譚新強：戲曲中心演唱《帝女花》之〈庵遇〉後感
文章日期：2021年8月27日

【明報專訊】好少在本欄提及我的私人生活，但今次要破例講一件非常興奮和感恩的事情。本周二，非常榮幸，竟有機會在「普樂藝會」姚志明老師領導下，與一班好同學和星光熠熠的大老倌，一齊在非常漂亮的戲曲中心演唱粵曲！

對粵曲的興趣可說來自隔代遺傳，我從未見過的祖父，在鄉下是專業唱戲的。約10年前，經過大會堂，見到「普樂藝會」的海報，我就去了報名加入。

實在慚愧，雖可說學藝多年，因為懶惰，從未學好工尺譜基本功，只是一直念口簧。後來更因工作太忙而停了近8年，最近半年才臨急抱佛腳，再次操曲狂練。但因資質實在有限，所以進度甚慢，在此實需要感謝姚老師和我邀請的年輕名花旦王潔清小姐（多才多藝，亦是編劇家），和一眾樂師及陪我唱歌的同學們的無限耐性和指導。

今次演出源出自兩年多前，在「普樂藝會」的周年晚宴上，跟姚老師聊到當時剛落成的戲曲中心，我就表示極力鼓勵和支持我們曲社去申請一個演出檔期。出口容易，但辛苦了一班好同學，開始了漫長和艱辛的籌備過程。我需要對廣大香港市民道謝，戲曲中心的建築成本高達27億元，現在我們這些票友，竟可只花10萬元不到，就租到此世界級歌劇院，非常物超所值！戲曲中心的排期當然非常長，也有一定水準要求，但絕對接受業餘團體申請，開放度和使用率，都遠高於香港單車館！

港治疫成功 演出兩延期後終成功舉行
戲曲中心的建造歷史有點坎坷，亦有點爭議性。設計出自溫哥華華人建築師譚秉榮手筆，但不幸在2016年巡視工程時突然中風去世。後來劇院的英文名字「Xiqu Centre」，也曾一度引起激烈社會辯論。戲曲中心更有點生不逢時，2019年初正式啟用，開幕不久即遇上大型社會暴亂，到了2020年更碰上沒完沒了的疫情，大大影響整個演藝界。

我們的演出也幾乎以為告吹，結果兩度延期，超過一年時間，最後能成功舉行已算幸運，實需感謝香港治疫超成功。據了解，上演西方歌劇的紐約林肯中心的室內劇院仍未重開，但從5月起，就在室外搭了10個台舉行演出，有抄襲我們搭棚上演神功戲的嫌疑呢！

粵劇在2009年已被聯合國列為人類非物質文化遺產，更是香港和所有廣東人的文化瑰寶，非常值得保存和發揚光大。我一曲走天涯，今次唱了香港人最熟悉的《帝女花》之〈庵遇〉。《帝女花》當然是任白戲寶中之戲寶，亦是唐滌生先生的四大名劇之一（其他三套為《紫釵記》、《牡丹亭驚夢》及《再世紅梅記》）。《帝女花》原劇本出自清代崑曲劇作家黃燮清，後來由唐滌生改編而成。《帝女花》的故事感人，不止受到中國人歡迎，原來早在清末已傳到日本，且長期有演出此劇（但不知是以何形式，Kabuki還是Noh？）。據說，任劍輝和白雪仙兩位，在一次日本旅行中，偶然碰到此劇演出，從而啟發他們把《帝女花》帶回來，鼓勵唐滌生先生改篇成粵劇。

如此故事是真的（如有讀者認識白雪仙女士，請幫忙印證一下），實在非常傳奇。我認為此故事可信性頗高，因為早期的粵劇其實可算頗國際化，包容性也很強。粵劇的歷史不到200年，對比超過600年歷史的崑劇不算長，最有名的明代崑劇作家湯顯祖，跟沙士比亞是同一時期的人，且同在1616年去世。最初的粵劇演出方言其實並非粵語，而是所謂的古腔官話（又稱中州話），反而較接近北方方言。現代粵劇的改革歷史更短，都是始於1920年代的，主要推手為在香港土生土長，曾就讀聖保羅書院的薛覺先先生（白雪仙的父親白駒榮亦重要）。改革包括引進大量西洋樂器如小提琴、色士風，甚至結他等等，但亦有帶入北方的鑼鼓和北派表演藝術。樂曲方面加入大量豐富旋律的小曲，有些甚至來自西方，演唱方言改為主要粵語，男角從高八度音的子喉改為平喉（感激），亦開始容許女性參與演出，毋須全部女角用男生反串。薛覺先的劇團，也培養了多位著名劇作家，包括南海十三郎和稍後期的唐滌生等。

