#文末贈書
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關於衛斯安德森，應該用不著多說什麼，名字一出來全世界都會知道他的強迫症以及標誌性風格，一本關於他的全彩精裝專書《#視覺系天才魏斯安德森：憂鬱男孩與細節控的奇想美學》即將上市，由英國資深電影作家 Ian Nathan 執筆，從《脫線沖天炮》細談到最新力作《法蘭西特派週報》，於今日開放預購，相當值得影迷收藏。
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▍博客來：https://bit.ly/3myJsRG
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「 我有一套拍攝東西安排佈局、設計場景的方法。…… 我也曾考慮過改變作業方式，但說實話，這是我喜歡的方式。這有點像是我做為導演在電影裡的個人筆跡。我已經在某個時刻下了決定：我要用我自己的筆跡來寫。 」
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衛斯安德森如此表示，這本獻給影迷的禮物是第一本完整介紹他的創作歷程的專書，包括至今十部電影，十部短片與十一部廣告作品，收錄超過 200 張彩圖，涵蓋劇照、片場照，兼及電影史相關資料圖片，並以時間軸順序逐一介紹每部作品，同時回溯魏斯安德森的成長經歷，詳述他集編劇、導演、製片於一身，有時還兼做訪談、寫書、策展的文化養分。
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作者 Ian Nathan 曾任全球首席電影雜誌《帝國》主編，親手寫過過九本以上的電影專書，關於雷利史考特、柯恩兄弟等等，而此一系列稱作「金獎導演的電影語言 The Iconic Filmmaker and his work」，除了此書以外，之後《暴力美學大師昆丁塔倫提諾：黑色美學經典與其故事》、《怪物製造機吉勒摩戴托羅：一代宅神的黑暗童話》也會陸續在臺出版。
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談《犬之島》：
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「這一切從日本開始。自從大學時代開始狂看黑澤明電影，安德森一直想著日本電影。起初，他只看過《羅生門》，圍繞著一位武士之死、剖析回憶與謀殺的作品。後來，除了時代劇傑作《七武士》、《大鏢客》，他也陸續看了黑澤明的黑色電影、黑幫電影和家庭劇，當安德森更了解黑澤明傑出的電影生涯時，他便明白，自己非常喜愛這位日本導演。他會著迷於某位藝術家和他身處的文化，而他對黑澤明和日本的喜愛，就和他對薩雅吉雷與印度的喜愛一樣，或是費里尼與義大利。他很欣賞這些國家如何敬重他們的電影人。不過，日本元素不僅有黑澤明。這部電影致敬的對象很多，包括小津安二郎、《哥吉拉》導演本多豬四郎（及其他相關的怪獸電影）、遠近馳名的動畫大師宮崎駿，還有漫畫、十世紀左右的大和繪，以及江戶時代歌川廣重的風景木刻版畫。整個敘事也隨著日本傳統樂器太古的打擊樂開展。」
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談《法蘭西特派週報》：
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「就算拿《歡迎來到布達佩斯大飯店》這部調性可能最接近的作品來比較，《法蘭西特派週報》明顯是衛斯安德森至今內容最濃稠、結構最複雜作品。而和《歡迎來到布達佩斯大飯店》一樣，正當這部電影裡的『秩序』與『混亂』之間的對抗，以（街頭與監獄的）暴動、追逐和槍戰的形式搬演時，《法蘭西特派週報》也試圖爬梳近代歐洲史與這部電影所處的時代。這也像是一篇專題論文，探討藝術、寫作、烹飪、政治宣言的創作過程中蘊藏的神祕難解，凝視那些詮釋世間意義的人。」
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非常感謝 漫遊者文化 AzothBooks 提供兩本《視覺系天才魏斯安德森：憂鬱男孩與細節控的奇想美學》，這裡將抽出兩名幸運的獲獎者，參與方式請按讚並於下方留言處回應，請自由作答，自由分享，為期三天，僅限台澎金馬地區，預定在 8 月 30 日周一晚上十二點截止。
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　一、想讀這本書，或是喜歡衛斯安德森和其作品的原因。
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（二、喜歡也當然歡迎轉發或分享給朋友。）

