇的視野底下，聚焦於《大國民》的編劇曼克維奇，他嘴巴凌厲，酒氣熏天，但才華過人，以筆為戈，觀注政治，反映社會概況。大衛芬奇在杯觥錯影、吞雲吐霧間試圖梳理出《大國民》劇本的生成原因，大衛芬奇同樣在解構神話，從財團的資本面向，到個人的英雄樣態，都是《曼克》拆卸的細節之一。
　
說到底，《曼克》是世人愛看的「小蝦米對抗巨人」的故事，曼克維奇是狂傲不羈，唾棄商業鉅子的編劇，奧森威爾森則是初出茅廬，亟欲證明自我的金童導演，兩者在片廠掌權的體制之中，不斷對立與斡旋，才有了曠世傑作《大國民》。大衛芬奇找到巧妙的切入點述說曼克維奇這位真實存在的人物，不刻意歌功頌德，反而聚焦於小人物在時代浪潮下的掙扎與失敗，大衛芬奇毫筆一揮，將人性的各種面向融於一爐。
　
而觀眾乘著《曼克》劇組匠心打造的時光機，返回 30 年代的好萊塢，橫跨在一戰後的經濟大蕭條、二戰時的風起雲湧，大衛芬奇遊刃有餘地刻畫紛擾的政經局勢，更在《曼克》後段花了篇幅勾勒加州選舉，並劍指官商間的操弄，與人心動盪，而當時代的政治概況回看今年，美國大選的擺盪與鬥爭，就有了某種趣味，《曼克》的出現能在美國大選中增添一絲解讀趣味。
　
至於手法上，《曼克》中隨處可見對於《大國民》的致敬。首先，兩部電影雙雙採用倒敘法，從這樣的形式來看，大衛芬奇對奧森威爾斯的挪移是顯而易見的。再來是分鏡，舉例來說，片中能看到主角曼克躺在病床上，從手中將酒瓶摔下，而後酒瓶在地上滾動，此處的剪接與攝影機運動對應到《大國民》，就成了主角凱恩躺在病床上，從手上將童年時的水晶球摔下而破裂，這是《大國民》的經典之一，「玫瑰花蕾」（Rosebud）就從這裡延伸而出。
　
最後是符號象徵，在《大國民》中，空間場域極為重要，冰冷的檔案室、夫妻間的餐桌距離，都暗示人與人之間的疏遠關係；在《曼克》中，主角曼克來到好萊塢權貴們的重要聚會，在此也出現了狹長餐桌，曼克在此發起酒瘋，而後被拒於門外，並被譽為「猴子」，此處的影像語言，與《大國民》遙相呼應，並對戲劇產生關鍵作用。而「猴子」一詞也是《大國民》中的經典台詞。
　
從這幾點來看，《曼克》巧妙掌握《大國民》的手痕印記，並準確在新的故事中賦予意義，並非為了「致敬」而「致敬」，大衛芬奇的導演功力依然無庸置疑。但平心而論，《曼克》並不是那麼容易入口的作品，片中複雜的人物關係，後設的趣味性，都要對於影史有一定程度的理解，才能知曉箇中奧妙，但倘若能稍微理解《大國民》與當時的好萊塢狀況，《曼克》會是一部相當過癮的「影迷作品」。
　
《曼克》走到最後一幕，最後的台詞說道：「這就是電影的魔力。」替全片畫上最佳註解，在 2 小時 11 分鐘過去後，觀眾自然能明白，影像可以左右政治，干涉政權，而曠世傑作也可能僅是一個失勢、酒醉之人寫出來的奮力一搏，電影的魔力在《曼克》中展露無遺，並從好萊塢的黃金時代再度提煉而具現。大衛芬奇並不亞於奧森威爾斯，《曼克》是獻給編劇的作品，但在浪漫的說詞之中，觀眾望見的是不堪、醜陋與血淋淋的真實。
　
最後，有趣的是，1940 年走過 80 個年頭，當代電影產業的軌跡也發生巨變，尤其是在今年，串流大肆崛起，好萊塢傳統大型片廠應該沒想過，電影產業已經逐漸脫離電影院，人們在家中已然就是全世界，於是從今年的環境之中，Netflix 恰巧推出《曼克》，若用一種後設的角度解讀，《曼克》或許可說是大衛芬奇的《大國民》，藉以諷刺傳統掌權者，又是一種油然而生的趣味。
　
9.《#導演先生的完美假期》，【繁盛映畫 Wild Green Films】發行　
　
《導演先生的完美假期》是一部冷靜、克制的作品，但靜下心感受，能在表面之下挖掘出極富情緒的底蘊，巴勒斯坦電影代表人物伊利亞蘇萊曼不發一語地透視世界，熟稔「以畫面說故事」之道，輕點影像魔力，帶著觀眾心領神會，望見當代社會。
　
