【巴黎記藝】德拉克洛瓦「聖天使禮拜堂」

浪漫主義大師-德拉克洛瓦（Eugène Delacroix，1798-1863）以奔放構圖、燦爛色彩和大膽手法開啟歐洲藝術史上新氣象，不僅被寫實主義代表人物庫爾貝（Gustave Courbet，1819-1877）所尊敬，更影響許多後輩，例如印象派眾人，如莫內（Claude Monet，1840-1926）、竇加（Edgar Degas，1834 ~ 1917），或是後印象派塞尚（Paul Cézanne，1839-1906）、梵谷（Vincent Willem van Gogh，1853-1890），野獸派馬諦斯（Henri Matisse，1869-1954）等人。

1832年1月，德拉克洛瓦跟著法國外交史團到訪摩洛哥，北非穆斯林文化的特殊風情讓他的創作有了更開闊的面貌。

約莫半年後回到巴黎，繼續創作大型畫作參加沙龍展的同時，德拉克洛瓦又陸續承接多件龐大壁畫委託案，單純沙龍畫家的角色自此開始轉變。從四方畫布轉向巨幅牆面，這些大型畫作成為他後半生創作重點，佔據他多數時間。

如今在巴黎多處地方皆可見到他的作品，例如波旁宮（現國家議會）、盧森堡皇宮圖書館、羅浮宮阿波羅廳天頂、聖修爾皮斯大教堂聖天使禮拜堂…等等，都是德拉克洛瓦曾經揮灑才華之處。

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左岸聖修爾比斯教堂（Saint-Sulpice）算得上是巴黎最大型的教堂，不同於西堤島上人氣王-聖母院為哥德式建築，這兒則是厚重結實羅馬式，教堂內的《聖天使禮拜堂》（Chapel of the Holy Angels）壁畫便是大師手筆。

聖天使禮拜堂壁畫的鉛筆和墨水畫草稿約於1849-1850年間進行，期間因為德拉克洛瓦被羅浮宮阿波羅廳天頂壁畫等其他委託案牽絆，不得不一再延宕，導致實際作業於1854年才開始動工。

但是不同於新古典畫派的大衛（Jacques-Louis David，1748-1825）、安格爾（Jean Auguste Dominique Ingres，1780-1867），或是比利時魯本斯（Peter Paul Rubens， 1577-1640）等大畫家門下有眾多子弟各司其職，德拉克洛瓦幾乎事必躬親，只讓學生協助構圖，其他工作則是自己一手包辦。這麼做的優點是可讓作品整體看來和諧統一，不過德拉克洛瓦本人卻是累慘了。

何況他老人家自從1841年之後健康情形每況愈下，拖著逐漸孱弱的身軀，加上教堂潮濕的環境，都增加了壁畫施作的難度，以至於《聖天使禮拜堂》一直到1861年才正式落成。

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大師嘔心瀝血之作，聖天使禮拜堂壁畫共有三幅，都是以聖經故事為主題。

左右兩側壁畫主題分別是《雅克布與天使搏鬥》（La Lutte de Jacob ）、《荷利奧杜爾被趕出聖殿》（Héliodore chassé du temple），皆由德拉克洛瓦直接在牆壁上作畫。因為曾多次調整構圖，所以實際上壁畫有好幾層，部份牆面上頭甚至有多達15層顏料。

天花板《聖米歇爾擊敗魔鬼》 （Saint Michel terrassant le démon） 則是先畫在帆布上，再行裝設於天頂。

因此要認識實則熱烈奔湧而非繾綣柔情的浪漫主義，除了要到羅浮宮瞧瞧德拉克洛瓦最著名的作品《自由引導人民》（La liberté guidant le peuple，1830），還得來趟聖修爾比斯教堂，接受聖天使禮拜堂壁畫的震撼洗禮。

坐在禮拜堂牆邊的木椅上靜靜欣賞這三幅壁畫，只能不停讚嘆大師手筆的奔放豐沛、恢弘壯麗，無論內心如何激盪卻難以言語。

何況教堂於2017年才請專人清洗過，掃去上頭已累積四十餘年的風霜塵煙，此刻正是色彩最瑰麗美絕之際。

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無怪乎連被畢卡索和馬諦斯尊為「現代藝術之父」的塞尚曾推崇〝德拉克洛瓦留下了法國最美的色彩〞，甚至有人認為〝法國藝術史如果少了德拉克洛瓦，整部近代藝術史都須重新改寫〞。

