【 #《刻在你心底的名字》短評 - 有些人想要的愛很簡單，卻偏偏愛得這麼卑微 】

「世界越混亂，我越想留下的，是和你在一起的簡單」
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今天要談的電影，是最近話題度很高、Netflix也能看、在金馬獎屢獲提名的愛情電影《刻在你心底的名字》。明明同志電影算是小眾題材，偏偏卻打動了無數觀影者。沒有過分煽情地美化一段關係，連主題曲都在接近電影中後段才出現兩次，正如不是所有同性關係都如坊間的純愛BL漫般美好。在那個思想還有點傳統的80年代，這種特殊的愛總是愛得很難、很卑微，偏偏戀人們想要的卻最簡單，那種兩個人擠在一個被窩吃宵夜的畫面，看得觀眾心裡一甜，同時也看得很心痛。如果「我們」的愛沒有不同，憑甚麼要愛得這麼小心翼翼？
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「小心翼翼的原因不是不夠勇敢，是怕一不小心，讓你與世界為敵」

在1987年，台灣剛解嚴不夠，世界看似開放但又從未改變。在那個年代，同性戀是罪，所謂的罪，不只在人們眼中是罪惡的，還是一種一旦見光，會被認為是病，被暴打一通、拉去接受治療、鎖進牢房的罪。電影中兩位主角「阿漢」和「Birdy」在包廂接吻，不小心被店員偷窺到，就立即被提醒「不要在這裡鬧事哦」、「這裡不是那種地方」。阿漢曾質問過神父「你喜歡女生可以，我喜歡男生不行？你有多愛一點，我有少愛一點嗎？」。同等分量的愛、兩個人希望可以陪在身邊的愛，電影殘忍粗暴地用劇情告訴你，在那個年代，不行就是不行，那怕你再小心翼翼，不管你一再卑微地請求。
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「我敢說出我喜歡誰？你敢嗎？」

電影中兩位主角有着鮮明的分別，「Birdy」在別人眼中完完全全就是個瘋子，叛逆又不按常理出牌，敢於為不公平的事出頭，會半夜違反校規外出，只為帶個宵夜，被教官打還歇斯底里地笑（好在長得帥氣，才沒有被當成變態...）；「阿漢」相比起來溫吞得多，總是拉住Birdy不讓他惹禍，一直在背後默默關心守候。
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本以為Birdy是先坦露愛意的一方，結果卻是阿漢勇敢地在家人面前說出自己喜歡的人是誰，對Birdy緊跟不捨。相反Birdy卻不斷退縮，先是找了個學妹談戀愛，讓共享耳機、騎車翹課這些專屬於兩人的默契，粗暴地被第三者佔據；再來不斷暗示阿漢，希望他能交個女友，帶他偷氣球，讓阿漢以為兩人關係回到從前，再把氣球送給學妹，只求讓他死心。阿漢也是不能理解，一度誤會說Birdy其實對很多人都這樣吧？我並不是特殊的一個。「如果你給我的，跟你給別人的是一樣的，那我就不要了。」愛情中，需要的不只是愛，還要是偏愛。
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Birdy不愛阿漢嗎？還是他不夠勇敢？電影鋪排其實早就給出暗示，Birdy是個瘋子，他根本不在乎別人怎麼看他，但唯獨在乎世界怎樣對待阿漢。在阿漢的朋友捉著Birdy喊他同性戀，叫他離阿漢遠點。Birdy首次對這個世界屈服了，原來有些事情不是你反抗就能改變。他的人生已經夠亂了，但阿漢不是，不能讓阿漢趟這攤渾水，所以他刻意把阿漢推開，怕一不小心越界了，會讓愛人與世界為敵。這麼粗暴的拒絕，在中段一直看得觀眾牙癢癢的，以為Birdy突然就不愛了，製造一堆曖昧原來不愛阿漢。到片尾真相大白時才明白，回想起Birdy在淋浴間的那句「對不起」，阿漢突然的肢體接觸卻沒有惹他生氣，反而難受地道歉了，說到底，其實Birdy也一直壓抑着對阿漢的愛。一直以來最痛的，可能是Birdy吧。
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「一直有這麼一個位置空著，留給那個刻在你心底的名字 」