綜觀全片，蘇萊曼經常選擇從一顆用於觀察事物的鏡頭切入，然後帶回蘇萊曼「觀看」的動作本身，並不斷在這兩者間擺盪、轉換，點出「觀看」的主動／被動，同時拋出客觀環境，觀眾在此模式下，帶著些許超現實「被動地」共同「觀看」巴黎、紐約以及巴勒斯坦的處境與氛圍。
　
猶記得《一一》特愛拍後腦勺的孩童洋洋，這是屬於此年紀對世界產生好奇獨有的觀看方式，觀眾平常看不到的，洋洋（楊德昌）拍給我們看。然而，在《導演先生的完美假期》中，伊利亞蘇萊曼和洋洋一樣，拍著背影，似正在對世界提問，這也恰恰為蘇萊曼提供觀眾另一種看世界的方式，觀看永遠是事物與人之間的關係。不過與洋洋不同的是，蘇萊曼拍下的背影，少了點好奇心，取而代之的是深刻的省思與從容的凝視，在優雅中透著擔憂與諷刺。
　
「It Must Be Heaven」，天堂無處不在，此刻蘇萊曼外表仍克制，但激動之情早已溢於言表，透過畫面與音樂穿過銀幕傳遞出來。世人的確不能選擇出生的地方，但能選擇觀看世界的角度與方式（巴黎、紐約、巴勒斯坦的對比），「觀看先於言語」（Seeing comes before words），或許是導演先生挪移約翰伯格著作的溫柔提醒。
　
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8.《#誓血五人組》，【Netflix】
　
史派克李延續上一部作品《黑色黨徒》的風格，開場便開宗明義地使用歷史畫面，將砲管對準美國歷史上的戰爭污點──「不知為何而打的越戰」。《誓血五人組》開場呈現一段段黑人前往戰場的真實畫面，史派克李善用交叉剪輯，靈巧地在當中倏地剪進阿波羅 11 號登月的歷程畫面，聽著旁白說起：「這是一個人的一小步，人類的一大步。」這是縹緲的登月計劃，人類對外太空虛無的想像；而越南戰場中流血、送命的軍人，則是血淋淋的真實──兩相對比之下，當時美國的登月輝煌、軍備競賽中的勝利，與越戰的失敗並置，更顯諷刺。這是史派克李熟稔剪輯的力量，送給觀眾一記當頭棒喝。
　
《誓血五人組》是一部專屬於黑人的公路史詩電影，當年血氣方剛的英勇青年，經過歲月洗滌後轉為白髮蒼蒼的老人，然而，這些老兵就算帶著瘸腳的傷疾或是創傷後壓力症候群（PTSD），到了熟悉的叢林，縱使地雷滿佈，仍舊對地形、環境記憶猶新──這是時間帶不走的歷史傷痛、戰爭遺毒。史派克李透過角色的傷痕，暗示越戰如同幽靈鬼魂般，纏繞著老兵，同時也籠罩於美國之上，揮之不去，也無法抹滅。
　
更驚喜的是，史派克李巧妙地透過攝影媒材的轉換，拉出今日與往昔的對比：電影中只要是「現在」的時空，畫面比例大都以 1.85 : 1 或 2.39 : 1 拍攝，進入回憶後，便限縮畫面比例，改以視覺風格較小的 1.33 : 1，藉此呈現出當時越戰壓迫、緊繃的氛圍。而本片攝影師 Newton Thomas Sigel 再透過 16 釐米底片獨有的顆粒色澤感，拉出舊回憶的時代感，光是媒材的轉換，便能窺見史派克李的用心。
　
綜觀全片，《誓血五人組》對於種族議題的力度，每一場戲、每一句台詞都是直球對決，且史派克李雜糅各類型的影像，鏡頭語言豐富、視覺風格強烈，在公路類型中醒覺、成長、找到救贖，並與人性對抗，重口味卻不鹹膩、直通人心，進而反思越南戰爭。史派克李透過手中的鏡頭直面剖開美國底下的醜陋面紗，其情緒是鏗鏘有力，如同片中「美國欠我們的」那句台詞一樣，擲地有聲。
　
最終，《誓血五人組》結尾收在馬丁路德金恩博士逝世一年前的真實演講畫面，開場是拳王阿里，結尾是馬丁路德金恩博士，史派克李透過兩名黑人平權運動且反越戰的英雄做出首尾呼應，更將真實歷史畫面和虛構故事合一，將劇情片與紀錄片兩者形式疊合，強調了這部作品的真實性，可謂神來一筆。
　
