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Day 5 一理通馬國明
由Day1的引入至Day2和3的話題，都是專注於概念。
於是今天Day5，就談談Technical的東西。

自升上大學，我在繪畫技藝上的增進一直以來都仰賴於較間接的方式。

如Day1所說，我在大學期間做得最多不是畫畫，而是跳舞以及在本科主修中國藝術。還有就是玩遊戲。玩遊戲看似不正經，但讓我今天先談完前兩者，明天再為玩遊戲一事好好正名。

先說跳舞吧。

當時作為中文大學的新入學生，開學不久。我心想，難得成功哄騙了家長，進了所謂的名牌大學，滿足了典型亞洲家長對子女的期望，讓他們跟姨媽姑姐炫耀一番，以分散對我管教的注意力。我終於鬆綁，與嚴格、保守又落後的家庭管教說再見。即使在學期間，一直以來都未能申請到大學的宿舍居住，也情願睡在課室裏，就是打死不想回家。

就這樣獲得了三年遠離管束的自由。於是，我像突然解封的武漢市民般，一下子跑進Danso（台譯：熱舞社）。因為中學起就很愛聽Hip Hop音樂，聽的時候一直想活動身體，但身體又動得很別扭，於是就參加Danso。

Danso在外界的印象可能就是死MK仔、潮童，不務正業，製造噪音，濫用公共空間等等的。其實我懶得在這篇文章辯駁，我只想專注說我的經歷。我接觸過的舞蹈老師都很愛和學生交流思想，有些概念對我而言也很大啓發。而我對藝術史的興趣便是源自學習Hip Hop的歷程。

Hip Hop的研習是有趣的。如果拿中學的藝術史來相比的話，我們學習的什麼Michelangelo、Van Goph、Da Vinci等人的作品，其實就是在研究一堆死人的作品。藝術史對他們作品的詮釋權，實際上由鑑賞家、學者、藝評人主導，算是二手資訊。而這些成為教材的詮釋又被質素參差的中學視藝科老師的嘴過濾了一遍，成為進一步被打得稀巴爛的第三手資訊。即使其實其二、三手資訊不見得一定會造成一手資訊的大量流失（視乎資訊持有者在轉達、論述時的完整性），但對於作品的詮釋、歷史的歸納、脈絡的梳理，實際上也依賴這些學者、鑑賞家或藝評人作為作品外第三者身份的Archive，我們再也聽不到藝術家本人的說辭了。

而Hip Hop作為極年輕的藝術形式，狹義地計算，其歷史之長不足一個世紀。在今天的2020年，雖然部分OG（此詞可理解為某藝術形式的開導者、先驅者）已很年老，有部分亦已歸入塵土，但這些第一手藝術史資訊持有者、見證者，仍活生生地坐著不同的航班，到處向文化的愛好者們傳播歷史，以及親身演示最原始的藝術表達形式。換句說法，感覺就是像Van Goph這種人活生生跑來和你說，為什麼當時他要切斷自己的耳朵送給人。那時我很喜歡上那些美國元老突然在港開辦的大師班，即使舞齡太淺，根本跟不上進度，但我覺得無所謂。因為我發現聽他們說歷史，我會很感興趣。

具體歷史就不在這拋書包了。

回歸正題，因為跳舞，開始留意多了音樂的歷史、曲風隨時代的演變，進而如何影響著舞蹈的歷史進程。這種梳理文化脈絡的思維，也令我覺得其實可以套入在繪畫的媒介上。於是開始找到歷史的趣味所在。我開始喜歡思考媒介發展的脈絡及彼此間的關係，也開始懂欣賞具時代意義的作品，看作品留意多了Context。比起在中學、大學時死背藝術史應付考試好玩多了。

然後就是舞蹈本身。礙於字數，我盡量不詳述不同舞蹈各自的特性，只概括地說一下。因主要想練好Hip Hop，所以專注練習律動以及音樂性（Musicality）。然後因為覺得身體控制太鬆，發力太散，去上Popping課，而又覺得Locking與Popping是相當近的兄弟，於是就了解一番。自己也喜歡看人睇House（舞種）。在學習以上舞種期間，覺得這些東西涉及的概念，其實已經可以直接套入動畫。