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在創作禮拜堂壁畫過程中，德拉克洛瓦在教堂附近腳程約十多分鐘處覓得寓所，作為居住和工作室使用，一直到1863年在此去世為止。這裡現在也成為「德拉克洛瓦美術館」（Musée National Eugène Delacroix），由羅浮宮管轄。

羅浮宮不愧是財力雄厚又最富規模大器的美術館，為德拉克洛瓦美術館投入資源毫不手軟，盡力維持大師當年居所風貌，悉心照護庭院花草，同時定期舉辦特展，可說是小而精，美而好。

下次再到巴黎，別忘了來左岸沿著〝德拉克洛瓦之路〞拜訪大師作品，走過他曾經每日往返步行的巷弄，想像當年他老人家投入畫面埋首顏料的模樣，好好領略浪漫派的澎湃激情與燦爛色彩如何承續古典藝術的光輝，進而揚起現代藝術的前奏。

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【野獸派太太】

畫家進行肖像畫或練習時，除非是單獨委託案，要不然看著鏡中的自己或找另一半來當麻豆都是最方便省事的方式，因此有些畫家留下為數可觀的自畫像，最著名者大概就是兩位荷蘭畫家：林布蘭（Rembrandt Harmenszoon van Rijn，1606-1669）與梵谷（Vincent Willem van Gogh，1853-1890）；再者畫家為另一半畫下的肖像畫也相當多，只是根據個人風格各有不同表現。

《戴帽子的女人》（La femme au chapeau，1905）是野獸派（Fauvism）鼻祖-馬諦斯（Henri Matisse，1869-1954）為妻子艾蜜莉（Amélie Noellie Parayre，1898-1939）繪製的半身肖像畫，於1905年秋季沙龍（Salon d'Automne）展出時，曾讓整個畫壇無比震驚並掀起革命。

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現代藝術自從19世紀中期，由庫爾貝領軍寫實主義，馬奈、莫內發展印象主義，塞尚、梵谷、高更突破更多傳統，藝術改革風潮已如野火燎原，無法收拾。因此才會在1903年出現專供前衛藝術家好好表現的秋季沙龍，好抗衡已經僵化陳舊的官方學院品味。

本是收入穩定的地方法院行政官轉行為畫家，馬諦斯自然承受家庭與經濟壓力，幸好這位硬漢以堅強意志力挺了過來。從仰慕夏丹（Jean-Baptiste-Siméon Chardin，1699-1779）、普桑（Nicolas Poussin，1594-1665）等古典大師，到接觸印象派馬奈，都讓馬諦斯不斷內化成長。只是印象派發展後期太追求眼前所見，過於自然主義，忽略了情感、想像力、結構和穩定性等等藝術創作重要特質，已經走入限地，從而陸續出現反動風潮。

馬諦斯也是印象派反動者之一。在他的創作摸索階段，最關鍵在於1899年左右，被幾位後印象派畫家給撼動了。他見識到梵谷那充滿狂熱情感的強烈用色，讓色彩成為主體而忽略對象實際外觀；在高更鼓勵下，運用紅、綠對比色系架構畫面，而不在乎是否真實反映自然；以及1904年結識點描派代表人物席涅克（Paul Signac，1863-1935），使得他嘗試利用原色分色效果，將色彩轉成裝飾化。

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1905年夏天，馬諦斯與另一位畫家好友德漢（André Derain，1880-1954）來到法國南部柯里烏爾（Collioure）度假，這時候的馬諦斯還是個窮光蛋，號稱是度假，大概只能帶上畫具享受蔚藍海岸的燦爛陽光，重點還是藝術創作。

就在南法行不久前，馬諦斯和德漢在巴黎才被幾個非洲面具原始又自由的手法給狠狠震撼，再加上梵谷濃麗色彩和高更粗獷畫風的洗禮後，柯里烏爾的美麗假期，讓兩位野獸派先驅創作魂大爆發，催生出數百件油畫、素描和雕像，為接續的秋季沙龍展奠定了基礎。

由於色彩過於濃烈奪目，表現形式極度任性自由，壓根視古典藝術優雅協調品味於無物，起初甚至被秋季沙龍展的某些委員拒絕展出→連專供新銳藝術家發揮的秋季沙龍都受不了，可見有多嚇人。