更重要的是，透過這段宣言可以識讀史派克李現今對美國的態度，從電影拉回現實，美國目前正處在「黑人的命也是命」（Black Lives Matter）的平權抗爭風暴之中，歷史過了幾百年，種族歧視的警察暴行等事件一再上演，美國或許正搖搖欲墜；美國或許離平權還有一大段路要走；美國或許永遠抵達不了和平彼岸，但史派克李仍舊期許美國能成為理想中的樣貌，堅定帶著各種膚色的觀眾共同見證。
　
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7.《#悲慘世界》，【海鵬影業 / Swallow Wings Films】發行　
　
法國大文豪維克多雨果 19 世紀問世的名著小說《悲慘世界》，在 21 世紀成了法國新銳導演拉德利（Ladj Ly）鏡頭下的犀利映襯，一本書、一部電影，不同媒材但核心異曲同工，盤根錯節的結構性問題、人性不斷的對立、來自社會底層貧窮的掙扎，仍舊不斷重演。人類文明看似不斷前進，卻被拉德利拆解成停滯，甚至是倒退；雨果筆下的革命百年之後，對於拉德利來說或許近在咫尺，全片擲地有聲，令人膽戰心驚。
　
拉德利聰明地透過這三位個性鮮明的警察視角，遊走（巡邏）在充滿犯罪、危險氣息的底層街頭，觀眾得以紮實地一窺與警察處在對立位置上的各種小人物，拉德利也進而描繪出這些小人物們不同的求生輪廓，拼湊出郊區的完整樣貌，難能可貴的是，拉德利並非一味地批判，在這樣的灰色地帶中，「善」與「惡」當然不是簡單的二元對立。
　
《悲慘世界》是一部生猛有勁的作品，拉德利展現初生之犢不畏虎的剛強氣勢，在巴黎郊區中完成了一場艱難的衝突，隨時充滿箭在弦上的挑釁，引人入勝，且其暴力筆觸也神似賈克歐狄亞在 2015 年拿下坎城金棕櫚的《流離者之歌》。
　
《悲慘世界》雖然發生在巴黎，卻能打破文化藩籬，因為此種對立走出巴黎，在世界各地、社會的角落上仍舊不斷上演。但或許，拉德利並不想極為悲觀地認定人性的無可救贖，開放式的結尾以及開場的人心凝聚就是很好的證明。
　
「親愛的朋友，請謹記。沒有壞種子或惡人，只有壞的耕養者。」雨果百年前提筆的嚴厲警示，到了當代，拉德利巧妙地挪用，鏗鏘有力地奏出一曲法國當代的底層荒涼悲歌。
　
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6.《#殺戮荒村》，【捷傑電影】發行　
　
《殺戮荒村》由巴西名導克雷伯曼東沙費侯和長期藝術指導合作夥伴胡里安諾杜內耶斯聯合執導，很難想像這部帶著些許科幻感的民族記事，在風格上會展開成昆汀式絕地大復仇中的暴力美學，且在轉場上皆有 70 年代西部電影的味道，開頭便替這部時間軸定於未來的電影注入矛盾的衝突美感。
　
敘事上則在名為巴庫勞（Bacurau）的小村落中，殘酷劃分社會、種族間的階級地位，透過一群由美國白人組成的殺手集團，埋下政治操弄後對窮人村落進行的屠殺，由此來看，巴庫勞可以視作過往歐洲帝國主義對巴西的殖民以及文化上主導地位的典型。
　
然而放眼未來，高科技更可能使人們認為有「權力」將人命視為屠宰遊樂場，編導對於歷史傷痕、現今局勢、未來發展，有著細膩、透骨的觀察，這些不斷上演的掠奪，無時無刻發生，不管是在從前，或是未來，且背後原因令人寒毛直立。
　
《殺戮荒村》是一部充滿幻想的當代寓言故事，但其核心主題，可能更是這群無力的個體們對企圖剝削其利的強國們的終極反動（白人、遊客），是政治上的、文化上的、經濟上的，也正如同昆汀塔倫提諾的《決殺令》般，在影像中出了口惡氣，大快人心。《殺戮荒村》真實的可怕。 巴庫勞是極為渺小的貧瘠窮鄉，或許世人不會注意到它是否存於地圖中，但在這座小村中政客與強國卑劣的荒謬事，極有可能發生於當代地球的每一寸土地，自然也能這樣看待台灣了。
　
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#2020年度片單