學習律動直接賦予安插動畫Key Frame的Sense，因為了解完成一項動作的關鍵發力點、以及時刻。像是Locking般，更會相當強調Anticipation、Exaggeration。

上Popping課學習肌肉的微妙控制，填滿動作與動作之間的空洞，就像是填滿Key Frame間的In Between。

Locking相當多動作都講究動畫語言中的Follow through and overlapping action，像是普通的Pacing，乍看像只是舉起手打打空氣，路軌卻相當講究，做足了才會覺動作做起來和動畫般乾淨。

Ticking（Popping基本功）像是平均地移走部份In Between frames，但依然常速播放。

Animation（Popping基本功）的概念根本就源自動畫，等同調整動畫播放速度，也大玩動畫裏的 Slow in & slow out。

Funk Style舞蹈的基本律動很像動畫的Squash and stretch。

而動畫的Arcs，則是我看House會常見的東西。House的動作很具Fluidity，動作呈現圓渾軌道。

而即使不談以上種種舞蹈風格，舞蹈本身就是仰賴身體運動作為媒介的創作，需要思索肢體形態、移動、關節軌道。所以跳舞多了，畫人體也就進步很大，對動態肢體的掌控就更好了。因為那些知識不僅是透過藝用解剖學的工具書習得，而是利用自己的身體親身實踐，感受肌肉的拉扯、鬆縮、重心的變化等。

那時學跳舞，學著學著，就有一天覺得「怎麼這麼動畫呢？」然後感嘆「和繪畫連接上了！」就走去畫動畫了。

趣事：有一對法國Dancers叫Les Twins。他們在小時候看火影忍者動畫，以為火影忍者的動作都是真實可行的，所以影響他們用貌似反力學的狀態跳舞。可隨便youtube看看。

而中國藝術為我帶來的間接增進，則是源自書法。我對中國藝術的文學典故沒有多大關心，專注的是線條藝術上的事，且與我繪畫狀態之路相交得較快。相對而言，對書法的思考遠不及舞蹈。所以說短點。

除了表面上能寫出比較漂亮的字外，書法令我對於線條的節奏感變得更靈敏。寫會了書法，就看懂寺田克也、松本大洋的線條節奏。本身只欣賞典型日本動漫乾淨利落的線條，寺田克也、松本大洋的畫風當然很不同，但兩者均是筆觸不疾不徐、沉著的。看他們的畫不會覺得爽快，但一定會覺得質感豐富。這也使我的繪畫狀態不再追求快感。

道理上，感覺就像鋼鍊說的「一即全，全即一」，數學教育電視常唱的「一理通百理明」。
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台灣以文化部動員國家的力量來保存並打造台灣文化的軟實力，這點對文化領域的工作者來說絕對是一個振奮精神以及看到未來的好消息。但是，台灣政府、企業與一般大眾或多或少都還有追求效率、看CP值以及KPI來決定與判斷一個政策的有效與否。簡單來說，追求效率還是多過重視效益。對於台灣文化的軟實力來說，文化資產、文化傳統、文化創意產業、文化研究與評論等，都是不可偏廢的領域，而其中最為重要的就是人才。從過往媒體中出現的各個「台灣之光」報導，我們就可以看到台灣偏好的是「成功」的人才，而不是關注人如何被培養成為「人才」，然後如何成為「追求成功的人才」。所以，各項措施與政策要執行或規劃時就發現台灣怎麼沒有人才，然後就進一步抱怨高教體系，最後就看著其他國家的「成功」來不斷貶低或責難已經進退失據的高教體系。在各個公部門中，科技部已經是一直以來最能夠站在培養人才角度出發的單位，文化部由於事務龐雜，儘管有同樣有著人才培育的項目，但是未來應該要從認定「人間國寶」藝師，進一步到規劃出「人間國寶」的培養項目。否則，文化產業很可能就會落入有預算但是成品總是趕不上預算水準，或是有構想但是沒有人才去規劃與落實的處境。

日本這兩年熱門的動畫《鬼滅之刃》，常被網友揶揄是預算無上限的成果。反過來想，如果動畫公司、業界沒有人才去構思內容、實踐並將成果完美化，那麼有預算也不一定可以作出這部被認為是神作的動畫作品。