其實這批早期粵劇改革者都頗西化，不止薛覺先念番書，南海十三郎更曾是港大醫科生，唐滌生原名唐康年，滌生只是他英文名Dickson的譯音名字！唐滌生曾在非常洋化的上海讀書，除編劇，其他興趣包括畫西洋水彩畫和看荷李活電影。他們這批人的創作靈感來自全世界，並無特別國家和文化界限。當年粵劇流行地域非常廣，除粵、港、澳為中心點外，南洋以至北美和歐洲華僑，都以廣東人居多，所以各大老倌經常到全世界演出。李小龍爸爸李海泉為粵劇名伶，正因在1940年去了美國演出和避戰亂，李小龍才會出生於三藩市。

改革粵劇四大建議 助傳承創新
其實粵劇在今天的香港和廣東仍頗流行，我參與了之後才發現有那麼多的志同道合人士。除年紀較長人士外，喜見原來也有不少年輕的專業粵劇表演者和樂師，演藝學院和八和會館更是功不可沒。最近發現有些大老倌，甚至有專門開班教導只幾歲大的小朋友！

任何文化藝術都必須有生命，有傳承和創新，粵劇也當然不例外，需要更多新的好劇作。讓我大膽提出數個繼續改革的建議：

1.傳統曲牌如《秋江月》和《妝台秋思》等固然好聽，但我認為不應不停翻用。我建議每齣劇都必須創造一些新的樂曲。情况如百老匯劇一樣，無論Phantom of the Opera和Cats的歌曲有多好聽，Andrew Llyod Weber是不會翻用這些旋律的。但我的意思並非完全放棄非常優美的中樂pentatonic scale（五聲音階）和較簡單的harmony（和聲），其實我反覺得模仿交響樂團的現代中樂團有點不倫不類。但在中樂的音律基礎上，應該也有大量創作空間。

2.我絕對覺得中國戲曲的藝術性高於傳統西方歌劇，因為包含唱、念、做、打，絕非如西方歌劇般，主要演員只懂行來行去唱歌。所以我認為未來的粵劇應提升舞蹈、做手，以及我的至愛北派的佔比和重要性，給予觀眾更多的視覺享受。當然服裝、化妝、燈光和舞台設計亦非常重要。

3.現代人的生活習慣網上化和碎片化，是無法否認的事實。因此無論傳統粵劇藝術家多麽喜歡四小時長的現場舞台表演，我認為必須縮短表演時間至約兩小時，甚至編寫一些更短的劇目（不一定是折子戲）。近日我發現在疫情期間，八和拍製了一系列介紹粵劇各方面藝術的短視頻，是個非常好的計劃。但我認為連正式粵劇表演也應大量放到網上做推廣，粵劇的整個商業模式都需要重新考慮，從只靠現場門票、票友和政府資助，加上新的網上流量和收費模式。

4.最重要的是，中國包括香港，需要盡快開關，重啟正常的人民、文化藝術、學術、生意和外交旅遊。封關愈久，中國與全世界的隔膜愈加嚴重，加上中國互聯網並非完全開放，本已在惡化的美中關係，在切斷絕大部分實體交往後，情况變得更差，甚至更危險。

內地近月政策 似墮圍城受困心態
除此，一如我數月前的警告，中國切忌因封關而墮進圍城受困心態。近日所見的一些政策，就不幸有此味道。我再次提醒，不可因一棵樹而放棄整個森林，必須鼓勵中國企業（和人民幣），包括互聯網平台企業，盡快衝出國際。說什麼不想超越美國，只想超越自己，聽來有點道理，但其實誤解了中國互聯網企業需要走出國門的真正原因。互聯網就是最強大的新媒體，如中國全面放棄全球競爭，美國互聯網巨頭，更將長期壟斷全球傳媒和大部分人的腦袋，他們對世界的認知都是經過美國傳媒的五稜鏡。美國擁有絕對性的媒體控制，再加上中國無意放開資本帳，提升人民幣地位，所以才能支持美國無道的長期QE和其他不合理貨幣和財政政策。換作沒有超級傳媒控制權的古羅馬帝國，如此誇張的印鈔，可能早已引發金融危機！然後有了無限的印鈔權，才可負擔更誇張和極端的「9 Power Standard」軍事開支！

粵劇界只是整個社會的極小一份子，但亦是一個縮影。明年我們曲社又訂了戲曲中心作三場表演，老師幫我約了全中國最有名的花旦之一蔣文端女士與我合作。我誠惶誠恐，但當然非常興奮，只期望早日通關，明年能夠成功演出！