知道這個女星的，我恭喜你們經歷過台灣戲劇的黃金年代。

那個不輸給香港、美國的年代

她叫做葉童，是活躍相當久也相當有實力的演技派女星。

她在1982年出道，當年就以第一部電影作品《烈火青春》得到香港金像獎最佳新人提名；當年的她不過20歲。

而在啟蒙導演梁普智的教導下，響雷劈開天靈蓋、打通任督二脈的葉童，更是在隔年就直接拿下金像獎的女主角(作品 : 《表錯七日情》)，這不過是21歲的她所拍攝的第五部電影作品而已。

是湊巧嗎?
她在隔年，再度入圍最佳女主角，而且六年後入圍最佳女配角；八年後更直接同時入圍最佳女配角，再次奪下最佳女主角。

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她在兩岸三地最有名的作品莫過於是《新白娘子傳奇》，這套至今連主題曲都不時有人翻唱的火紅連續劇中，有我認為古裝妖精女鬼第一神的女星趙雅姿(後來劉亦菲的小龍女扮相，頂多能跟上她而已)；還有後人只能模仿，但難以超越的法海(乾德門飾演)。

而葉童呢?
在裡面扮演白素貞的丈夫--許仙。

有觀念的人可能會想 : 那是個男生耶?
沒錯。葉童在裡面是扮演男生。

葉童扮演男生，在台灣不是新聞。

她在台灣的第一部連續劇是《碧海情天》，也就是我這篇貼文上的這張照片。

這裡面，她像早乙女亂馬一樣變男變女的穿插劇情中，不管是男是女扮相都好得驚人。

這是她在台灣第一部連續劇，卻不是她第一次女扮男裝；因為早在《碧海情天》前的電影《笑傲江湖》中她便飾演令狐沖(許冠傑)師妹岳靈珊，在片中葉童就以男生扮相都出場了。

(《笑傲江湖》是1988年拍，89年底完成，1990年上映；《碧海情天》則是1990年拍，1991年開始播)