最後兩人來了趟沒有目的的出走，一直走到沒有人的海邊，脫去上衣游泳，彷彿世界只剩他們兩個人。唯有在一個沒有人的地方，兩人無處安放的感情，才再度有了喘息的空間。之後Birdy就以聯考為由，再沒有跟阿漢聯絡。最後一次通話，嘎然停止在一個下雨天，Birdy主動留言給阿漢，阿漢焦急地撥回去，兩人閒話家常，彷彿又回到從前。可能是心知這會是二人感情的終點站，阿漢就給Birdy播了一首歌，就是全片首次出現主題曲的時候：
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「既然決定愛上一次就一輩子
希望讓這世界靜止
想念才不會變得奢侈
如果有下次 我會再愛一次」
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有些愛到最後都沒有結果，但我還是會繼續愛你一輩子，你來不來，我都願意等。如果可以，我就希望讓世界靜止在這通電話，能夠一直跟你聊下去。然後兩人的情緒就缺堤了，哭得一直沒有說話，觀眾就跟他們一樣，就這麼靜靜地聽著這首歌，然後忍不住落淚。為甚麼喜歡一個人是罪呢？想簡簡單單陪在一個人身邊的願望，和平常人的愛情沒有分別吧？偏偏卻愛得這麼難，卑微得像螻蟻。願這世界能真心接納所有的愛，也願所有的愛不會因丁點的特別，而有甚麼不同。
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P.S. 最後有一點想說的，就是電影最後交代了30年後兩人的故事。編輯看了不少網民評價，都認為這部分有點多餘，讓故事少了點遺憾美。不過編輯覺得導演這個安排也有其用意，彷彿是在婉轉地告訴我們，時代還是會變的，當年不容許的感情，說不定那天就可以侃侃而談，也寄語我們不要對愛情失去信仰。最後也稍稍致敬了《春光乍泄》的瀑布橋段，對編輯這樣的老電影愛好者，算是非常完滿了，甚至看完了還有點意猶未盡，推薦給所有相信愛情的人。
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#無時間睇戲住都建議去聽首歌 #啲歌詞寫得好好 #有些愛情 #既然決定愛上一次就一輩子 #情侶 #愛 #愛情 #語錄 #拍拖 #香港 #電影 #影評 #台灣 #刻在你心底的名字 #陳昊森 #曾敬驊 #netflix
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獲獎之後，來談談《#寄生上流》的二三事

首先先放上幾張劇照，在這幾幕當中，可以看到奉俊昊的構圖有多別具匠心。他用許多實體的「線」，去區隔出上流的朴家庭，以及貧寒的金家庭。恰巧這也對應到片中不斷提到的「越界」（crossing the line）概念，透過實體的「界線」去隱喻階級的「界線」，實在厲害。

必須再度恭喜《寄生上流》刷新好萊塢歷史，成為首部奪得奧斯卡最佳影片的非英語電影。在頒獎典禮過後，該片的美國票房順勢大漲 213％，在英國上映也開出佳績，打破了外語片首日票房紀錄。

除了電影本身製作精良且雅俗共賞、傳遞的主題意旨深入淺出、且導演奉俊昊本身的獨特魅力成功擄獲大眾之外，一部國際電影要在北美打出佳績，並將好口碑從五月坎城一直延續到隔年二月，這過程中北美發行商 NEON 確實功不可沒。我們必須給這間年僅三歲的發行公司拍拍手，他們的行銷策略想必在未來會是眾家爭相模仿的對象。