幸好馬諦斯還算靠譜，也幸好他自己就是委員可以自肥→這是我說的，在他堅持下，三人作品，包含馬諦斯、徳漢與烏拉曼克（Maurice de Vlaminck，1876-1958），得以在同一展覽空間內同時展出，這樣才能讓觀者被艷麗炫目的色彩緊緊圍繞，強烈襲擊。

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《戴帽子的女人》也在秋季沙龍展品之列，同時造成軒然大波，簡直引燃了整個巴黎。

馬諦斯太太-艾蜜莉1897年於一場婚禮上與馬諦斯相遇，隔年兩人結婚，婚後自己在Chateaudun街開了間女帽店，她曾經是馬諦斯畫作中重要麻豆，至少在1939年大畫家遇上新歡助理兼麻豆-莉迪亞･德爾克特羅斯卡婭（Lydia Delectorskaya，1910-1998）之前是如此。

《戴帽子的女人》中，那頂華麗時髦的帽子便相當符合艾蜜莉女帽店老闆的身份，很有可能就是她本倫親自製作出品，雖說只強調色彩，忽略細節，乍看像是一盤熱帶水果，但我們或許還是可以想像它原來華麗的模樣。

除了帽子，艾蜜莉還戴著講究的長手套，手上拿著一把扇子，這在當時都是時尚標配，如果馬諦斯〝認真畫〞的話，應該會是一幅賞心悅目中產階級巴黎美人肖像畫，但要是那麼按部就班，就不是馬諦斯了。

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他把艾蜜莉的五官簡化，臉蛋先以黃和綠色系簡單刷幾下，兩道彎彎的眉毛用棕褐線條隨意帶過，理當誘人的雙唇和亮麗紅髮只刷上幾筆橘紅顏料意思意思一下，過分的是，鼻子是綠色的…鼻子是綠色的…鼻子是綠色的…

艾蜜莉身上原來美麗的服飾和背景，也都只用色塊堆砌而成。用這種方式畫女人，不只觀眾無法接受，想必艾蜜莉也很想暈倒，但為了支持丈夫的畢生志業，也只能咬著棉被含淚忍受，繼續〝真愛〞下去→這也是我說的。

風波至此尚未結束，沒有最過分，只有更過分。有人問馬諦斯，艾蜜莉究竟穿了甚麼顏色的衣服？他回答：「當然是黑色啊~」→你說是不是會讓人很想翻桌？

保守派藝評家路易斯･沃克斯勒（Louis Vauxcelles，1870-1943）將馬諦斯等三人畫作與文藝復興雕塑進行比較，並於1905年10月17日在Gil Blas日報上發表評論：〝Donatello chez les fauves ...〞，意即〝（被包圍）在野獸中的多納泰羅〞，從此『野獸派』一詞被廣泛流傳。另一位支持印象主義和象徵主義的藝評家卡米爾･莫克萊（Camille Mauclair，1872-1945）則說這些作品像是〝拿一桶油漆潑向眾人〞。

然而藝評家再毒舌，也無法抑制勢必爆發的新浪潮。

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《戴帽子的女人》標誌馬諦斯朝向更具表現力的風格變化，堪稱是他個人和藝術史上的一大步。

鮮豔顏色、不拘又鬆散的筆觸和〝未完成〞的粗糙質感，加上生動、非自然色彩被使用於所有物體，造成極大視覺震撼，並真切傳達出藝術家的情感特質。另外以不同色塊架構圖形的方式，透露他遵循偶像塞尚〝畫出真實所見，而非他人教你看見〞的原則，如此大膽用色和豪放筆觸更揭示現代藝術對於色彩的定義，以及由塞尚所開啟的現代簡約風潮。

現代藝術因為馬諦斯對於形式與色彩的前衛研究，以及推波裝飾藝術風潮的形成，又再度往前邁進。

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不過畫家終究要混口飯吃求生存，這麼大膽可怕的畫作賣得掉嗎？

還真的有人買，而且是畫展後沒多久，不用等到畫家本倫拜見上帝後。有對來自美國，定居巴黎的藏家-史坦兄妹，李歐･史坦（Leo Stein，1872 -1947)和葛楚･史坦（Gertrude Stein，1874-1946年）以500法郎買下《戴帽子的女人》。討價還價過程難免，最終還是藝術家獲得勝利，多賺了100法郎。