如能與全世界恢復通關，我甚至夢想我們曲社能遠征歐洲，在維也納黄金音樂廳（Goldener Saal Wiener Musikvereins）演唱中國粵曲！

中環資產投資行政總裁
[譚新強 中環新譚]

人類學的重要思考方式之一是挑戰我們心中的刻板印象，並且反思其對於整體世界運作的影響。提起古典音樂演奏藝術家，我們心中自然泛起的印象是不是自金髮碧眼的歐美男性或女性，如果是你也是如此，那麼可以想像在歐美的亞裔藝術家面臨的挑戰有多沒艱鉅。

這篇來自NY Times的文章，介紹了歐美古典音樂界亞裔藝術家們所面臨的種種挑戰，這也帶我們反思刻板印象如何影響了今日藝術領域，或是整個社會的運作。

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長期以來，亞裔藝術家一直是種族主義言論和詆毀的針對對象，這至少可以追溯到上世紀六七十年代，當時日本、韓國和東亞其他地區的音樂家開始移居美國學習和演出。《時代》週刊1967年的一篇題為《來自東方的入侵》的報導折射出了那個時代的思潮。

「弦樂器很適合東方人的肢體：他們靈活的手指精通於雅緻的書法和其他手藝，很容易就能上指板，」那篇文章寫道。

隨著時間推移，亞裔藝術家在管弦樂團和音樂會舞台上得以立足。根據美國交響樂團聯盟(League of American Orchestras)的數據，截至2014年（有數據可查的最後一年），亞裔音樂家在大型樂團中所佔比例約為9%；亞裔在美國所佔人口比例約為6%。在紐約愛樂樂團(New York Philharmonic)等知名樂團，這個數字甚至更高：該樂團如今有三分之一的成員都是亞裔。（歐洲情況往往不同：例如倫敦交響樂團[London Symphony Orchestra]的82位樂手中只有三人是亞洲血統，佔比不到4%，而倫敦亞裔人口比例超過18%。）

然而，對亞裔藝術家的種族主義描述依然存在。有些人被樂團指揮告知，他們看起來像計算機工程師，而不是古典音樂家。另一些人則被遴選委員會稱為過於柔弱年輕，不值得嚴肅考慮。還有一些人被告知，他們的名字太陌生，難以發音或記住。

「你被當作一個機器人給否定掉了，」洛杉磯愛樂樂團(Los Angeles Philharmonic)副首席小提琴手樽元亞希子（Akiko Tarumoto，音）說。

現年44歲的樽元是日裔美國人，她說洛杉磯愛樂樂團裡的亞裔音樂家有時會被誤認，而在別的樂團，她還曾聽到同行音樂家會把新成員簡單地稱為「中國女孩」。

著名獨奏音樂家試圖顛覆這些刻板印象。郎朗曾說過，他選擇充滿激情的表現風格，某種程度上可能也是對亞洲人冷漠保守印象的反應。

（以上引用網頁原文）

引用網址：https://cn.nytimes.com/culture/20210727/asians-classical-music/zh-hant/

「不僅僅是打戰，
在戰後的重建與交流
讓這世界得以繼續發展下去」

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Very Rare~ 50s Vintage Souvenir Jacket- The Seventh Army Symphony Orchestra
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有些vintage不是需要被穿上，是因為光是看著它，那些讓人感動的背後故事便會在腦中浮現，每個時代的崩解與重建，需要一些鏈結與力量
正如胸前這個patch 與背後的刺繡地圖代表著怎樣的歷史意義。

戰爭的毀滅殺戮帶來的苦難深重
讓人想起1917這部電影裡，一幕是當時帶著重要信件往前線的主角逃到其中一個軍團，聽見了那渾厚的歌聲,是其中的一名士兵唱著歌來撫慰大家
無論是畫面與聲音都令人動容。
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而The Seventh Army Symphony Orchestra
正是一個歷史上唯一隸屬於陸軍創建下的交響樂團
在二戰後，歐洲滿目瘡痍，美國在歐洲司令部（EUCOM)1952年，由Samuel Adler創建了這支交響樂軍團總部設在Stuttgart。
主要目的在促進美歐之間的文化發展，當時的士兵在50-60年代入伍，也同時在音樂上有專業表演，這十年間巡迴於西德、丹麥、法國、希臘、義大利、英國等地，Samuel Adler將古典樂併入，主要演奏像是貝多芬與布拉姆斯等作曲家作品，也將美國知名作曲家像是Roy Harris、Leroy Anderson
等分享給歐洲人民來促進文化交流。
十年間，參與了許多重要演出，1958年在世界博覽會上也有演出，因此Samuel Adler也得到了特別優秀獎。
隨著50年代末期，歐洲漸漸復興與重建，不再需要樂團的演出，而在1962年結束不再招募。
但這樂團被當時稱為"greatest thing for American-German relations"