而奉導此次獎季隨行的口譯小姐 Sharon Choi，則被封為本屆奧斯卡的「地下主持人」，因為她在台上說的話加起來恐怕比何人都還多。她在整個獎季中為奉俊昊逐步翻譯訪談和得獎致詞，從容不迫而又字句精準，意外成為國外媒體的焦點，甚至在 Twitter 上已經有粉絲自製相關迷妹影片蔚為風潮。在一次媒體聯訪中，奉俊昊透露 Sharon 本身是一名電影系畢業的年輕導演，目前已在撰寫長片劇本，也許在不久的將來我們就可以看到她的作品（根據 The Wrap 記者透露，這部片可能就是圍繞在奧斯卡獎季的故事）。

而隨著這一波「韓流」，奉俊昊過去的作品和相關訪談也被影迷大量討論，其中包含一段有趣的小插曲。惡名昭彰、性侵官司纏身的好萊塢製片大亨哈維溫斯坦（Harvey Weinstein）在 2012 年與奉俊昊有一段往事，現在回顧來看格外覺得溫馨。

奉俊昊在當年首次採用好萊塢明星，並以英語發音的作品《末日列車》，北美發行權正是由溫斯坦公司買下。根據報導，溫斯坦極力想要刪剪至少 25 分鐘的對白，以納入更多動作場面。然而，奉俊昊堅持要保有最終的創作權，說什麼也不刪減。奉俊昊事後表示：「我的電影始終只會有『導演版』，所有的剪輯都必須是出於我自己的創作理念」。

溫斯坦當初想要刪減的其中一段是有關「殺魚」的一幕，溫斯坦說：「為什麼要有魚？我們需要更多打鬥！」。奉俊昊只好向溫斯坦使出溫情攻勢，並表示他的父親生前是一名漁夫，因此希望保留這一幕向他致意。溫斯坦只好摸摸鼻子打消念頭：「你應該早點說的呀！家人最重要了，你就保留這一幕吧！」

事過境遷，奉俊昊笑著跟媒體說：「那是一條他媽的謊言，我父親根本就不是漁夫！」（It was a fucking lie. My father was not a fisherman.）

#無法不愛奉俊昊
#NoChoiceButToStan

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趁機再放一下我的影評蹭個熱度：

影評｜《寄生上流》Parasite：如夢幻泡影的階級革命
https://danslecinema.tw/2019/06/parasite/

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補充：『#黑白版』《寄生上流》確定要來台灣了！
02.27(四)-03.11(三)　全台限定上映１４天
詳請見： CATCHPLAY , CATCHPLAY CLASSICS

第92屆奧斯卡頒獎典禮於2月9日(當地時間)在美國洛杉磯杜比劇院舉行。 《寄生蟲》入圍了最佳影片獎、導演獎、劇本獎、美術獎、剪輯獎、國際電影獎(原最佳外語片獎)等六個部門的提名名單。

最終橫掃奧斯卡，獲最佳影片等四項大獎：最佳影片、最佳導演、最佳原創劇本和最佳國際影片。

電影裡，窮人一家和富人一家，互為鏡像。同樣是夫妻，一子一女，卻一個在上流世界，一個在最底層的世界。另一組鏡像是，富人住在地上，窮人住在地下；富人生活在天堂裡，窮人掙扎在地獄裡……奉俊昊在電影中進行平行剪輯，使兩個空間發生的事件互相交織。

這種鏡像只看到了差別，而非本質上的相同。聖經中以上帝視角所展現的人的鏡像，首先需要從人有上帝的形象入手，不論你是窮人或富人，在本質上都是有著上帝的形象，而不是在本質上有差異的不同物種。

電影裡，用一些核心詞來詮釋“寄生”，那就是自我為中心建構的“界限”......當人只出於個人好惡，以自我為中心建立界限時，界限就成了一種災難和人與人之間無法逾越的鴻溝。#小七 #寄生蟲 #界線 #貧富差異
http://ocfuyin.org/oc2019081903