【藝術家變成貓之後，「浮世繪」最後大師會變成什麼模樣？】#精選書摘

喵川廣重是17到19世紀在日本蓬勃發展的「浮世繪」藝術最後一位大師，而他也是一隻藝術貓。但在他還是小貓的時候，廣重一心一意只想依循父親的貓掌印，他想當救火隊員。

然而，他在15歲開始學習木刻的技藝，創作版畫後，他的藝術天分很快就被看見，以創作雨、雪、霧的貓畫師聞名。廣重創作出超過五千幅木刻版畫，甚至影響了全世界的藝術貓...…

#當藝術家變成貓 #日本 #浮世繪 #貓咪 #喵川廣重

日本的手工紙被稱為和紙，可見於傘、首飾和防疫口罩等各式物品之中，而它的歷史可以追溯到至少1300年前。

#237期 #物件故事 #雜誌內容

＃水墨＃梁震眀＃水墨畫家

鄰近靳珩公園，位於立霧溪與魯丹溪交會處的印第安酋長石，是花蓮太魯閣國家公園相當著名的地質景觀，因視角的錯覺，組構出有如人臉造型的奇石群，矗立在溪畔上，讓人忍不住想多看一眼，好見識這巧奪天工般的自然奇觀。

如何將所畫題材營造出有如太魯閣峽谷那般的視覺強度？藉由台灣各地搜羅的奇石圖像，以小觀大，用貼近藝術的手法，假像虛構的方式，將其搬到近雲山巔處，當想像的連結空間變大，方寸之間的畫面也就有更為大器的可能。

【實景‧虛境‧真山水 梁震明的墨色台灣】 國立成功大學歷史系所美術史教授 蕭瓊瑞

梁震明的細筆山水，是戰後台灣水墨現代化運動中，從材料學與物象學一路切入而獲得具體成果的代表性藝術家。

1971年次的梁震明，並未經歷台灣1960年代的抽象水墨風潮，也未能得見1970年代的鄉土運動，在他稍稍懂事的年代，台灣已經進入1980年代的美術館時代，而在裝置、數位，乃至行動多元蹦發的90年代，他卻獨獨選擇了以看似最為傳統的毛筆水墨，作為創作的工具和媒材；這似乎和他作為「外省第二代」、且出生成長於被視為具有濃厚「眷村」特質的高雄岡山，有著一定的關聯，而在學校擔任工友、獨身撫養三個小孩的父親，更是引導、支撐他孤獨奮鬥、精勵上進的重要支柱與力量。

國小畢業，在韓永、李春祈等老師的啟蒙下學習水墨畫，一路從國中美術班、高中美術班，在1991年考入校區仍在蘆州的國立藝術學院（今國立台北藝術大學）美術系，師事李義弘(1941-)與林章湖(1955-)，也正式展開了他水墨繪畫的探研之旅。

1993年，他以碎筆萬點的手法，表現台北草山、九份地方的芒草，呈顯一種荒蕪與孤獨的美感，開始了他「水墨台灣」的系列創作，也引起了眾人的注目。1994年，他除了獲得該系系展水墨組第一名的成績，同時也獲得了馬壽華獎學金，及張穀年獎學金第一名；隔年（1995），再獲張穀年獎學金第一名，及劉延濤獎學金第一名，這些傳統水墨畫家的獎學金頒給，在在肯定了梁震明在傳統水墨方面的用心與成果。不過，如果更深入地考察梁震明在這段學習過程的面向，便可以發現他自我要求的廣度與深度，包括在中國美術史、佛教史、器物史，及日本膠彩畫的多方學習；1996年，更獲得慈濟藝術類美術理論組的獎學金。