而《笑傲江湖》中的男生扮相讓製作人楊佩佩相當滿意，所以(大學在香港念過的)楊佩佩便從香港找來了葉童擔任女主角，而且以男裝亮相。

當年，也是港台合作相當緊密的黃金年代；兩邊的藝人都常往對面去，也才有了我們輸出的歌手、演員，以及香港來的四大天王、潘迎紫、劉雪華、葉童、劉松仁、苗僑偉等。

而《碧海情天》在台灣開出紅盤(李宗盛的《凡人歌》至今傳唱)，讓葉童直接在已經火熱的台灣影劇圈中殺出一條血路。

緊接後面的《新白娘子傳奇》更是讓她在兩岸三地炸了鍋，之後在兩年內更同時間拍了4個連續劇與16部電影--(1991年《跛豪》入圍最佳女配角，《婚姻勿語》直接拿下最佳女主角)--不管是產量或實力都強的沒話說。

而《新白娘子傳奇》之後便是另一個炸鍋神作《倚天屠龍記》，這是金庸宣稱改編的最好的連續劇；葉童延續著白蛇傳裡的許仙，繼續在裡面也有男裝女裝的扮相。

而且，因為一人分飾兩角(殷素素、趙敏)的她演技真的精湛，竟也被金鐘獎提名為最佳女主角。

我覺得其中有趣的是，她在連續三部連續劇中都有男生扮相，這是很有意思的。

因為女扮男裝一般來說很有難度。
找個太漂亮的來扮演，一般沒有說服力。

例如《碧海情天》裡面的張玉嬿也扮過男裝，真的普普通通；這說明男裝也不是人人都能駕馭，更不是漂亮就好。

那要找個本來就像男生的女生來扮男生，那根本也就不用扮了啊......

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《碧海情天》這套連續劇，其實在優吐上面已經有了一陣子。

保證正版，因為是由中視自己上傳的。(這其實很聰明，因為反正中國那邊也有很多盜版了，台灣也有管道能看；與其抓或人家不想買光碟版，不如自己開一個優吐頻道，自己還能多少賺一點點閱率收入)

而我也就是昨天把整套看完的。

看完之後，我只能說當年的劇本跟演技，都不是現在戲劇可以比擬的。

現在的戲劇，男女主角英俊漂亮就好，而演起戲來呢...........只要英俊漂亮就好。

反正他們就是臉癱的講完台詞，外型完整姣好就行；大家一樣看的不要不要的。

而當年的演員們，無一不是表情、台詞、對話清晰度、肢體語言全部都到位的。看著他們嘻笑怒罵、蹦蹦跳跳、哭泣大喊，都會覺得毫不違和。

同樣是嘻笑怒罵、嬌羞怯懦，現在演員看起來都很假。
同樣蹦蹦跳跳，現在的看起來很傻(所以一般不會看到演員蹦跳)。
同樣哭泣大喊，現在演員就是臉癱瘓的流眼淚就搞定。

而現在的演員甚至連放狠話，都是臉癱瘓或是故作高傲的皺眉的唸完台詞就了事(從台灣霹靂火大量生產壞人之後，就大抵如此)

說到頭，其癥結在於以前有演員訓練班，訓練出來的都是有品質的；就算為了票房找偶像，又或是當紅的沒空，找人來頂，也都是有品質的人選。(例如，像電影的《笑傲江湖》本來是張曼玉，後來讓葉童頂上；本來的任盈盈是葉蒨文，後來是張敏頂上.....)

