談建築，也不一定走到百年遺跡。有些傳奇就在城市之間，也許外表奇特，成為留影地標；也許平平無奇，默默成為步行路線的導航，但若然打開它們的立面，探究裡面材質，沉默的一扇窗或一根柱，也在訴說城市的故事。

現代主義建築，又名「摩登建築」，為上世紀三十年代南來建築師的講法。現代主義建築，多使用工業化物料如鋼鐵、混凝土、玻璃，以抽象的幾何外形以及著重比例的設計呈現。隨著戰後人口急升，教育、住屋、醫療各類公共服務需求大增，建築紛紛落成以回應社會需要，如西營盤分科診所，既填補了當時短缺的醫療服務，現代化且科學的設計，亦成為政府管治形象的象徵。隨著工商、宗教、娛樂等用途的建築逐一落成，加上政府旗下的建築皆會逐個項目因應功能所需個別訂製設計，不同派別的設計師帶著自身視野，設計出性格迥異的建築，逐漸勾勒出本地現代主義建築的輪廓。

這些早期以功能主導且變化多樣的現代主義建築，無不流露設計者大膽創新的思維。以紅磡體育館為例，大家立時聯想到的，也許是心儀歌手的連場live show；但難以想像其時政府願意向難度挑戰，建一座頭大身細的「倒金字塔」—於1983年落成的紅館，坐落在紅磡火車站之上，由當時的政府工務局建築部設計，而回顧1968年的最初設計圖時，可以見到巨大的看台向四面延伸，平面呈一個十字形狀，與柬埔寨「現代建築之父」之稱的旺莫利萬（Vann Molyvann），在首都金邊的國家運動場設計有異曲同功之妙，兩者皆帶強烈結構表現特色。但看似簡單的外形，建造起來也甚具挑戰－先在地面建屋頂，然後整個由吊重機吊起，暫時安放在鋼架，檯底下的四個斜面興建完成後，才將屋頂結構下降到斜面之上，最後封頂……對比如今保守的公共建築，加上價低者得的投標方式及外判文化，實在難以再現當時大膽、進取的態度。

建築歷史博士同時也是英國建築師的黎雋維 @charlescwlai 笑言：「好的建築可以留芳百世，壞的同是。因此我們都需要更重視建築設計。」如書中引言所述，建築本身是當時社會、經濟、甚至是政治氣氛的物質化縮影。聆聽25幢現代主義建築的故事，可會讓我們看到不一樣的城景？