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在《火影忍者》、《BLEACH》、《銀魂》等大作在近年相繼完結的同時，相信有不少漫畫讀者都對後續《週刊少年Jump》端出的新作感到興致缺缺，畢竟過往經典作品的光芒太過耀眼，導致新一代Jump門柱的聲量完全無法與之相比。
不過，一個時代的結束同樣象徵著另一個時代的到來，最初誰又能想到連萬年不敗王者《ONE PIECE》在漫畫銷量上都得將榜首之位拱手讓出？答案其實已經呼之欲出，這股浪潮自然就是吾峠呼世晴於2016年啟動連載的人氣之作《鬼滅の刃》所掀起。
自2019年動畫正式播出後，《鬼滅の刃》迅速席捲全球，以竄紅一詞已經不足以概括，甚至幾乎成為了「現象級」的動漫，這樣的盛況實屬難得。但是，優秀的作品從未少過，《鬼滅の刃》何以成為其中的佼佼者？又是甚麼樣的天時地利人和共同促成？今次，趁著劇場版「無限列車篇」即將正式於日本上映，我們便就不同層面細細探討其魅力之所在。

關注作品內容本身，除了運用快節奏迅速擺脫連載之初的世界觀架構陣痛期，日漸成熟的畫風、接受度高的真實時空、符合「王道」風格的主角性格、豐富情感及戰鬥場景、幽默詼諧的對白、武器和招數系統的完善，如今回過頭看，《鬼滅の刃》似乎具備了一切少年漫畫成功的要點。

時空上選擇與近代相近的日本大正年間，此時期繼承了明治維新後的欣欣向榮，人們一方面感念明治天皇帶領日本革新的超凡精神，一方面又嚐到久違的解放自由，各種思想、文化如雨後春筍般湧出，儘管僅有短短10多年，仍可說是相當多采多姿的時代，也因為緊接著象徵戰時的昭和年間的到來，對比之下，更令大正時期在日人心中有種浪漫的氣息。

說到《鬼滅の刃》的真正成功之處，不得不提的最大功臣，自然是主導動畫系列的日本動畫製作公司ufotable，網友們總戲稱ufotable是用上了「經費之呼吸」才取得了如此巨大的成就，確實不可否認。
作為一週一集的季番動畫，照傳統來說，一集24分鐘的動畫不過用上6000張原畫，但擔綱竈門炭治郎配音的聲優花江夏樹卻透漏ufotable是「無上限」，搭配技術成熟且恰到好處的CG特效，兩者相輔相成下真正呈現了這部成為業界動畫標竿的作品。

舉例來說，竈門炭治郎初期使用的「水之呼吸」，如何呈現水流波瀾壯麗的特質，便大量參考了葛飾北齋創作的波浪浮世繪，動畫監製高橋佑馬也明確指出團隊的目標便是令觀者感受到波浪浮世繪的印象如同真實般活動。

在這方面攝影監督寺尾優一和3D監督西脇一樹便投入了大量心力，「除了電視動畫之外，在原創漫畫之中，水之呼吸皆以令人印象深刻的視覺效果繪製而成，這是這部作品的基石。那麼如何令這種呼吸法能在《鬼滅の刃》的動作畫面獨一無二？」西脇一樹使用3ds Max製作了可視化原型，經過反覆閱讀原畫後，將其與波浪浮世繪風格結合，透過CG模擬將多個試作畫面提供給導演藉此擬訂最終方向。

而在動畫26集中，同樣大獲好評的場景「無限城」之中，自然也蘊含著團隊的無數心血，為了一位下弦之六逃跑的畫面，甚至請來公司內部熟悉建築的工作人員將整個城寨模型建置出來，以此為基礎前提下透過CG技術模擬出完整畫面並逐步更動，包括增加屏風、樓梯等配置，同時每個切口的結構都有所不同，一切都為了符合「無限」的主題，最終光是這個鏡頭就製作了約30個原型。

而為了營造出失去方向感的視覺感受，負責無限城部分的寺尾優一便運用了大量CG技術打造完整3D場景，動畫中的逃跑鏡頭也與動畫師協調採一系列相機工作完成，最後由繪圖人員中將角色分鏡融入其中。

（以上引用自網頁原文）
https://everylittled.com/article/141702?fbclid=IwAR26XWYHxefj6UFm55SVvogxD9xq1TwD9cDEycPZjqx8Mpe_i1oeuUI6Kwk