但從2000年前後，很多當紅偶像被找到的原因只是因為他們聲量高，反正沒演技；沒表情、臉癱、台詞講不清楚也無所謂，只要大家看到偶像上鏡頭就高潮了。

這也是為何現在很多大約三十歲的朋友，回去看舊的偶像劇(例如那個跳舞打架的....)，會覺得很尷尬的原因；因為不知道他們在幹什麼。

真的不是我以古非今，而是我說出了為何現在的人都覺得老片好看(2000年之前的電視劇與電影)的癥結；所以為何電視台老播老片、大家記得最牢的也是老片。

不信的人，真的耐下心來看看老連續劇，看個完整三集就能知道。

而在看完《碧海情天》之後，讓我開始對老連續劇有了信心，這讓我會想繼續往下追看看《京城四少》或是《賽金花》、《包青天》之類的電視台上傳戲劇。

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當然，也不是沒有缺點的。

因為主角跟老演員(張冰玉的滅絕師太之類的)飾演的配角太強大，所以臨時演員就真的台詞生硬到讓人很出戲；但這是相對應的。

太強的主角就會讓臨演顯得格格不入，因為技術有落差；而現在的連續劇，反正連男女主角都臉癱了，臨演只要能好好念完，大家也就不覺得突兀了。

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最後談一下《碧海情天》。

雖然好看，但有點虎頭蛇尾；中間的編排也不夠緊密；基本上就是幾個元素來回的套用。

男主角失蹤、女主角失蹤、男主角疑似死亡、女主角疑似死亡、配角疑似死亡..........

女主角闖禍、女主角老爸大怒、男主角被抓、女主角任性要爸爸去救、爸爸不聽就找奶奶求救、爸爸被罵之後去救..........

每到緊要關頭，男主角對女主角大吼(或倒過來)然後雙方就誤會了......男二(沈孟生)就出來跟女主角變得親密一點；然後男女主角講開後，繼續親密............之後又因為某事件大吼鬧翻.......的周而復始。

#就這樣弄了53集

反而是最後一集，趕急著把劇情終結，很多地方都沒有交代，讓人覺得虎頭蛇尾了點。

但我想畢竟後面的《新白娘子傳奇》、《倚天屠龍記》又或是《帝女花》之類的作品本來就有一定程度的原著可以參考改寫，所以劇情上豐富一點是正常的。

但《碧海情天》是編劇無中生有的，要湊足53集劇情本來就很難扎實的不重複；但光是以一班子的硬底子演員來詮釋，其實也具有相當水準了。

總之，我是推薦的。

若是有點年紀，可以看來回味；若是當時還沒出生，沒有躬逢其盛的讀者，真的也很推薦去看看。

反正不花錢，也可以看看現在很多檯面上的大師級演員，當年有多年輕，多鎮得住場面。
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#沒有比較沒有傷害
#比較起來都是重傷害
#當年台港影劇真的輝煌無比
#但是已成追憶
#不說香港已經不再
#兩岸三地的演藝生態也逝者如斯了

每週一、三、五的晚上10點半，一起看、一起想、有瞌睡蟲一起養。
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我琴晚上載完馮盈盈同埋江嘉敏p圖事件，今日佢兩個就即刻合體在做訪問，就算佢哋補睇我嘅影片, 中觀佢哋嘅行為, 佢哋嘅公關都會通知佢哋, 即刻出嚟盛住個勢, 為解構心機女呢個節目作宣傳, 呢啲咪醒目囉 ，做娛樂圈 ，要識得睇準機會 ，仲要唔怕畀人講 ，你唔知道現今社會 ，畀人講會越紅嘅咩 ，兩個都抵讚 ，叻女叻女 。