《迷失的摩登－香港戰後現代主義建築25選》
黎雋維、陳彥蓓、袁偉然 合著
@hkarchitecturalhistory

#現代主義建築 #摩登建築 #香港建築 #建築歷史 #紅磡體育館 #灣仔友邦大廈 #九龍麵粉廠 #清水灣邵氏大樓

▋專訪 OH DEAR Studio：從美菊麵店到自己的家，用空間回應一個人
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OH DEAR Studio 主理人之一的維剛說起命名由來，「英文裡說『Oh dear！』就是有種驚艷的感覺。」陳維剛、陳維揚、黃渝珊三人的工作室，從平面設計、傢俱到空間建構，所有人都是設計師，也都要能獨立操作案件。
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三人從美菊麵包店開始與鄭宇勝合作，一開始，是希望做出極簡的麵包店，不想要多餘的裝飾和層架，因而誕生了一穩重大長桌，直接用水泥灌注在店的中間，彷彿桌與屋的融匯。當大家都覺得美菊就是清水混凝土，老闆在美菊麵店 2.0 又躍躍欲試，希望設計能再次挑戰大家的印象。
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提案的時候，他們自己也有點剉，跳脫慣常使用的配色，以衝突感強烈的紅和綠做搭配，並使用磚牆、洗石子、磁磚、金屬等多種材質。空間則以許多圓弧劃分區域，但保留其中的流動感，「畢竟空間以麵店來說不算小，如果完全沒有分隔，客人可能連要往哪裡走都不知道。」維揚補充。
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流線與幾何，自成一種美感。維剛也說，「畫美菊的平面圖，很像在畫插畫（笑）。」
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🔍️ 專訪全文請見：https://bit.ly/3nhkROP
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美菊裡有許多會讓傢俱迷怦然心動的經典椅款，像是 Panton Chair 也是維揚最想購入的設計單品之一，「那是對我而言，第一次接觸到設計單椅的震撼。它的曲線超乎那時候可以理解的一般傳統椅子的四隻腳結構，完全打破當時我們對於椅子的想法。」
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店主宇勝對傢俱有所偏愛，也很認真研究，每當有想法就拍照給設計師們看。列下許願清單後，維揚說，接下來就是要把這些個性殊異、各自精彩的椅子放在對的位置。後來決定，紅色磚牆附近以七八〇年代現代主義時期為主，可以看到經典的「鬱金香椅」Knoll Tulip Chair、線條簡練的 Kartell Classic 4875 Chair。到綠色區塊，則以更為當代的丹麥品牌 HAY 來做陳設，走一趟美菊，竟也像一趟精彩的傢俱設計編年史。
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同樣一張椅子，在不同空間可能帶來迥異感受。維揚一直記得當初在美國的學習，「那時候一直會被問的問題是，這個傢俱要放在怎樣的空間，或是可以怎樣去定義這個空間的調性？」不過三人也坦言，目前室內設計，傢俱時常是會被業主忽略的一塊。
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渝珊：「比如說我們會努力去推廣，一定要用正版的設計傢俱，絕對不要用復刻的。可是有時候預算考量，業主很難理解說為什麼不能用。」一旁的維剛模擬業主來電：「維剛，你選的那個椅子～網路查～足貴欸捏！」
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另一個案子「留飯店」以水一般的流動感為想像，業主偏愛歐式古典風格。為了中和、突破歐風容易變得刻板的仿擬感，他們配置了第一代的 Charlie Ghost Dining Chair，透明的光澤打亮了氛圍。渝珊形容，「傢俱的選擇，有點像一件衣服上的小鈕扣。你看到時會覺得，哇，在細節被驚艷到的巧思。」
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不難發現 OH DEAR Studio 的案件風格迥異，有些低調洗鍊，也可以歡快有趣。維剛說，「每個案子裡，我們在設計上都有企圖心，可是案子裡會回應到業主的個性和需求。」許多案子裡，他們一再聊天、理解對方是怎樣的人。他們常用的字是「回應」，回應個性、回應狀態、回應想法⋯⋯，因此才有依運一個「人」而生的空間。

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Voices of Photography 攝影之聲
Issue 27 : 歷史與書寫專題
Histories and Writings Issue

自創刊以來，《攝影之聲》持續關注影像書寫、歷史與文化樣態，隨著2019年我們在台北「空總台灣當代文化實驗場」策劃一系列攝影史敘事工作坊並舉辦戰後東亞攝影史論壇，邀請攝影史研究者共同參與，推進攝影史研究與影像歷史意識的討論契機。本期特別刊載主講者文稿，在日本、韓國與台灣研究者對東亞攝影歷程不同的關注面向中，作為攝影與歷史論述的反思與參照。

其中，金子隆一重新定位1970年代攝影家自主藝廊在日本攝影發展中的位置，揭示非主流的創作脈動，何以是日本攝影史論中需要補遺的重要章節；陳佳琦探討1960年代台灣業餘攝影者參與日本攝影比賽的風潮，以及以日本攝影雜誌作為平台的競賽文化的可能影響，呈現出戰後台、日攝影界另類的民間交流場域；朴平鍾細述自日本殖民統治結束後，韓國攝影在現實主義與現代主義之間引發的論爭，疏理戰後韓國對於攝影認知的辯證與反省；戶田昌子析論1950年代的日本攝影表現，在脫離戰時的壓抑並逐漸獲得解放之後，受國際「主觀主義攝影」潮流影響所開展出日本攝影美學進程的時代軌印；張世倫從冷戰年代深埋於台灣社會的檔案線索與政治意識，檢視戰後台灣的影像操縱、治理機制，以及國族攝影史本身的建構和詮釋問題。

攝影，在與光學、化學、政治社會學、文化研究，乃至符號學與精神分析等學科譜系的結合中，已不斷延展、流動、重構，打開了攝影本體論的探索空間。謝佩君縷析自上世紀以來的攝影書寫歷程與跨領域的視覺理論，勾勒攝影理路的發展形貌，本期將開啟系列討論的首章。顧錚分享於德國海德堡大學客座期間開設攝影史課程的自身經驗，並提出攝影史學門研究邊界的批判思索。黎健強剖析攝影術初登香港的歷史推論系列來到末篇，為濕版法在1850年代於香港興起的考據，展現不同的史料論證。