*你對這座城市沒有感情，我卻愛它——電影《寄生蟲》
文/小七


5月30日在韓國上映的影片《寄生蟲》，榮獲第72屆戛納電影節最高獎“金棕櫚”大獎，這也是韓國電影首次拿下金棕櫚大獎。

《寄生蟲》剛開播時即在豆瓣獲9.3分，IMDB8.6分的驚人高分。對於導演奉俊昊，他首先被大眾熟知的是2003年執導的電影《殺人回憶》，影評人木二衛曾如此評價：“個體命運的悲劇和動盪不安的時局完整結合在一起……當最後所有矛頭都指向一個人時，希望又瞬間破滅，沮喪之至。” 當然，奉俊昊在社會階級問題的這一母題的延續性上，最直接的應該是他的前作《雪國列車》 。

而《寄生蟲》所要表達的，是在個人與社會整體間做出更深層面的寓言式的探討。


符號下的互為鏡像

《寄生蟲》講述了兩個身份地位懸殊的家庭的故事：宋康昊飾演的無業遊民父親基澤，讓寄託了家人生計希望的大兒子前往IT公司老總樸社長家應聘課外教師。陰差陽錯之間，低到塵埃的貧窮的一家4口，與高出天際的有錢的一家4口，發生了交集……

這部電影最初不叫《寄生蟲》，而叫《謄印》。什麼是謄印？按著字面意思，是指一種複制的圖印。奉俊昊曾在採訪中提到這來源於一個叫“謄印法”（decalmamia，超現實主義技法之一）的藝術概念，為的是追求意外的趣味，進行意象的暗示性，是一種象徵與暗示，是符號。所以，理解這部電影，並不只是從人物本身理解，而是一種群體的鏡像，是個體的寓言。

很多人詬病電影劇情發展不合邏輯，例如富人的智商集體不在線，等等，其實並沒有註意到導演背後的意圖。在某種意義上講，越是扁平的人物，越具有代表性，才更大地凸顯了矛盾、差距以及諷刺。

電影裡，窮人一家和富人一家，互為鏡像。同樣是夫妻，一子一女，卻一個在上流世界，一個在最底層的世界。另一組鏡像是，富人住在地上，窮人住在地下；富人生活在天堂裡，窮人掙扎在地獄裡……奉俊昊在電影中進行平行剪輯，使兩個空間發生的事件互相交織。

這種鏡像只看到了差別，而非本質上的相同。聖經中以上帝視角所展現的人的鏡像，首先需要從人有上帝的形象入手，不論你是窮人或富人，在本質上都是有著上帝的形象，而不是在本質上有差異的不同物種。


不可逾越的界限

電影裡，用一些核心詞來詮釋“寄生”，那就是自我為中心建構的“界限”。出於愛而設置的界限是一種保護，如馬路上的斑馬線、紅綠燈；人和上帝之間有絕對不可僭越的界限；父母告訴孩子不能靠近火是出於愛而設的界限。而不恰當的越界，可以理解為寄生。例如啃老的年輕人寄生於父母；婚內的出軌行為是把本屬於夫妻間的盟約之愛，寄生於第三者。當人只出於個人好惡，以自我為中心建立界限時，界限就成了一種災難和人與人之間無法逾越的鴻溝。

影片中，導演大量使用了“階梯”這個符號，強調頂端與底層的對比和界限。電影中，在富人和窮人之間，隔著一條陡峭階梯。階梯上面是寬闊的豪宅，下面是暗無天日的地下室，上面是天堂，下面是地獄……

導演甚至在電影的某些構圖上，借用玻璃的對角線分割強調階層的界限。例如，前保姆越過對角線拍醒富人妻子，然後再回到原來的區域。

富人爸爸也屢次提到越界。他開除年輕司機時，最恨的不是司機亂搞，而是沒有在自己的座位搞，偏偏越界到後排自己的座位上。新司機問他，應該還愛著自己的太太？富人爸爸表現的是一種面對越界的憤怒：我可以和你表面客氣、禮貌，但我們不是朋友，你是被剝削的階級。

導演在可看到的越界的基礎上，選擇了畫面上看不到的，卻深入骨髓的“氣味”來表達越界。電影中氣味是非常重要的誘因，承載了下層人對自我身份深深的自卑感。它帶有天然的貶低色彩，讓你想到貧窮、困窘、底層和不干淨。