這一切的努力與成績，反映了這位年輕的水墨研習者，顯然不願拘限於傳統水墨的窠臼，意圖尋找出另一條更為寬廣而深入的路徑。他曾說：「倘若我們將水墨視為單純的一種材質，那麼其屬性是否該被深入的探討。因為我們對這些材質的認知，經常來自傳統的規範，而較少本我的分析、推理與判斷。當我們對眼前的任何事都視為理所當然的時候，缺乏進一步的思辨，就會矇蔽自我的智慧，如果僅是相信前人的體略，卻沒有去思索其背後所隱藏的道理，蕭規曹隨般的跟隨其步伐，必然無法超越他們的成就，提出更有開創性的見解。」

在大學時期全方位的學習，以及短暫的中學教職後，1999年，梁震明重回母校，進入美術創作研究所進修，並在李義弘老師的指導下，展開「墨與黑」的材料研究，完成〈墨與黑的創作思辨〉碩士論文。

這個階段的研究，從材料學的角度出發，梁震明徹底地分析了中國水墨的墨色與西方繪畫顏料中的黑色，兩者間的不同。除了材料屬性上，墨所含的碳粒較細，色調固定，黑則較粗，亦會因成分不同而有不同的色調變化；更指出：在前人的使用觀念上，墨是重寫，黑則是畫，因此，在東方的藝術發展中，才發展出「書畫同源」的概念。(註1）

這種看似純粹材料學的研究角度，其實正是梁震明徹底掌握創作材料，同時也為自我畫類定位的一種深沈反省；因此，他說：「墨屬於廣義的黑色顏料，無論作品中是否用墨，現今的情況下依然會被視為水墨畫，如果創作者未曾提示的話，況且『近墨者黑』，所以也無所謂畫類定位的問題；而畫類的定位，只是方便溝通的一種狹隘界定，而這種界定不盡然等於創作者認知的界定，唯有模糊或是衝撞這種材料界定，才能獲得無限的可能。」（註2）

又說：「水墨的傳統是一種時空背景下逐漸發展而成的，但如何讓充滿西式視覺經驗的當下觀眾，重新認識水墨的當代價值，這樣的採用，正是覺醒下的選擇。」（註3）

2002年，他就以「墨與黑的創作思辨」為題，推出研究所畢業展於台北羲之堂。那些綿密素樸的墨
點，烘染出層次豐富、形式多變的台灣山脈、岩石，擺脫中國古老的山水意象，直接從台灣的自然切入，那是親眼所見、心中有感，沈澱為生命情緒的一部份。而畫面豐富的層次，正是他研究所時期媒材研究的具體成果，為了對各種知名古墨的掌握，他曾走訪中國蘇州姜思序堂、周庄、上海、 _杭州、安徽歙縣胡開文墨廠及黃山等地，更自製各種不同材料的墨條，包括：石榴、檳榔心、杜仲皮、燈草、桐油……等，逐一試用，甚至製成色票，相互比對。

研究所的畢業展，也引發了藝評界的注目，以「層層染點．古墨新研的樸實路線」（註4）來形容他。

梁震明，畫如其人，人如其畫，那種樸實、綿密的風格，也展現在他為學求藝的生活態度上。研究所畢業後，在原有論文的基礎上，全力深入、持續探研。2003年，他又完成並發表〈日製液態墨的材質特性及使用方法之研究〉一文（註5），這是將當時台灣市售的33種日製液態墨進行試用及比較，得出多點特性，並發現指出：日本廠商所製的液態墨，主要是適合日本書畫界的創作觀點而生產的；因此，使用者的認知與選擇，才是主導這些墨品材質特性的關鍵因素。

