WAKANDA FOREVER！

看到一位巴西藝術家 JONINHA 分享了他所創作的「2024瓦干達奧運」設計，不禁佩服他的想像力，除了以各種瓦干達元素設計奧運會徽、聖火炬、會場、門票設計外，還依據各種漫威英雄的能力，抓到各個奧運比賽項目，包括蜘蛛人玩滑板、雷神索爾丟鉛錘（？）、快銀參加陸上競技、水行俠比游泳、浩克比摔角等等，其實根本就可以直接給他們金牌就好，也有一些很謎的對戰像是蝙蝠俠跟綠光戰警打沙灘排球，感覺蝙蝠俠應該會輸吧，然後我蠻想看美國隊長跟超人打拳擊（笑）
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這些想像畫面都很有趣，不過最讓人玩味的是最後一幕，黑豹要交接奧運會旗的對象，是超人居住的「大都會市（metropolice)」市長弗萊明Fleming 。（本段內文經網友提醒修正）
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原本還猜想是不是跟駭客任務有關，但查了wiki 資料發現，我認為「大都會市」城市命名，受到1927年德國表現主義電影導演費立茲・朗（Fritz Lang）所執導的科幻默片《#大都會（Metropolice）》影響，此片是電影史上最重要的作品之一，甚至被列入聯合國文化遺產。
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故事背景設定在電影上映100年後的2026年，人類被分為兩個階層，生活在兩個截然不同的世界——權貴和富人都住在夢幻般的富麗大廈裡，每天過著享樂的生活；而貧窮的工薪階層則長期被困在幽暗的地下城市，與冰冷的機器相伴，過著勞碌辛苦的人生。原本兩個階層不太會有交集，故事敘述統治者的兒子與地下城的漂亮女子有了一場意外的邂逅後，開始產生權力平衡的質變，因而展開的一場鬥爭。
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科幻默片電影《大都會（Metropolice）》是一部反烏托邦式的科幻電影，畫面以偏暗背景色調襯托高對比度前景，製造出一種視覺反差的效果，影響後世對於反烏托邦社會想像的藝術風格，包括1982年的賽博龐克科幻電影《銀翼殺手》（Blade Runner）等。
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而電影中所呈現未來都市樣貌與女性機械人的形象，也一直影響著後世對未來都市的科幻想像，除了影響了《超人》漫畫創作者之外，許多科幻電影的城市設計藍圖也都本於此片發展。

著名日本藝術家 #空山基 所繪製的女性機器人「Sexy Robot」受到此片影響而創作，#手塚治虫 的漫畫原作《大都會》也是受到本片啟發而創作，後來與《AKIRA》的 #大友克洋、《銀河鐵道999》的 #林太郎 共同創作的動漫電影《大都會》，也都是受到本片啟發。

距離電影描繪的時間，只剩5年，以結果論來說，似乎僅有M型社會的貧富差距可說這部電影是「神預言」，其他一些人們對於未來城市的想像，大概只有電動車、與智慧型手機帶來的近未來生活唾手可得，其他關於城市的近未來想像恐怕還有一段不小的差距。
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然而藝術創作總是站在前人的肩膀上看得更高更遠，承先啟後、開創當代。

近年台灣民眾對設計的討論日盛，在「抄襲與否」的議題上也經常展開攻防思辨。

常在思考，當設計師們在做設計前，也都會看很多參考資料，我認為在設計上尋求所謂的「原創性」時，其實也應如藝術創作般有所依據，追尋脈絡後，找到定位，進而尋求當代的破格創造，而非只是想在安全牌上追尋「視覺經驗的突破」。

而網友們也該努力提升自我的鑑賞經驗值，多讀歷史、多看過去的偉大創作，在看到視覺經驗雷同的作品時，不要急著就說對方抄襲，從中去分析作品間思考的差異，提升討論內容的層次，才不會造成網路批判凌駕設計專業的亂象。

credit
Jonas Pina Art

去年底，程偉豪的《緝魂》宣傳開始在網路上發酵，之後的前導預告和正式預告片，都讓我十分期待這類台灣相當少見的冷色調警探靈異懸疑片。電影上映時，各種緣故之下沒進戲院觀賞，正以此為憾時，這陣子NETFLIX竟上架了這部電影。一解我心中之憾。

看完後，有失望也有肯定。

先說肯定的部分吧。我認為程偉豪導演非常值得肯定，因為他將故事背景設定在近未來，2030年的台北市。這個台北市霧氣瀰漫，高樓林立，汽車的引擎聲變成了電車聲，城市招牌都置換成浮在空中的霓虹廣告，就連角色們的3C用品都以螢幕面板為主，甚至整個城市的字體呈現完美無瑕的一致。熟悉這類風格的觀眾，一眼便能感受到這是賽博龐克(cyberpunk)風格。只是或許因為科幻題材為華人市場所不喜，故這部電影從頭到尾的宣傳，皆未以科幻作為宣傳重心。