它就像局限在某種界限下的烙印，如一個人的思維模式、生活習慣等。你能洗掉衣服的汗味，卻洗不掉已經融入血液的地下室的氣味。電影中底層的一家人，雖然改造並包裝了自己的身份和形象，但一場暴雨就能將他們打回原型。階級差異才是如影隨形的屈辱印記。


誰是寄生蟲？

隨處可尋的界限下，誰才是真正的寄生蟲？富人？窮人？

導演的用意並非只是簡單的仇富，因為所選富人的角色並不是韓國財閥家族，而是辛苦打拼的IT人，導演在此拋出一個新命題——究竟是誰病了？

電影中的富人以為，他們的寬容和大度，是對窮人的恩賜。在其背後，是發自內心的對窮人的鄙夷，而窮人早就看透了這種偽善；電影中窮人可憐巴巴的背後，是市儈、奸滑和算計。他們找到各種藉口，為自己不道德的行為開脫，比如，如果我有這些錢的話，我也會很善良；錢就是熨斗，能把一些褶皺都燙平了……

但是，電影最後仇殺衝突的開始，並非是窮人和富人，而是發生在兩個窮人家庭之間。除了窮人和富人之間的互害，還有窮人與窮人之間的互害。他們成為彼此眼中的寄生蟲，彼此厭棄，最終化為血雨腥風。

電影中，有一個令人髮指的細節。富人全家一直認為掛在牆上的是小孩子畫的自畫像，但畫中卻是孩子所畫住在“底層世界”的鬼、寄生蟲。它與全家福放在一起。導演藉此傳達一個核心思想：兩個世界“互為寄生蟲”。底層與上層世界，在本質上毫無差別。

誰才是真正的“寄生蟲”？其實，真正的寄生蟲，是人的惡。這惡正如電影中的地下迷宮，自帶轉角，永無盡頭。這種惡共同存在於富人和窮人身上，但有不同的表達。富人強調守住特權和界限，窮人想越過界限，拼命往上攀爬，就連電影最後，兒子幻想買房子釋放父親，象徵階層的擁抱，象徵希望和答案。

但是，這只能是幻想，沒有答案。人之惡，正如電影中的“石頭”，電影說它是“甩不開的石頭粘著我”，這隱喻的是人不可抑制的慾望。所有人身上或許都會產生世界末日一般的瘋狂和焦慮，但所有人都強迫自己填平自己的深淵。

奉俊昊說：“我覺得導演的工作，就是盡力去反映TA所處的時代。”電影只是一種藝術手段，它只是把個體命運和社會真相以寓言的形式，展現給觀眾。它沒有能力去解決如此尖銳的社會問題。

但現實往往比電影更讓人絕望，人生的無奈是無出路的嘆息。因為有時，固有的被惡禁錮，就再無法打開。



約拿的界限

聖經裡記載了一個“升級版”的越界的故事，就是約拿的故事。亞述帝國殺戮以色列人，上帝卻讓先知約拿向他們傳福音，對於一個如此愛國的先知，這絕對是不可跨越的界限。 “約拿卻起來逃往他施去躲避耶和華。”（參《約拿書》1:3）約拿於是選擇逃跑。

可上帝定意要成就他自己的事。他使約拿經歷了風浪，被人扔進海中，被迫在魚腹裡生活了3日。上岸的約拿，仍不太情願地走向了尼尼微城。當尼尼微人聽到福音而悔改時，聖經中描寫約拿的反應：

“這事約拿大大不悅，且甚發怒，就禱告耶和華說：'耶和華啊，我在本國的時候豈不是這樣說嗎？我知道你是有恩典、有憐憫的上帝，不輕易發怒，有豐盛的慈愛，並且後悔不降所說的災，所以我急速逃往他施去。耶和華啊，現在求你取我的命吧！因為我死了比活著還好。'耶和華說：'你這樣發怒合乎理嗎？'”（《約拿書》4:1-4）