今日呢條影片會講下第45屆香港國際電影節開幕電影《風再起時》主角梁朝偉郭富城 ，佢哋唔係首度合作 ，亦都會講下童年辛酸嘅梁朝偉 。影帝巨星嘅成長經歷。


最近由翁子光執導，郭富城、梁朝偉、譚耀文、周文健、太保等人主演的犯罪傳記片《風再起時》，被選為第45屆香港國際電影節開幕電影，好多人以為梁朝偉和郭富城係呀首度合作。
其實喺33年前，那时23岁的郭富城在處境喜劇《都市方程式》中饰演年轻配角，當時26岁的梁朝伟则是已凭《鹿鼎记》、《新扎师兄》、《倚天屠龙记》等剧走红，所以只係喺《都市方程式》剧集中特别客串1集，饰演体操运动员。兩個當事人自己都忘記咗 。
..........................(Smart Travel影片內容要按落去睇)
劇情
70年代，香港廉政公署成立，對貪污探長進行追捕，揭開殖民地時代落幕前的篇章。曾因不受賄而飽受壓迫的警察磊樂 （郭富城飾）與南江（梁朝偉飾），想要改變現狀，而攜手建立警察貪污制度，並坐上總華探長位置。然而，權利膨脹導致黑白勢力失衡，磊樂太太蔡真（杜鵑飾），因幫其上位而受黑社會遷怒，一直跟隨他們的胖子韓（周文健飾）及嚴洪（譚耀文飾）等人，亦幾近翻臉。歷史交替，廉政公署全球通緝貪污探長，磊樂與南江隻手遮天的年代謝幕。風再起時，香港已不同往昔。

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演員及幕後
風再起時主要演員包括梁朝偉、郭富城、周文健、謝君豪、譚耀文及金燕玲，電影由翁子光執導並由翁子光編寫劇本。

上映資料
風再起時主要語言為粵語(中文字幕)，未有通訊事務管理局評級結果。

更多關於風再起時
重拍經典人物題材的用心 以呂樂、藍剛為首的香港「四大探長」題材電影，香港已經拍了很多遍，還有同樣描述50、60年代警員貪污及毒犯事蹟的香港電影代表作《跛豪》，其實都是香港電影風潮的一番景像，導演翁子光亦說﹕「當年香港電影或許未有足夠的資源為50、60年代的香港全面搭景重現，也沒有CG特效的輔助，到了今天，技術上處理這類年代電影的功效可說是事半功倍。」對於拍攝《風再起時》這個題材，翁導表示﹕「從當年看過《跛豪》及《雷洛傳》之後，我已經開始在想像，香港電影為什麼不可以有更優異的人物傳記電影？外國有《甘地傳》及《莫札特傳》這些電影，後來有一天在內地工作，遇到一些三十歲以上的影迷，他們竟然說，他們最喜歡的電影之一正是《雷洛傳》，而不只是《古惑仔》或者《無間道》，我會驚訝於一部有關香港歷史的電影是如何引起他們興趣的。」事實上，開拍《風再起時》的其中一個最主要原因是因為郭富城，「我在拍《踏血尋梅》的時候，看著郭富城，覺得他很有舊年代明星如加利格蘭特（Cary Grant）那種精緻及風流倜儻的感覺，塗上髮蠟，那種油頭粉面的年代感，後來我看了馬田史高西斯的《華爾街狼人》，看到里安納度狄卡比奧演的角色，我就想﹕這不就是呂樂嗎？西裝筆挺但又有斯文敗類的感覺，對於我們創作戲中磊樂的角色，可說是充滿了啟發性，郭富城自然是演這個角色的不二之選。」導演在發佈會上也笑言，因為上次《踏血尋梅》把郭富城的造型搞得邋遢又老邁，這次要還他一個「靚仔英俊」的樣子。 當翁子光在編寫劇本寫到南江(藍剛)這個重要角色的時候，他根本不敢想像可以請到梁朝偉，來出演這個外表文質彬彬、內心卻是「滿肚密圈」的忠奸人角色，梁朝偉第一次見翁子光就問他﹕「你為什麼會想拍一部香港版 “Once Upon A Time in America”《義薄雲天》呢？我很想知道你會怎樣拍。」藍剛的角色當年由向華強在《藍江傳》中演繹過，但其實這個被稱為「無頭」的「笑面虎」角色，一直沒有被好好發掘過，由梁朝偉演出，這注定將又會是一個被影迷封神的經典角色。 《風再起時》的女主角杜鵑，是一個精明能幹，家境不錯的千金小姐，除了「時代感」，還要有精緻的「時裝感」，到後段她嫁給郭富城飾演的磊樂之後，她又滲透出了成熟女人的韻味。 相信杜鵑的造型，是在她之前演過的電影裡前所未見的，這都要歸功於電影的服裝造型指導吳里璐。在《風再起時》裡，她為電影主要演員所設計的假髮，可說是鬼斧神功，其中重點是郭富城飾演的磊樂，從不同年紀展現的髮型變化，既符合時代轉換，又表現出人物成長的心理及背景的改變發展，終於達至了導演所說的「還郭富城一個靚仔造型」的目的。 《風再起時》再開新的一頁 導演翁子光將電影取名《風再起時》，不只是他的個人心跡，也是對香港電影的寄語。「我覺得人還是向前看的，特別是當你知道自己做的事情得到認同多少也是運氣，要警剔自己，我們這一代電影人，比起以前侯孝賢、許鞍華、楊德昌、張藝謀、田壯壯、王家衛、杜琪峯這些，差太遠太遠了，只能做到的，就是虛心拍戲，盡力去拍自己喜歡的戲，之前已經跟郭富城合作過，這次又有機會跟梁朝偉合作，我真的是沒有什麼遺憾了，多少新導演有機會可以拍梁朝偉呢？他真的代表香港電影最有光環最美好的一代，他的表演魅力也來自於他的人格魅力，也很慶幸跟他成為了拍戲以外的朋友，彼此會談很多對不同事情的看法，他願意接拍《風再起時》也是因為他對香港電影的感情，他是很重感情、很敏感細膩的人，我們請了許冠文演出也是這個原因，他的存在對香港人來說是具有特殊意義的，他在戲中有一個長達五分鐘的英語對白solo表演鏡頭，相信大家也會像我一樣看得如癡如醉，希望這會寫下影史，起碼留下了一個我作為影迷的紀念。」

