Day 3 笑什麼 你也是Sequential Art （下篇）
今天延續Day2的話題，繼續分享我及其他看過的作品。
此Post第1，2，3，4張：柳廣成（我）- Lördagsgodis
嚴格來講，這不能完全算是我個人的作品。這是我於2018年（沒記錯的話）為香港舞蹈聯盟的舞蹈表演作品繪畫的...
Day 3 笑什麼 你也是Sequential Art （下篇）
今天延續Day2的話題，繼續分享我及其他看過的作品。
此Post第1，2，3，4張：柳廣成（我）- Lördagsgodis
嚴格來講，這不能完全算是我個人的作品。這是我於2018年（沒記錯的話）為香港舞蹈聯盟的舞蹈表演作品繪畫的動畫Trailer。我自己覺得在這個影片內，較能看出我對於媒介間互相介入的思考（我其他個人動畫作品是較純粹的Cel Animation）。所以就今天的話題下，覺得分享這個《Lördagsgodis》較適合。
我與香港舞蹈聯盟共合作過四段動畫Trailer影片。其實與他們合作很好玩，因為他們不會強行把Artist Statement翻譯成千字文解釋太多，令我對作品的解讀受限；而是純粹帶我去看看那完成了6,7成的舞蹈作品的排練，我看完了，再自己回去畫。他們歡迎我提出有不明白的地方，且亦會在我製作過程中看看我有否偏離作品太遠。但整個過程很自由，也很容許我對其舞蹈作品有自己的理解及演繹，做得很開心。
看整個作品的排練時，令我記憶最深刻的地方，就是講述人的記憶可以與實際的過去相去甚遠，也是我在這次動畫內最想聚焦繪畫的地方。
史實VS記憶是這次的命題之一，我嘗試借用錄影與繪畫的性質表現兩者。
我認為，錄影是真實影像的引用；繪畫則經個人觀感過濾的影像演繹。
於是，我翻出家人為我兒時在日本錄下的影像。因為剛好我仍沒有看過那些影片，於是思索著印象中的事：「我爸從不理我們」、「我是個溫和的人」。可是，影片呈現的卻是爸爸和我們過生日的畫面、我上課與同學打架的畫面。我透過繪畫畫出印象中的事，再以真實影片的重疊，以動畫與錄像於同一幀格同步播放的方式呈現史實與記憶間的區別。
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此Post第5，6，7張：Max Hattler - Serial Parallels
建議先看完 Link：https://vimeo.com/348458715
（這段可惜只有Trailer)
說到這個Artist，城大Creative Media的學生大概不會陌生。但我這個中大Fine Arts友則是最近才看到。對我而言也是不同媒介間互相介入、參與的好例子，令我有所啓發。容我就這個作品說說我的感受：
全作9分鐘，影片源自僅僅240張相片。相片裏的影像是港九新界的不同建築，以居住樓宇為主。
此作品就影片內每個獨立場景而言，素材源自同一張相片，並把其相片以上下空間的順序裁切成多幀圖像。而其上下順序裁切相片並延伸的物理性與長條狀的膠卷呼應，就像直接用膠卷狀的框把一張相片打直框住。把相片的裁切動作與傳統影像膠卷的物理特性相互聯繫，很有趣。
而因影片幀格均來自同一張相片，透過調整裁切框的位置、大小及扭曲，賦予被裁切的相片幀格具備可重疊性，使影片播放起來貌似有停留於同一空間位置的輕微錯覺。而其含糊之處透過感受幀格之間空間透視線的漸變、外加窗戶內的格局之相異之處得以立即化解，並明確提示著其重覆性完全源自香港居住建築本身極端密集、沉悶、重覆的物理特徵。
而我有思考過，如果這個作品用Focal Length數值更大的鏡頭，從更遙距的位置攝下，可能連那透視線的漸變亦可避免。（因Focal Length愈大，攝到的影像愈趨平行透視，裁切相片任意一處的透視線均是平行，於是不存在透視線的漸變）
但那樣做的話，只會徒增每張幀格源頭的疑點（因觀者只能從觀察到的幀格判斷），且也相當程度抹殺了攝影這一媒介介入Moving Image的趣味。因作品的相片素材來自單次攝影，而非連續性攝影（幀格之間空間透視線的漸變，明確提示這一點），攝影介入Moving Image的姿態得以更明確、無含糊之處。而且，其視覺上持續性的扭曲感賦予觀者漸漸仰望的視覺感覺，很有趣。
而利用數位相機截取素材、透過軟件逐一幀格調整相片的歪斜、扭曲的方法，即使是新媒體藝術，與傳統錄影器具賽璐珞膠片的編排及編輯方式巧合地相似，像是Moving Image在不同時代意義語境下的巧遇。因作者有意地讓相片的裁切與長條狀的賽璐珞膠片相互呼應，增加了我就Moving Image上這種有點浪漫的想法。
又打太多，comment欄繼續。
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Day 3 笑什麼 你也是Sequential Art （下篇B）
今天延續Day2的話題，繼續分享我及其他看過的作品。
此Post第1張：Max Hattler - Serial Parallels
建議先看完 Link：https://vimeo.com/348458715
（這段可惜只有Trailer)