約拿不但暴怒，還指控上帝是邪惡的，還當場求死！提摩太·凱勒在《諸神的面具》中寫道：“因為人心的本性是自以為義，所以很自然會覺得自己的文化與階層特色比別人的優越，但是這種自然的傾向，卻為福音所抑制。”





越界的憐恤


約拿的故事在這裡戛然而止。上帝在挑戰帶著階層優越性的約拿，同時也給出了最終的答案。上帝的回應是：你對這個城市沒有感情，但是我卻愛他們。

“耶和華說：'這蓖麻不是你栽種的，也不是你培養的，一夜發生，一夜幹死，你尚且愛惜；何況這尼尼微大城，其中不能分辨左手右手的有十二萬多人，並有許多牲畜，我豈能不愛惜呢？'”（《約拿書》4:10-13）

凱勒牧師在《生活中的偶像》中說：

“幾個世紀之後，有一個人說他就是那最終極的約拿(《馬太福音》12:39-41)。當耶穌基督來到世上，他離開了那至高也是最舒適的環境，為了要來服事那些不僅可能會傷害，而且必定會傷害他的人；然而為了要拯救他們,他不只向他們傳道，更為他們犧牲了性命……

約拿只是看起來好像會死在魚腹中，但耶穌卻是真正地死了，而且也復活了。這就是耶穌所說的'約拿的神蹟'(參《馬太福音》12:39)……約拿是被丟到風暴中的海裡，而耶穌則是上了十字架最終極的風暴…… ”

上帝暗示約拿，他會用一種約拿不願意的方式，去愛這個世上強大卻失落的城市。在耶穌基督的福音裡，藉著這位真正越界的“約拿”，來成就愛的委身。

世界的規則是水往低處流，人往高處走，上帝卻“道成肉身”，“越界”成為卑微的人。影片名為《寄生蟲》，或許或多或少有階級歧視的意味，但聖經中有一處記載著​：“但我是蟲，不是人，被眾人羞辱，被百姓藐視。”（《詩篇》 22:6），很明顯，這指向了受難的基督。他因著愛，賦予我們生命相同的​盼望和慰藉。​

上帝越界的憐恤，才能成為這世界的答案，也成為《寄生蟲》最終的出路和亮光。不只是寓言，而是真實的恩典。（圖片來自豆瓣電影）

艾莉絲‧孟若作品
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#孟若 #小說 #諾貝爾文學獎
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伊格言說，2013年諾貝爾文學獎得主艾莉絲‧孟若（Alice Munro）是他心目中的「最強老太太」，而〈柱和樑〉則出自她的短篇小說集《感情遊戲》。故事是這樣的：十八歲的美麗姑娘羅娜嫁給了三十歲的大學數學教授布壬登，生了兩個可愛的小孩（伊莉莎白和丹尼爾），也因此和布壬登的天才學生來諾相識。來諾原本是個數學天才，卻在畢業數年後患上精神病，不得不放棄了所有學術野心，窩在一個教會小刊物編輯部裡當編輯混口飯吃。來諾偷偷愛戀著美麗的師母羅娜，安靜、純真而絕望。他每星期偷偷寫詩給羅娜。而羅娜從不回信，但也未曾將此事告知丈夫。

比起丈夫布壬登，羅娜和來諾其實更有些soulmate的意味。或許比soulmate還更多些──當布壬登走出他們的視線，羅娜會輕聲告訴來諾：「謝謝你的詩」。然而這句話卻也堵住了兩人所有對話的可能；因為來諾實在太害羞了，只會回答「喔」。對，他真是個名副其實的句點王啊。而羅娜則有點困惑。她才二十出頭，以她的外貌，若是沒這麼早嫁人，或許能在更多情愛遊戲中游刃有餘，顛倒眾生，體會更多她未能體會的青春浪漫情事。但她畢竟已是人妻了。於是來諾成為她的出口、她心靈上的工具人。她不會對來諾出軌──她還是謹守分寸的；但那是獨屬於她自己的，一項隱密而自私的自我安慰。伊格言說：「終究，事件停滯於此，愛戀停滯於此，一切都懸浮於張力邊緣，靜止於針尖之上。」