在肯定之餘，也能感受到台灣電影礙於預算限制，而不得不的妥協。例如片中近未來台北市之所以霧氣瀰漫，多少有些為了掩護特效預算和技術不足所做的犧牲。此外，城市場景行人不自然，且鏡頭多半靜止，也看得出是預算所限。雖能感受得到導演費心打造的科幻台北市，但這種科幻氛圍和背景下，一旦到了警察局或地檢署場景中的實景拍攝，在沒有科幻3c用品的襯托下，這種美術風格上的不統一就顯得無奈。

不過光是能看到台灣導演所拍攝的黑色警探科幻懸疑片，就足夠讓影迷們滿足了。這些因為預算因素而不得不作的妥協和縮水，絲毫不穎醒觀影樂趣，僅僅只是作為缺憾而被理解。

不過本片的劇本，我倒是有不少意見。宣傳主軸、前期故事鋪陳以及殺人方式及場景，都有濃濃的宗教靈異元素。中期開始逐漸揭露科幻元素後，本片的靈異特質反而被遺忘。當然我也不是說科幻元素不好，而是當故事真相逐漸被揭露時，會顯得前期那些奇怪的法陣、紋身和怪異現象有些多餘。這點我也能諒解，畢竟程偉豪導演的《紅衣小女孩》過於出名，納入靈異元素並作為宣傳主軸，並非甚麼錯誤策略。

另外，整體故事雖沒甚麼問題，但收尾的30分鐘實在讓人不耐。由於整部電影疑雲密佈，導演有責任要讓觀眾對來龍去脈有所了解。但通常懸疑電影的作法，應是佈下足夠多的伏筆和暗示，靠著畫面運鏡和角色演技，讓觀眾豁然開朗。但不知為啥，程偉豪揭穿謎底的方式，竟是讓一名重要角色，平鋪直敘，順著時間軸講了10來分鐘的故事。這種收官手法，有些令人失望。

更令我感到詫異的，是結局收尾的情節。李燕作為劇中的重要角色，解決李燕身上伏筆的方式，竟是用劇情暴力解，忽略該李燕所擁有的資源和勢力，也絲毫不顧及其手法的合理性及角色的道德性格的一致性，硬是要弄個「好結局」出來。有那麼些惋惜。

偷偷開心硬塞喜歡我的賽博龐克系列。第一次在硬塞。😁💛💛

押井守所導演的日本動畫電影《攻殼機動隊》（Ghost in the Shell, 1995），改編自士郎正宗的同名漫畫（1989–96 年於講堂社的《周刊 Young Magazine》連載），是部非常前衛的經典賽博龐克，不只超越它的時代，還是此後二十多年來的科幻範本之一。

《攻殼機動隊》的英文名稱是 Ghost in the Shell，此處的 ghost 不是中文的「鬼」，而是「靈魂」。Ghost in the Shell 之意則是「穿上機械身體的靈魂」或是「改造為機器戰士的人」。於是，雖然是部關於機械人的科幻電影，其主旨仍舊是最古老的論人哲學，旨在探討人、人性、意識、與靈魂。
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草薙不只身體已經高度機械化，大腦也能與網路連結，已經超越一般肉體人類。但是，草薙卻有許多關於自身的疑惑與不安，於是理智冷靜的草薙，總會在夜深人靜之時，憂鬱地凝思自我意識存在與否、自我意識是否真實、或者自我僅是程式一環。
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草薙帶著原本已對於自我意識的不解與困惑，遇上已經具有自我意識的程式，於是開啟她重新審視自我、認識自我、且定義自我 — — 人不只是單純肉體的自我，而是由兒時記憶、網路資訊、還有自我意識（靈魂）複合而成的我。如此的故事結局，不只模糊了人類以生物肉體定義自我的界線，同時也模糊掉生物性別與意識性別的界線。
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《攻殼機動隊》的動畫電影，不只有精緻成熟的繪畫，以深藍灰黑的背景色調，佐以黃色燈光，創造出仍有火車、飛機、與渡船的後現代香港文明。此外，電影主題曲《傀儡謠》也是經典，一首帶著超然與悲愴宛若讚頌機械的賽博龐克聖歌。
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【「攻殼機動隊」你不能錯過的賽博龐克經典動畫作品】
https://www.inside.com.tw/article/15198-ghost-in-the-shell…
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【一篇就要讓你懂什麼是「賽博龐克」（Cyberpunk）】
https://www.inside.com.tw/article/15190-what-is-cyberpunk
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【高士比國際 Cyberpunk 特別企劃 2019 台北國際動漫節活動】
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2019 年 1 月 19 日到 1 月 23 日，南港展覽館高士比
活動網址如下：
https://www.facebook.com/events/998975403624294/
https://www.facebook.com/events/998975403624294/
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