這對於手頭仍舊拮据的馬諦斯來說確實是很大鼓舞，即使並不是因為買主們喜歡這幅畫，應該是兄妹倆支持現代藝術的成分居多。據說，李歐曾表示這是他見過塗得最胡鬧糟糕的一坨顏料…

另外也有說法指出，史坦兄妹的大嫂莎拉･史坦（Sarah Stein）才是最初購買者。

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因為艾蜜莉頭上那頂帽子太像是一座塞滿了水果、鮮花和鳥類的熱帶叢林，讓某位舊金山藝評家於1928年提出此畫該重新命名為《風景》（Landscape）→那個…藝評家可以不要再來亂了嗎？

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有機會拜訪舊金山市區的現代藝術美術館（SFMOMA），千萬要來跟熱帶叢林〝野獸派太太〞打聲招呼，順便想像一下她一百多年前現身時，嚇壞眾多巴黎倫的風光模樣。野獸派太太身具鎮館之寶地位，通常會在二樓展間入口或顯眼處好整以暇地等著招呼大家。

然後還可以到一樓附設餐廳，由舊金山米其林三星餐廳Benu名廚Corey Lee所開設的In Situ用餐。In Situ菜單基於〝廚房博物館〞理念而設計，主要提供世界各地名廚最經典菜色，等於不用飛遍全球便能享用到眾多名菜。氣氛輕鬆愉快，酒單也很有可看性，這大概是你在西岸美術館裡所能享受到最可口有趣的滋味。

那天一定喝醉了，所有菜色幾乎都點過一輪，結果照片竟然已消失…（自己面壁

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【塞尚老爹】

塞尚（Paul Cézanne，1839-1906）應該是印象派與後印派畫家中，少數幾位不須掙扎求生，屢受困頓折磨，而可以專心從事創作的幸運兒之一。

有了龐大遺產照拂，這位跟他老爸路易．奧古斯都．塞尚（Louis Auguste Cézanne，1798–1886）一樣頑固的偉大藝術家才可以躲在南法鄉間，專注研究嶄新藝術理論，並盡情任性地創作，無論是那些蘋果、橘子和花瓶，普羅旺斯田野、聖維多瓦山（Mont Sainte-Victoire ），或是人物。

但他的畫家生涯也不是一開始就如此順利。

作為成功的帽商和銀行家之子，塞尚自然受到完善教育，這些良好的古典教育內涵，從塞尚早期作品便可知。但同時他也背負著父親重大的期望，無論是接管家族事業或成為律師都可以，就是不能當畫家。依照塞尚老爹的說法：「兒子啊，想想你的未來吧！人會因天分而死，卻需要靠錢吃飯」。（Think of the future. One dies with genius, but one eats with money.”）

於是乎，父子倆之間長達數十年的拔河戰便從此展開。

幸好塞尚有個全力支持他的好媽媽，在她老人家居中斡旋下，老爹終於心不甘情不願的讓兒子在1861年從南法遠赴巴黎學習藝術。當時塞尚的童年好友-自然主義作家左拉（Émile Zola，1840-1902）已逐漸在巴黎文壇受到矚目，並且大力支持塞尚的繪畫事業。

在巴黎學習與從事創作這段期間，老爹原本每個月支援塞尚125塊錢法郎生活津貼，但在發現塞尚已經有了情婦菲凱（Marie-Hortense Fiquet，1850-1922）和一個私生子後，毅然將塞尚生活費硬生生砍了對半。窮於應付房租和顏料、畫布費用的塞尚只好找上好友左拉借錢，好應付母子倆生活開銷。

喔對了，這位原本是塞尚麻豆的菲凱小姐在1886年春天嫁給塞尚，她也一直是塞尚人物畫中重要的麻豆。塞尚總共為她畫了27幅肖像畫。

幸好依舊是靠好媽媽勸說，老爹後來又恢復了塞尚的生活費用。最終老爹去世時，留給塞尚一大筆遺產，足夠讓他無慮過完下半輩子了。父子倆多年來為了彼此理念不同互相拉扯的長期戰爭，也在斯人已逝，和塞尚感受並肯定父親白手起家累積大量資產的能力下，終於逐漸消弭。據說，塞尚老爹其實早已接受兒子的任性，即使再無奈。