一切混沌未明；彷彿空氣中一條透明的，懸吊的絲線，始終未曾越界繃斷。而在那許許多多次的會面中，羅娜曾向來諾提起自己童年的片段記憶。她告訴他，她唯一記得的過世母親的事，以及一齣廣播劇：

一個冬天，小女孩羅娜和母親在鎮上，人行道和街道間有雪。她才剛學會看鐘，抬頭看郵局的鐘，發現正是她和母親每天都聽的廣播劇時間。她深切關心，不是因為錯過了故事，而是因為收音機沒打開，母親和她自己沒收聽，不知道故事裡的人會怎樣了。她感到的不只是關心，而是恐懼，想到出於某種不經心的缺席或巧合，東西可能丟了、沒法發生。而即使是在那記憶裡，她母親也只是腰臀和肩膀，裹在厚外套裡。

在這個「廣播劇事件」裡，畫面寒冷灰暗，母親面目模糊，而小女孩羅娜的心思既可愛又恐怖──如果我們忘了開收音機，未曾追問廣播劇裡那些角色們的下落；那麼，那些人會往哪裡去呢？

伊格言說，容我們稍稍多想些──這段白描，其實極幽微而含蓄地隱喻了個人面對巨大命運的惶惑：冷冷的冬天，一個孤獨的人：剛學會看鐘，無能於人與他人、人與社會之關係，甚至連母親的具體形象皆無法掌握。這正是生命本身的困境。未知的恐懼無始無終。你不會知道那擺佈著你的究竟是什麼。一如羅娜與來諾──他們的愛情如此危險， 生命的不確定性就擺在他們面前，他們的雙人探戈正踩在紅線上。他們真能踏出試探的那一步嗎？
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伊格言，小說家、詩人，《聯合文學》雜誌2010年8月號封面人物。
著有《噬夢人》、《與孤寂等輕》、《你是穿入我瞳孔的光》、《拜訪糖果阿姨》、《零地點GroundZero》、《幻事錄：伊格言的現代小說經典十六講》、《甕中人》等書。

作品已譯為多國文字，並於日本白水社、韓國Alma、中國世紀文景等出版社出版。
曾獲聯合文學小說新人獎、自由時報林榮三文學獎、吳濁流文學獎長篇小說獎、華文科幻星雲獎長篇小說獎、中央社台灣十大潛力人物等；並入圍英仕曼亞洲文學獎（Man Asian Literary Prize）、歐康納國際小說獎（Frank O'Connor International Short Story Award）、台灣文學獎長篇小說金典獎、台北國際書展大獎、華語文學傳媒大獎年度小說家等獎項。
獲選《聯合文學》雜誌「20位40歲以下最受期待的華文小說家」；著作亦曾獲《聯合文學》雜誌2010年度之書、2010、2011、2013博客來網路書店華文創作百大排行榜等殊榮。
曾任德國柏林文學協會（Literarisches Colloquium Berlin）駐會作家、香港浸會大學國際作家工作坊（IWW）訪問作家、中興大學駐校作家、成功大學駐校藝術家、元智大學駐校作家等。
Readmoo專訪1：如果在YouTube，一個小說家
https://news.readmoo.com/2020/01/07/200107-interview-with-egoyan/
Readmoo專訪2：那些關於孤寂的問題，以及......
https://news.readmoo.com/2019/03/21/190321-lonelieness/
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小說是什麼？我認為，好的小說是一則猜想──像數學上「哥德巴赫的猜想」那樣的猜想。猜想什麼？猜想一則符號系統（於此，是文字符號系統）中的可能真理。這真理的解釋範圍或許很小，甚至有可能終究無法被證明（哥德爾的不完備定理早就告訴我們這件事）；但藝術求的從來便不是白紙黑字的嚴密證明，是我們閱讀此則猜想，從而無限逼近那則真理時的智性愉悅。如若一篇小說無法給我們這樣的智性，那麼，它就不會是最好的小說。
是之謂小說的智性。───伊格言