此外，本期我們特別專訪陳傳興，刊載他於上世紀七〇年代末拍攝、四十年間未曾公開的照片及底片，一探銀鹽與光交集而生的影像喻意，以及他不停思辨的攝影本質論題。同時，我們也介紹高重黎的聲音與投影裝置新作，析解視聽機器現成物及獨特的一鏡到底、史上最長的「放影機電影」中的技術哲學。「攝影書製作現場」連載則進入「設計」單元，本期專訪日本設計師森大志郎，分享他細膩的平面設計語彙。

儘管維持出版的路途艱辛，這些年我們仍努力在有限的資源下，持續進行資料考掘整理、訪談記錄等基礎工作，緩緩開展以台灣及亞洲地緣為核心的攝影文化與歷史論述。感謝親愛的讀者與朋友的支持，讓我們在新的一年裡，繼續探索未知的影像星河。

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Since its inception, Voices of Photography has always focused on the aspects of image writing, history and cultural forms. In 2019, we held a series of workshops on photography history narratives and a forum on history of post-war East Asian photography, at the Taiwan Contemporary Culture Lab in Taipei, Taiwan. We invited researchers in this field to join us, creating the opportunity to advance discussions on photography history research and awareness of imagery history. This issue features the manuscripts of our speakers at the event, which will serve as a reflection and reference for the photography and historical discourse in the eyes of our counterparts in Japan, South Korea and Taiwan.

Among them, Kaneko Ryuchi has redefined the position of independent photography galleries in the development of Japanese photography in the 1970s, revealing the creative pulses that transcended the mainstream and why it became an important chapter in the history of Japanese photography, waiting to be filled. Chen Chia-Chi takes a look at the trend of Taiwanese amateur photographers participating in photography contests in Japan in the 1960s, and the possible influence that Japanese photography magazines had on the culture of photo competition, thereby shedding light on an alternative platform through which folk exchanges happened between the Taiwanese and Japanese photography fields. Park Pyungjong details the controversy between realism and modernism in Korean photography following the end of colonial rule by the Japanese, and evaluates the dialectics and reflections surrounding Korea’s understanding of photography after the war. Toda Masako analyzes Japanese photography in the 1950s, the era of Japanese photographic aesthetics that was influenced by the trend of “subjectivism” in the international arena as the oppression of war gradually faded in time. Through archives and political consciousness buried deep in the core of the Taiwanese society since the Cold War era, Chang Shih-Lun examines the manipulation and governance mechanism of images, and issues with the construction and interpretation of the nationality in photography history.

When analyzed in combination with other disciplines such as optics, chemistry, political sociology, cultural studies, and even semiotics and psychoanalysis, the space for exploration of the ontology of photography is constantly stretched, moved, and reconstructed. Hsieh Pei-Chun analyzes the photographic writing process and the cross-domain visual theory since the last century while outlining the development of photography theories. This issue is the first in a series of discussions. Gu Zheng shares his own experience as a visiting professor on photography history at the University of Heidelberg, Germany, where he put forward a critical reflection on the boundaries of research in the field of photography history. Edwin K. Lai's analysis of the series of historical inferences from when photography first came to Hong Kong comes to an end, presenting historical evidence of the rise of the “wet-plate method” in Hong Kong in the 1850s.

In addition, we have a special interview with Cheng Tsun-Shing, featuring never-before-published photographs and negatives that he had taken in the late 1970s. We explore the imagery metaphors that are born when silver salt and light meet, and the issue of the essence of photography that he constantly philosophizes. At the same time, we feature Kao Chung-Li’s new works of sound and projection installations, analyzing the ready-made audio-visual equipment and the technical philosophy behind the unique one-take "projector movie", that is also the longest ever such film in history. The "Photobook Making Case Study" series also enters the "Design" chapter. In this issue, we interview Japanese designer Mori Daishiro and he shares his experiences in the area of graphic design.

Although the journey of publication is difficult, we have been striving to continue with the basics of data exploration, collation, and interviews with limited resources, as we slowly expand the photography culture and historical discourses of Taiwan and Asia and showcase them to the world. We would like t✨o thank all our dear readers and friends for your utmost support. Let us continue to explore the unknown universe of images in the new year.

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