昨晚的 #讀繪本玩創意 活動根本考驗媽媽我的心臟，因為我們使用的是壓克力顏料，不太好清，要用肥皂+水用力擦才會掉！不過吵偉這小子已經被訓練成不會弄得亂七八糟，也可以完成作品（當然要我從旁協助）。

我們用的是友人送的梵谷向日葵繪畫組，內附壓克力顏料、畫紙、滾輪、專用染板、油蠟筆等，只需要準備調色盤或紙盤，直接打開就能作畫了！

搭配相關主題的繪本，我們共讀了 #凱蒂遊名畫系列 的《凱蒂和向日葵》 ，故事敘述凱蒂闖進了五幅著名的後印象派畫作中，為了收集種子看上梵谷的向日葵，沒想到弄倒花瓶，向日葵散落一地，災難沒完沒了，旅程非常生動有趣，吵偉聽得津津有味！

🎑此書介紹的名畫有：
文生‧梵谷─「向日葵」、「夜間的咖啡座」
保羅‧高更─「跳舞的布列塔尼女孩」、「大溪地的田園詩」 和「有蘋果和柳丁的靜物」。

隨著吵偉長大了，很多時候的共學共玩活動我也會選擇自己喜歡主題比如文藝類的，培養孩子的藝文素養，同時也能接觸更多不同的知識。

現在一看到梵谷的臉或是向日葵，吵偉可以很大聲地說：那是梵谷的向日葵耶！睡前還問我：梵谷死掉了嗎？他在哪裡呢？我想看看他，可以嗎？#你是要嚇死你媽我嗎

#在家主題教學 #植物與花 #梵谷 #向日葵
#我的小小畫家👨‍🎨 #4Y3M

💬話說每次跟吵偉進行共學時，月中父都會在客廳把電視打開聲量調到最高，在旁邊滑手機卻沒在看電視，多次跟他溝通是否能給我們30分鐘就好，都無法配合耶！#超想飛踢他

非裔英國藝術家麥可·阿米蒂奇（Michael Armitage）的繪畫實踐了數位時代的「剪下貼上」動作。他從各種途徑收集圖像，如新聞和社交媒體，再加上個人經驗及人物寫生，混合集體記憶和他的個體記憶，交織出一幅幅幻想式的具象畫。阿米蒂奇的創作結合他在東非奈羅比的成長經驗和西方藝術史的美學薰陶。形式上，他的作品以油畫為主，烏干達的Lubugo樹皮是他製成畫布材料，這種布在當地是製作部族領袖或用來祭祀的服飾。內容上，他經常挪用藝術史上的名畫，以揭示當代東非的文化和社會政治現實。

阿米蒂奇的畫作看似魔幻且具田園氣息，但講述的皆是東非因性別認同的保守主義所引發的多重社會事件。如作品〈坎帕拉郊區〉（Kampala Suburb）是藝術家對肯亞的反同志法案的視覺抵制，他描繪了兩名親吻的男子，兩人的姿勢參考自埃及象形文字，後方壁畫內容是索馬里的一次處決，前後景的對比呈現強烈的對比。〈＃我的穿搭我的選擇〉（#MyDressMyChoice）則挪用維拉斯奎茲（Diego Velázquez）的名作〈鏡前的維納斯〉（The Toilet of Venus）。整體雖具古典裸女畫風格，但作品標題使用社群媒體流行的＃hastag，靈感則來自2014年在網上傳播的一段視頻，內容為東非奈羅比的一位女性因穿著迷你短裙而被數名男子脫衣毆打的事件。

畫中裸女斜倚在色彩斑斕的景色中，上方則露出一排男性的腳，身著西裝褲與皮鞋，右下方則有兩隻類獼猴的動物，兩對雙眼睜睜地盯著前方，暗示著他人對女性的異樣凝視。作品同時影射高更的（Paul Gauguin）「大溪地」系列中，〈＃我的穿搭我的選擇〉讓人聯想到高更創作於1897年的〈再也沒有(O Taïti)〉（Nevermore (O Taïti)）。風格上的類同是阿米蒂奇刻意的表現，期望作品能在挪古喻今下，反思高更作為殖民者的「異國凝視」，再回到當代審視女性所承受的凝視。

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本文刊登於本期《藝術家》雜誌539期，節選文章見：http://www.artist-magazine.com/edcontent_d.php…

【馬諦斯剪紙藝術】

馬諦斯（Henri Matisse，1869-1954）因運用鮮麗色彩與流暢洗鍊繪畫技法聞名於世。他是畫家、版畫家和雕塑家，作品以繪畫為大宗，並與畢卡索（Pablo Picasso，1881-1973）同被公認為定義二十世紀初視覺藝術革命性發展的藝術家。