歷經五年的研究、整理與擴展，終於完成《墨色的真相》一書，由國立編譯館補助出版。其中涵蓋的主題，包括：歷代畫家使用墨與黑及相關材料之種類說明、墨與黑之相關著作介紹、固態墨、液態墨及黑色顏料的製作工序及流程比較、中國歷代製作固態墨的流程分析與介紹、歷代文獻關於墨與黑之製作流程及概念的探討、歷代畫家使用墨與黑之方式及邏輯的比較、材質特性與使用方法及概念之關係研究等。《墨色的真相》可說是當代畫壇在材料研究上最具典範性的成果。

梁震明是以學術研究的態度面對創作，一如民初畫家黃賓虹的耗費巨大精力整理歷代畫論，彙編成《歷代畫論叢書》，也增美自我的創作。

梁震明的研究精神也展現在他獲得國藝會補助、與廣興紙寮合作撰成的〈中性紙材開發與成效研究〉（2005），及走訪全台三百多座廟宇，拍攝近萬張照片的「台灣寺廟龍柱造型之研究」（2006-2010）；後者於2010年，由國立編譯館補助出版。

回到創作本身，2002年北藝研究所畢業後的這段時間，顯然是一個重整、深入整備的階段。2004年任教台中僑光技術學院，往返途中，經常前往苗栗後龍外埔拍攝海邊石滬；而在一個偶然機緣下，更接下了全台茶山之旅的拍攝工作，走遍了梅山龍眼林、鹿谷大崙山、大禹嶺、梨山，和嘉義石桌等地，對台灣的山林有了更深入的觀察、感受與瞭解。

事實上，2001年春天，梁震明就有機會首登大陸黃山，這是多少水墨畫家歌詠描繪的聖山，古松、奇峰、雲霧……，自然也給予梁震明極大的震撼，但他說：「雖有千景可選、奇石可畫，但無法長居，總有著霧裡看花難以動筆的感覺。」

2007年，梁震明轉任國立台南藝術大學藝術史系教職，也將生活重心轉回創作本身。2009年的「黑色的覺醒」個展，正是這個階段創作的一次總結。〈綠草黑世界〉（1995-2009）、〈黑葉下的台南孔廟〉(2008)、〈黃昏下的黑山〉（2009）、〈聳立在一片山巒的黑岩〉（2009），都是這次展出的幾件重要作品；在較為逼近的構圖取景中，呈顯樹葉、草叢、山岩、雲氣的豐美質感。這是梁震明在大量的照片分析下，捕捉現場的感受，以格物致情的方式所逼視出來的一種幽情，純粹畫景，空無一人，帶著一份深沈的孤寂與寧靜。

2010年，長期以來的精神支柱，父親病逝於高雄榮總，讓梁震明對生命有了新的體悟。經歷一段「無名虛相」的抽象水墨山水創作，撫平了失怙的心靈創傷；2012年的「海景」系列，重新回到細筆寫實水墨的路向，但畫面大為開朗，甚至加入了較多的色彩運用。

原來自2008年以來，梁震明便被澎湖特殊的自然景緻所吸引，節理分明的玄武岩，加上海天一色的開闊氣象、孤立海隅的小島、白色的沙灘…….；此後，他多次前往澎湖探訪，走遍七美、望安、桶盤，及目斗嶼、姑婆嶼……這些南北列島，也重訪宜蘭頭城、龜山島、屏東墾丁、旭海，及貢寮龍洞、南澳粉鳥林，和台中梧棲高美溼地，更不必提及自學生時代就經常和師長前往的北海岸淡水、石門麟山鼻、老梅等地。此外，也前往日本沖繩座間味島、古宇利島、瀨底島及石垣等地，比較不同文化下的自然景觀。