梁朝偉自劇集《鹿鼎記》中韋小寶一角後，旋即成為炙手可熱當家小生，劇集接過不停。黎耀祥近日與阮兆祥主持的網上節目中，大爆偉仔當年辛酸史，更曾經拍劇攰到嘔白泡，嚇怕工作人員。他指偉仔當年於TVB接拍古裝劇《俠客行》，一人分飾孖生兄弟兩角，拍攝其間幾乎沒有休息時間。黎耀祥指當年大台沒有休息室的設備，演員想休息只能在化妝間的兩張長櫈上睡覺，他指有次偉仔在長櫈上睡着，當工作人員準備叫醒他時，發現偉仔一直沒有反應，口角更流出白泡，嚇得工作人員以為偉仔死了，擾攘一陣子，熟睡中的偉仔才醒過來，大家才知道原來是偉仔太攰太辛苦，而口角的白泡只是口水。

黎耀祥也有同樣經歷，他自言拍攝高峯期，足足有4日沒有睡覺，每次一組收工同時，另一劇組已派車在樓下候命接送，日戲接夜戲，最多只有少少時間回家沖涼。談到辛酸難忘史，阮兆祥指跟陳豪合作拍攝劇集《公主嫁到》，當時接連拍攝多日，還記得有次清晨拍畢夜戲收工，兩人在化妝間隨手拿起大卷紙巾便當枕頭睡覺，不夠半小時後，工作人員便叫醒他們化妝。他憶述每人都要動用2位工作人員服待，1位負責化妝，另1位是負責托着他們的頭，因他們化妝同時仍爭取時間休息。雖然是辛苦，但黎耀祥也感恩曾經接到不少工作的日子。