直到如今，雖常常跟野獸派畫上等號，但實際上野獸派運動僅維持數年便告終。若從1905年野獸派正式登場昭告世人的秋季沙龍（Salon d'Automne）算起，也不過兩年光景。對多數藝術家來說，野獸派只是一個過渡學習階段。

1908年時，由於人們對塞尚（Paul Cézanne，1839-1906）關於自然秩序和穩定結構的主張愈形重視，導致野獸派奔放的情感表現看起來熱情過度動盪不安，反之，被塞尚、野獸派和非洲原始藝術刺激出來的立體派邏輯分析反而顯得更〝塞尚〞。於是野獸派畫家先後陸續散去，尋求出路。

〝跳槽〞到不同風格的原野獸派成員中，布拉克（Georges Braque，1882-1963）算是比較早落跑的一位，他與畢卡索聯手發展立體主義，1908年畫下的《艾斯塔克的房子》（Houses at l'Estaque）甚至是為立體派定名之作；儘管始終被畢卡索的光芒掩蓋，兩人合作關係到一戰爆發隨即了結。德漢（André Derain，1880-1954）在受到立體主義短暫嘲諷後，回到新古典主義之路並受到歡迎。

至於馬諦斯則獨自追尋個人道路，持續前行，在自我情感和所描繪的世界之間取得精妙平衡。

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馬諦斯一生創作風格數度轉變，也融合眾多當代藝術特色而發展。他最初接受古典學院訓練，再受到印象派馬奈等人啟發使用明亮色彩；因席涅克（Paul Signac，1863- 1935）點描法與崇拜塞尚而投注分析色彩、形式與構圖的作用，簡化物體細節；接續梵谷、高更等表現性強烈的用色衝擊，更促成高度裝飾性藝術。

但終其一生，他的基本目標始終不變：『發現事物本質，並創造一種充滿平衡、純淨和寧靜的藝術形式』。

藝術成就並非一日可幾，1906年之後約莫十年間，馬諦斯陸續創作出許多優秀作品，具備嚴謹風格，強調平面化形式和裝飾圖案。1917年，搬到法國南部尼斯，1920年代洋溢異國風的女性肖像，畫面中充滿光線、鮮豔色彩和大量裝飾圖案，質樸華麗又輕鬆的風格受到好評。1930年之後，他採用了更大膽的簡化形式。

至此，他將塞尚理念發揮得淋漓盡致，為自己闢出康莊大道，開創現代藝術精彩面貌。

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然而不像死對頭-短小精悍的畢卡索幾乎終生頭好壯壯，馬諦斯於1941年曾因十二指腸癌接受兩次痛苦手術，當時他已高齡72歲。這般重大手術對多數人來說都是元氣大傷，何況年屆七旬如他。術後雖撿回一命，但傷口組織壞死導致他腹部肌肉不足，再也無法站立，從此只能藉由輪椅代步。

與病魔角力獲得險勝的馬諦斯，血液裡依舊流淌著藝術創作的豐沛因子，無法站立揮灑顏料，那就躺在床上或坐在輪椅上繪製小型作品。即使在生命的最後兩年，受盡病痛折磨，虛弱到只能長期臥床，他也未曾停止。

術後受限於生理條件，馬諦斯只能改變工作形式，轉向從事剪貼藝術，剪刀和色紙成為他此時最親近的工具和媒材。

他使用剪刀將彩色紙張剪成各種形狀和尺寸，接著組合出生動活潑的各式構圖，可說是一種嶄新藝術媒介。但從某種程度上來說，也是他長期探索線條、形式和色彩完美平衡的最終產物。

剪紙作品的創作過程被他稱為〝以剪刀繪畫〞和〝直接裁剪色彩〞，也符合其〝簡化形式〞與〝平面裝飾性〞的重要藝術特質。意即透過非傳統的工具→剪刀，將顏料和紙張轉變成一個由植物，動物，人物和各類形狀組成的花花世界。

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馬諦斯如何進行剪紙作品？老先生已經疾病纏身且行動不便，工作室助理當然得扮演重要角色。

首先，助理使用水粉顏料（gouache）在紙上著色。

馬諦斯從巴黎和尼斯購買了多色顏料，助理會從大捲紙筒裁剪紙張，將水粉顏料塗在紙上等待乾燥。近看這些剪貼作品會發現，有些紙張上的顏料塗抹得較稠密，有些筆觸則較為明顯。

然後，馬蒂斯會將各樣色紙放在地板，剪下形狀，再將它們排列成構圖。

如果是尺寸較小的作品，藝術家會直接使用圖釘在板子上排列。若是尺幅較大，他會指示助理將紙片釘在工作室的牆上。整個構圖確定之後，再由專業人員永久固定。裁剪時多數使用大剪刀進行，不過仔細檢查作品中大小不同的紙片，便能發現他肯定使用了各種尺寸的剪刀。