說到這個Artist，城大Creative Media的學生大概不會陌生。但我這個中大Fine Arts友則是最近才看到。對我而言也是不同媒介間互相介入、參與的好例子，令我有所啓發。容我就這個作品說說我的感受：
全作9分鐘，影片源自僅僅240張相片。相片裏的影像是港九新界的不同建築，以居住樓宇為主。
此作品就影片內每個獨立場景而言，素材源自同一張相片，並把其相片以上下空間的順序裁切成多幀圖像。而其上下順序裁切相片並延伸的物理性與長條狀的膠卷呼應，就像直接用膠卷狀的框把一張相片打直框住。把相片的裁切動作與傳統影像膠卷的物理特性相互聯繫，很有趣。
而因影片幀格均來自同一張相片，透過調整裁切框的位置、大小及扭曲，賦予被裁切的相片幀格具備可重疊性，使影片播放起來貌似有停留於同一空間位置的輕微錯覺。而其含糊之處透過感受幀格之間空間透視線的漸變、外加窗戶內的格局之相異之處得以立即化解，並明確提示著其重覆性完全源自香港居住建築本身極端密集、沉悶、重覆的物理特徵。
而我有思考過，如果這個作品用Focal Length數值更大的鏡頭，從更遙距的位置攝下，可能連那透視線的漸變亦可避免。（因Focal Length愈大，攝到的影像愈趨平行透視，裁切相片任意一處的透視線均是平行，於是不存在透視線的漸變）
但那樣做的話，只會徒增每張幀格源頭的疑點（因觀者只能從觀察到的幀格判斷），且也相當程度抹殺了攝影這一媒介介入Moving Image的趣味。因作品的相片素材來自單次攝影，而非連續性攝影（幀格之間空間透視線的漸變，明確提示這一點），攝影介入Moving Image的姿態得以更明確、無含糊之處。而且，其視覺上持續性的扭曲感賦予觀者漸漸仰望的視覺感覺，很有趣。
而利用數位相機截取素材、透過軟件逐一幀格調整相片的歪斜、扭曲的方法，即使是新媒體藝術，與傳統錄影器具賽璐珞膠片的編排及編輯方式巧合地相似，像是Moving Image在不同時代意義語境下的巧遇。因作者有意地讓相片的裁切與長條狀的賽璐珞膠片相互呼應，增加了我就Moving Image上這種有點浪漫的想法。
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此Post第2張： Hiroshi Kondo - Multiverse
建議先看完 Link：https://vimeo.com/334092219
背景知識：台灣是亞洲機車密度最高的國家，大約每1.6人就有一部。
前段影片沒有複雜的編輯，單純交代攝影地點、以及接下來將要聚焦之處：機車、台灣、馬路。
影片播放近一分鐘後，進入重點。
影片素材來自錄影。但如上述介紹過的作品 Serial Parallels 般，藝術家對不同的片段同樣作出位置的調整，使畫面的其中一輛車呈現空間上的重疊。因影片本身極端快進的TimeLapse式播放速度，畫面內的所有機車像是只出現了一幀格的瞬間，並輪流交替出現另一群機車。因其機車排列的隨機性，以相當繁複耗時的multilayering工序編輯海量的剪輯片段，把一位又一位巧合地在架駛路線、方向上完全一致的機車及架駛員持續重疊於上一幀格，並讓其重疊有輕微的位移，賦予該群被重疊的機車及架駛員共同呈現慢速移動的狀態。
由無數個無關聯的個體，無意識的共同參與，完成一段有序且連續性的動作。
錄影的素材本來就是有序的圖像。但藝術家全盤瓦解原始錄影的圖像序列邏輯（現實影像的記錄），以一群機車重組起來，賦予新的圖像序列邏輯。其實用文字論述起來，與一般電影的製作方法好像一樣：就是錄下不同的Footage，再以剪輯混合在一起。但後者不涉及瓦解原始Footage本身的圖像序列邏輯（剪頭剪尾頂多是截取，不是瓦解），且Footage接合是一段段的，前者(Multiverse)則是一幀幀的。後者利用不同Footage間的前後接合關係賦予敍述意義；前者則於同一Footage內完成，且其敍述意義源自極長Footage透過重疊方法巧妙安排的塌縮結果。
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《鳥》（2019）
導演：張吾青
片長短短五分鐘，卻是力道相當強勁的動畫作品。片名與希區考克（Alfred Hitchcock）的《鳥》（The Birds ,1963）相同並非偶然，該片同樣是呈現了人對鳥的恐懼。但鳥本身到底是否恐怖，並非導演的探討之重點，她的興趣在於揭示一個會對鳥感到恐懼的人（或稱「恐鳥症」患者）的心理狀態。因此本片選擇弱化情節，著重在角色心理層面的刻畫，而動畫顯然成了有效呈現這種恐怖的絕佳媒材，導演混合了壓克力顏料與賽璐璐片等素材，彰顯了人物內心的深層感受，成果斐然。即便忽視上述設定，光看作畫本身，也依然是一場視覺饗宴。
．
南方影展將在今年11月8日至11月17日舉辦，推薦給各位影迷朋友！詳情請見該影展粉專與官網。
#鳥
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南方影展 South Taiwan Film Festival
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