梁震明的創作取景，完全是以一種幾近物象學研究的科學手法，現場寫生不是他的創作形態，部份的速寫只在記錄某些必要的重點。遍遊這些景點，甚至重複多次的前往，主要是在收集相關的圖像和豐富自我的體驗，景色的記錄則以攝影取代，每次的前往，都經事先周詳的規劃，即使是相同的地點，也會有不同的路線和時段，因此景緻總是不同，或是晴、陰、冬、夏，或是晨起、夕歸，或是徒步、搭船，甚至動用空拍機等。梁震明的創作，帶著高度學術研究的心情，雖寫實景，但回到畫室，則是進行周密的草稿模擬及意象推演，反覆推敲，不斷思辨，務求達於虛凌、超越的意境。
2011年及12年的「海景意象」展，梁震明在以往以墨色為主體的畫面中，加入大片的色彩，這些色彩帶著稍顯誇張、鮮艷的高彩度，反而呈現了某種夢幻的意境；某些作品甚至直接以金色表出，或是紙張的金，或是顏料的金，但當轉化成物象的金，反而虛幻成視覺情感的金，那是一種純粹心象的金，實景、虛境，才是梁震明心中追求的真山水。

2014年展開的「千岩萬語」系列，回到山岩海石的細部描繪，積細成多，氣象浩瀚，以千岩寄寓萬語，是藝術家應物抒懷的本心，部份畫面加入細線的方格分割，益增非實境的畫面效果。

2015、16年的近作，在尺幅上更為開闊，他辭 _教職，專職創作，畫面的細筆寫石(寫實)，幾如僧人的抄經，一筆一念、一劃一覺，梁震明的作品，也因此呈顯接近宗教般的凝定與寧靜。

中國近千年的水墨繪事，在近代而有「學」「藝」分途的隱憂，但在梁震明的身上，我們喜見高度學術研究的精神，如何貫穿、滲透在他的創作之中。戰後1960年代啟動「現代水墨」運動，曾以「革中鋒的命」的自動性技法，翻轉民初或日治以來，以寫實「改革」寫意的路徑，開展出一片暢意淋漓的抽象風潮，中經幾近照相寫實的鄉土水墨，落入寫景不寫情的機械操作。1970年代出生的梁震明，從台灣制式的學院體制中，一路走來，在深沈、穩健的學術操作中，重建了古典水墨的結構與質地，卻同時展現了現代宏觀與微觀兼具、客觀寫實與主觀虛境並呈的絕妙視野，堅實、蒼茫中，透露著一股孤獨、傲然的真氣。那是梁震明特有的墨色台灣、現代山水，隱隱承續著自余承堯(1898-1993 )、夏一夫(1925-2016)一路以降的密實水墨傳統，也是李義弘開創的材料學與物象學研究最耀眼的傳人。

註釋：

1 梁震明〈黑色的覺醒――梁震明創作自述〉，《藝術收藏＋設計》25期，頁132，台北：藝術家出版社，2009。10。
2 同上註，頁133。
3 同上註。
4 參見黃寶萍〈梁震明：層層染點．古墨新研的樸實路線〉，《藝術家》326期，頁236-239，台北：藝術家出版社，2002.7。
5 收入《中國水墨藝術之回顧與前瞻：2003研究生學術研討會論文集》，頁172-183。