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《藝術家的父親讀〝事件報〞》（The Artist's Father, Reading "L'Événement"，1866）是塞尚早年〝黑暗時期〞作品。這時候的塞尚正在巴黎面對一連串打擊。好不容易到巴黎來學畫，結果從1864-1869年連續五年都被官方沙龍展拒絕，加上無法適應巴黎生活，對一個年輕畫家來說，確實是相當大的考驗。

這段時間他還在摸索、探求，德拉克洛瓦（Eugène Delacroix，1798-1863）的浪漫和馬奈（Édouard Manet，1832-1883）的現代性，都深深吸引著他；同時在1866-67年之間，他也受到庫爾貝（Gustave Courbet，1819-1877）啟發，不用畫筆，而是直接用調色刀作畫。

這般深沉色調和厚重油彩中，展現出強烈、粗獷，表現性強烈的風格，被英國藝術家戈溫（Lawrence Gowing）形容為〝現代表現主義之創始〞（the invention of modern expressionism）。

塞尚以充滿尊敬感的距離畫出父親肖像，也藉此畫探索父子倆的情感關係。粗獷筆觸、厚塗肌理造就畫面張力，巨幅畫幅尺寸（198公分高），擴大庫爾貝的調色刀技術效果，讓畫作看起來如雕刻般立體。光看身影就知道很頑固的老爹、他身上的衣著、報紙、椅子和整個房間都被結實有力的顏料覆蓋。

這樣獨特的技法表現可以解釋成塞尚在創作與精神上的獨立追求。他棄絕父親希望他從事的法律工作，一心一意追求藝術志業。對於印象派一味追求光影又始終覺得不自在，他認為物體的質量感才是繪畫重點，而這種質量感需要靠色塊堆疊而成。《藝術家的父親讀〝事件報〞》便同時顯露他這兩項主張。

畫面裡，塞尚讓父親坐在椅子一側，從傳統透視法來看，不僅椅子歪了，地板也歪了，尤其是看來粗壯沉重的雙腿對比椅腳的小巧精緻，讓老爹似乎從畫面中浮現出來，這樣就創造了〝浮雕〞效果。這些都是塞尚增加實體效果的方式。

後方牆壁上掛著塞尚剛完成的標誌性主題之一-《水果靜物畫》。他也是首位將水果當成水果畫，研究其體積、形式、色彩和作用，卻不再賦予其宗教或道德訓示意義者。比如古典繪畫裡的蘋果通常暗喻亞當與夏娃偷嚐禁果的〝原罪〞；橘子在法蘭德斯繪畫象徵贖罪，有時也被用來取代蘋果；葡萄則代表耶穌基督，因此葡萄酒又被拿來表示耶穌之血…等等。

至於保守老爹手上拿的〝事件報〞（L'Événement）是他老人家每天必讀報紙嗎？其實不是，這份極為激進左派的刊物暗喻著畫家童年至交左拉。

左拉在塞尚的繪畫之路上一開始便扮演支持和護衛的角色，並於1866年起在〝事件報〞撰寫藝評，為印象派畫家如馬奈等人發聲。可惜兩人交情隨著左拉於1886年出版小說《傑作》（法文L’œuvre，The Masterpiece），影射塞尚、莫內和馬奈等人為失敗畫家，被視為以塞尚為原型的主角甚至最終潦倒後自裁身亡，多年情誼千絲萬縷從此斷絕。

另外畫家故意讓保守銀行家老爹閱讀左派報紙，畫出實際上不可能發生的狀況，也被解釋成是違抗父親意志的一種叛逆與小小報復。

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親情的形式有很多種，或許古板老爹和倔強兒子之間一向難以完滿收場，但血濃於水的聯繫終究無法抵滅，否則塞尚也不會以如此大的尺幅畫下父親肖像了。何況繼承遺產後，塞尚更體認到了父親的能耐與智慧。

不知道這位開創現代藝術之先，引動立體派與野獸派開創及發展，被畢卡索和馬蒂斯無限尊崇的大師，後來再想起那保守、固執卻還是給予他庇蔭的老爹時，會不會後悔當初沒多給他一個擁抱？

＃塞尚與老爹
＃祝福天下所有父親與子女
＃不要再任性了快給老爹一個抱抱

圖片來源 : 網路

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