桃園電影節公布片單 精選「大手牽小手」等5部闔家觀賞電影
以「愛」出發 幽默溫馨 不同角度看世界
瑞莎力推：沒有任何事比愛的力量還要大　愛可以度過所有問題　　

桃園電影節公布「大手牽小手」片單，精選5部適合闔家觀賞的電影作品，皆以「愛」為出發點，親子觀影也能感受到滿滿暖心。影展正式開幕前，10/3在國泰置地廣場戶外電影院播映以棒球與親情為題的熱血電影《棒球英雄小聯盟》。影展大使瑞莎主動挑選出推薦片單，包括動保議題的開幕片《十二夜2：回到第零天》，以及「大手牽小手」單元中的《小小的回家願望》、《弟弟追著恐龍跑》瑞莎：沒有任何事比愛的力量還要大　愛可以度過所有問題。

瑞莎11年前以烏克蘭人身分來台發展，近年來升格幸福媽咪，償投身於台灣韻律體操訓練，以愛與溫暖為出發點的「大手牽小手」片單，讓她格外有感，包括來自奧地利的《小小的回家願望》，以孩童角度描繪車臣難民的現實生活，時而幽默、時而溫馨；《弟弟追著恐龍跑》中，患有唐氏症的弟弟，如何以獨特觀點教會哥哥用不同角度看世界。《小小的回家願望》 (2).jpg瑞莎表示：「看完《小小的回家願望》，覺得自己的問題都不是問題，在疫情時期特別適合給大家看，我們必須堅持，沒有可以比愛的力量還要大，我也很喜歡《弟弟追著恐龍跑》，我們每個人多少都有特別的地方，但『愛』可以度過所有問題，這兩部很有愛的電影，推薦給大家。」

身為影展大使的瑞莎，這次也盡責地化身催票大使，聽到桃園電影節票價，笑喊：「謝謝桃園有這麼棒的活動，一張票才70塊，大家趕快去買票，我真的不敢相信，我可以全部票買下來嗎？」

來自奧地利的《小小的回家願望》，改編自Monika HELFER的同名小說，描述8歲奧斯卡、13歲姊姊莉莉跟母親相依為命，身為車臣難民的他們，因媽媽自殺未遂被送進醫院，兩個孩子雖不用遣返，但必須透過政府暫時安置，安排到不同的寄養家庭生活。天真的孩子們一心想要回到媽媽的身邊，用盡各種方式打聽媽媽的下落，希望用他們的愛以及溫暖的話語，克服一切障礙，讓一家人團圓。導演阿拉什．里耶長期關注難民議題，這次改以孩子的角度描繪，兩位童星的精彩演出令人驚艷。

《弟弟追著恐龍跑》描述小時候的傑克相信父母所說，覺得患有唐氏症的弟弟傑歐，有如漫畫裡的超級英雄，然而長大後的傑克，卻對弟弟感到丟臉，對外假裝自己沒有弟弟，也不敢喜歡的女孩面前承認。本片改編自賈柯莫‧馬札里歐(Giacomo MAZZARIOL)的暢銷同名自傳小說，故事真實描述比他多了一對染色體的「特別」弟弟，降臨到他的世界，他曾說：「我花了12年才學會用我弟弟的眼睛看世界，我真心覺得，那個世界還不賴。」幽默溫馨風格拿下2020年義大利電影金像獎大衛青年獎、歐洲電影獎青年觀眾票選獎，並獲得義大利銀緞帶獎最佳新人導演提名。

《哈囉世界，我來了》結合紙雕、攝影及2D繪圖而成的逐格動畫，白斑狗魚希望成為水底之王；幼小的蜻蜓學習如何保護自己；火蠑螈則想離開水面透透氣，動物們在美麗的大自然中是生命共同體，也努力著追逐牠們自己的夢想。片中製作超過110隻動物模型，共有76種動物，43種植物、4種菇類，所有模型皆以古董書的紙張所做成。「透過此動畫，我們試著理解每個動物的世界觀，並開始學習多元觀點。靜靜觀賞著大自然，拋開成見與刻板印象，超越所有生物階層意識，虛心接納成為世界的一份子，熱愛生命。」