【梁震明簡歷】

國立台北藝術大學美術創作研究所畢業。

曾任國立台南藝術大學藝術史系及東海大學美術學系講師。

個展12次，國內外聯展30餘次。

作品曾在香港蘇富比、羅芙奧及沐春堂拍賣成交。

著作「墨色的真相」與「台灣寺廟龍柱造型之研究」獲國立編譯館出版刊行。

現為羲之堂代理之專職水墨畫家。

梁震明臉書粉絲頁：https://www.facebook.com/inkliang/

梁震明痞客邦：http://tom20030208.pixnet.net/blog

梁震明IG：https://www.instagram.com/liang_chenming_art/

香港文化博物館於5月18日至9月舉辦「百物看世界——大英博物館藏品展」，展出約260件合共101組展品，以時序策展，讓觀眾認識古今200萬年世界歷史。另有4件展品是首次在港展出，包括美索不達米亞烏爾城軍旗、著名日本藝術家葛飾北齋1831年創作的版畫《神奈川冲浪裏》。大英博物館從其800萬件館藏中，選出100組有代表性的文物，組成一個「百物看世界」在世界各地巡迴展出，香港站展覽中最古老的展品是來自120萬至140萬年前、在坦桑尼亞出土的手斧，象徵人類文明及進化的獵食工具階段，另有來自公元前800年埃及的木乃伊棺槨。大英博物館展覽另一特色，是會邀請每個地區展覽方選出第101組能代表該地區、並影響世界的物品展出，今次香港文化博物館選出「光纖」作代表物，館方表示，光纖改變世界，促進互聯網發達，而光纖之父高錕與香港有很深淵源，因此選擇光纖作香港站展覽的代表展品。展覽的構思源自大英博物館與英國廣播公司一個廣受歡迎的廣播節目，以大英博物館藏的一百組物品，訴說橫跨二百萬年的人類故事，展示古今世界文化精髓。展品來自世界各地，包括在非洲發現的人類最早的石器工具、見證最早城邦出現的伊拉克烏爾軍旗、反映奴隸販買的50枚「馬尼拉」貨幣、達爾文航海船上的精密計時器，以及日本浮世繪名家葛飾北齋的木刻版畫作品《富嶽三十六景》之《神奈川沖浪裏》等。從每件物品背後的故事，帶領觀眾遊歷一次世界獵奇之旅。為配合展覽，博物館特設教育專區，加入一個以香港百件文物為題的展示，並推出一系列教育節目，包括專題講座、展覽導賞、學生和兒童節目、青少年和長者工作坊、社會共融活動、長幼跨代節目等，以引起參觀者對世界歷史、文化和藝術的興趣。是次展覽由康樂及文化事務署和大英博物館托管會聯合主辦，香港文化博物館和大英博物館籌劃，並由香港賽馬會慈善信託基金獨家贊助，為香港賽馬會呈獻系列之一。

本集主題： #可見與不可見　#林仁信專訪
　　
▲我們如何感知到「存在」？
　　
　　若它是一件物品，我們可以藉由視覺而「看到」其存在，或許也可以藉由聽覺、嗅覺、甚至是觸覺去接觸，去感受，去察知。但我們又如何感知到一個非具象的「存在」呢？反過來說，我們憑依外在感官觸發而察覺到的一切實有「存在」，確實是我們所認知的模樣嗎？又或者，那些都不過是我們所以為的相貌？
　　
　　林仁信的作品，第一眼深受吸引的或許即是那外觀的「形」；它們憑藉我們的感官所觸及的形象，經由大腦的解構與重組，反應並疊合成為我們所認知的「存在」。然而每個被認知到的「存在」，也不過身處於每一位形塑者的腦內罷了，但有趣的是，正是這些聽來彷彿十分抽象的概念，建構了觀者的本質，使它們成為「它們」，使我們成為「我們」。因此，細細品味林仁信的作品，發掘內裡層疊生成的符號語言，觀知其片段構築的意象之塔，在理性的邏輯與感性的直覺中思索藝術家——或者生而為人——那些漂流於意識之海的問句浮沫。（ 文／柯佩儀文）
　　　　
　　　　
林仁信簡歷：
　　生於宜蘭，台北藝術大學造形研究所畢，目前為台北藝術大學美術系講師，講授版畫創作，亦是台灣版畫藝術綜合平台 岩筆模創辦人，目前以版畫為主要創作媒材，包含平面、立體造形及公共藝術，常以探討個人與生活環境的相互關係，為創作題材。作品獲國立台灣美術館、中華民國版畫學會、關渡美術館、日本佐喜真美術館、法國Chamalieres當代藝術館、中國貴陽美術館典藏、 國父紀念館、國立歷史博物館，舉辦過數十場創作個展及聯展，並曾與綺響樂團於國家表演廳、成大表演廳、北藝大音樂廳合作即興演出，亦參與多件公共藝術設計及製作。