彩色紙片可能是用別針或圖釘固定。尤其製作大型作品時，助理會按照藝術家的指示，將切割好的紙片釘在牆上，進行多次拆卸調整。有些圖形邊緣的針孔便記錄了這些在創作過程中，被重新定位和安裝的痕跡。

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追溯起來，馬諦斯的剪紙藝術並非到晚年才突然從天而降，依照他自己的說法，多年前便已開始默默發展→暗自留一手才能嚇嚇〝好朋友〞畢卡索啊~

早在史特拉汶斯基（Igor Stravinsky，1882-1971）為俄羅斯芭蕾舞團（Ballets Russes）所作舞碼《夜鶯之歌》（Le Chant du Rossignol，1920年首演）中，他就以剪紙設計了舞台布景。

接著1930年代初期，馬諦斯接受重要的美國贊助者阿爾伯特，巴恩斯博士（Albert Barnes，1872-1951）委託，為其大宅製作壁畫《舞蹈》（Dance）→靈感源自1910年為俄羅斯慈善家兼收藏家謝爾蓋･舒金（Sergei Shchukin，1854-1936）所繪製的《舞蹈》（Dance）。

《舞蹈》壁畫突出女性身影在抽象幾何背景下，簡潔純粹卻極具動感的特質。再者馬諦斯選擇壁畫也是為了突顯作品紀念性意義。此般畫作結合建築物的形式，讓他朝向實現夢想邁出了一大步，後來1948-51年的汶斯小教堂（Chapel of the Rosary）室內裝飾設計則為其圓夢之作。

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身為現代藝術領頭人物，馬蒂斯的創造力源源不絕，剪貼藝術曾擴展到書籍插圖領域，比如1947年出版的《爵士樂》（Jazz）小書。書中共包含20幅作品，主題以馬戲團和戲劇為主，命名為《爵士樂》的原因很可能是來自這本小書高度實驗性的即興創作特質。

繼反應熱烈的《爵士樂》之後，馬諦斯剪紙藝術越臻成熟並穩步增長，終究創造出大如壁畫之作，例如1946年的《天空的大洋洲》和《海洋的大洋洲》是他最初大型剪紙作品。畫面中布滿各式魚類和海洋植物，很可能反映了藝術家進行手術之前，仍能自由活動時，前往大溪地的旅遊經驗。靜觀畫面時，似乎自己也會跟著一頭栽進大溪地明媚風光，怡然優游於大洋洲的碧海晴空之中。

《有面具的大型裝飾》（Large Decoration with Masks，1953）則為所有剪紙作品中，尺寸規模最大型者。這幅作品最初被認為是用來研究陶瓷壁畫之用，大器壯觀，結構對稱，具備建築物的規模比例。兩側柱子將每4列一組的花結包圍，在近10公尺的廣闊區域上形成了網格狀。

《有面具的大型裝飾》看來雖是相對靜態，但透過生動色彩分布增添大量活潑動勢感。明亮蓬勃色調與白色背景相映襯，流溢於整個表面，使得觀者雙眼在充滿平靜有序和動態能量的對比效果中來回移動，進而感受高度感官歡愉。

這，也是馬諦斯一生創作宗旨：既活潑又和諧，豐富多彩且牽引人心的表現形式。

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先不管民俗傳統，剪紙在藝術創作上是一種新媒材，至少在西方藝術史中，尚無人如此應用。這些追求色彩與形式高度平衡的藝術表現形式，已經不再是單純繪畫，而是種直覺雕塑。

老先生曾說，剪紙藝術讓他在作品中尋得自我，與作品融合成一體，就像裁出一隻小鸚鵡時，自己隨之變成小鸚鵡般。這也是最索性乾脆的自我表達方式。當他過濾了複雜外在，裁出物體的純粹本質時，即創造出前所未有的平衡和精確性。

即使承受肉體衰敗老去，依舊無所畏懼，創作不輟，徹底實踐現代藝術多元開放特質。馬諦斯在晚年藉著剪紙實踐了終生藝術關鍵思想與邏輯，因為造型極為單純，更加磨練他的裝飾才能，同時實踐〝以最簡約造型激發人類最豐沛情感〞的主張；尤其絢麗色彩效果，對年輕藝術家具有重要啟發與意義。

欣賞這些看似童趣，實則融匯大師藝術思路的精彩作品，再對照他當時的健康狀況和工作方式，你真的不得不由衷佩服，更深切感動於藝術之美好。

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下回若有機會見到剪紙作品本倫，尤其是大型作品時，不妨仔細觀察，找找色紙上的顏料筆觸和邊緣針孔。然後還可以想像一下自己萬般榮幸地充當大師助手，被吆喝來吆喝去，在牆面上上下下整個很忙碌的畫面…

圖片來源 : Junie Wang & 網路
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