《彼得與狼》以真人動畫影片方式呈現，描述彼得如何在其他動物朋友的幫忙下智取大灰狼的故事，巧妙融合現場音樂和動畫，又充滿文字設計和編排的藝術趣味，於2014年獲金玫瑰獎最佳美術獎項肯定。片中也邀請義大利籍指揮家丹尼爾．加蒂(Daniele GATTI)帶領法國國家交響樂團實景演出，丹尼爾．加蒂現任馬勒室內樂團藝術顧問。

短片《動物狂歡節》則描述每天晚上，父親都會講睡前故事幫助兒子入睡，孩子總是選擇有點嚴肅，有音符、管弦樂隊照片和動物圖畫的《動物狂歡節》。看似簡單的故事，經過父子兩人想像力變得生動，搭配樂團的現場演奏，一個個動物有了自己的出場主題曲。音樂具體化動物的形象，讓整部影片鮮活動人。

2020桃園電影節將10月9日到 10月23日舉行，共規劃7大單元、超過75部國內外精采好片輪番上陣，更多影展訊息請密切關注桃園電影節官方網站(http://tyff.taoyuancf.org.tw/)和Facebook粉絲頁(https://www.facebook.com/taoyuanff/)



文章

演奏：奧地利維也納愛樂樂團　　 Play： Wiener Philharmoniker 　　
指揮：（印度）祖賓•梅塔 　　 Conductor： Mr.Zubin Mehta
1.（法）喬治•比才 － 卡門序曲 Georges Bizet - Carmen Suit
2.（美）約翰•菲力浦•蘇薩 － 永遠的忠誠 John Philip Sousa - Semper Fidelis
3.（美）約翰•菲力浦•蘇薩－星條旗永遠飄揚 John Philip Sousa -The Stars and Strips Forever
4.（奧）小約瑟夫•赫爾梅斯貝格 － 魔鬼音程之舞 Josef Hellmesberger – Danse Diabolique
5.（奧）約翰•施特勞斯 － 閒聊波爾卡 Johann Strauss - Tritsch-Tratsch-Polka
1:- Carmen Suit-1873年初，比才開始歌劇《卡門》的寫作，《卡門》取材於梅裡美的同名小說，1875年3月3日在巴黎喜歌劇院首演，慘遭失敗。當代人對他的作品中“大膽的現實主義和赤裸的情感感到震驚和受到冒犯”，指責這是一部“淫穢的作品”，“音樂不知所云”。據說他曾為此整夜痛苦地在巴黎的街道上徘徊。但《卡門》卻受到了同時代的聖-桑、柴科夫斯基以及後輩德彪西的讚揚，前面兩位預言“十年之後，將成為世界上最受歡迎的一部歌劇”。然而，比才未能等到這一天，僅三個月後的1875年6月3日，他即因抑鬱在布日瓦勒逝世，年僅37歲。五年之後，《卡門》再度在巴黎上演，獲得了極大轟動。
2-3:- 約翰•菲力浦•蘇薩（英語：John Philip Sousa，1854年11月6日－1932年3月6日）是浪漫主義時代後期的一位美國作曲家及指揮家，主要的作品是美國軍旅及愛國進行曲，他亦因此而享負盛名。在大約1890年，有英國雜誌把精於創作進行曲的蘇薩稱為「進行曲之王」，蘇薩的音樂出版商亦採用這個綽號推廣他的音樂，自此「進行曲之王」就變得家傳戶曉[1]。蘇薩最著名的進行曲包括《自由之鐘進行曲》、《雷神進行曲》、《華盛頓郵報進行曲》、《忠誠進行曲》（美國海軍陸戰隊進行曲）及《星條旗永不落》（美國國家進行曲）。
4:-約瑟夫•赫爾梅斯伯格（Joseph Hellmesberger，1855）奧地利天才的小提琴大師，出色的作曲家和指揮家。其父為小提琴家和樂團指揮。黑爾梅斯伯格年少時從父學小提琴；1875年成為父親的赫爾梅斯伯格四重奏樂團成員，1887年成為該四重奏樂團團長。1878年任維也納音樂院教授。1901年至1903年任維也納交響樂團總指揮。在他眾多的作品中，給人印象最深的就是這首充滿神秘色彩的《魔鬼音程之舞》
5:- 閒聊波爾卡（德語：Tritsch-Tratsch-Polka, Op. 214）有時也稱為《嘰嘰喳喳波爾卡》，小約翰•施特勞斯作於1858年，同年在俄國彼得堡的近郊首次演出。這是一首舞曲小品，有聲有色地表現了婦女們嚷著笑著和愉快地閒聊的情景，是作者的波爾卡舞曲中較為流行的一首。