當代音樂再合理不過的做法 華語音樂別再排擠編曲了💩

這陣子因為著作權修法的緣故，圈內開始熱烈的討論詞曲版權這題，很開心聽到很多創作人開始交流這一塊資訊～而這兩天大家交換了很多想法，特別是傳統音樂工業裡製作端的編曲人該分多少比例的版稅這題，我也提出我的看法。

首先聲明兩個大前提：
1.強如美國/韓國流行音樂，版權基本上沒有分什麼寫人唱的主旋律 或 編曲搞伴奏的差別，概念上都是叫作曲。
2.個人認為”詞曲版權” (以下將以”音樂版權”代替) 實際上是在demo這個”錄音著作”完成當下發生的。而demo錄音著作(母帶，也就是你過出來的那個mp3) 本身是有價值的！

全世界 (除了華語市場以外) 的詞曲授權基本上是沒有預付的，但是有所謂的song fee (production fee)，意思是”買”這個demo母帶的費用...很意外吧？在台灣傳統音樂工業裡基本上不會有人告訴你，其實demo母帶本身是有價值的！但前提是你的demo品質必須屌、必須做到接近可發行的品質，不然國外的A&R是不會買你的歌的。
建立在這個前提之上，其實我大膽的說，流行唱片工業其實是不太需要”事後(創作)編曲家”的！以台灣傳統音樂工業目前的遊戲規則來看，編曲其實就是一個錄音的工，就像樂器dubbing、和聲、混音一樣，是幫唱片公司提供協助完成可發行的”錄音著作”的工(而且是買斷)；就算有唱片公司願意分版稅給這些參與製作端的辛苦音樂家們，也該從”錄音版稅”去分而不是”音樂版稅”。

看到這裡一定有很多圈內人不服氣了，因為實務上不論是編曲、樂器dubbing、和聲甚至混音，我們都”不得不”提供很多實質上”創作”的部份，尤其是編曲家們從拿到單調到幾乎只有主旋律的demo到完成整首歌的編曲，提供的實質創作內容絕對值得算上”音樂版權”的一份。沒錯，任何一位流行唱片界的編曲家絕對都擁有創作能力，編曲作品也值得share到音樂版權，但你必須在”創作端”就得進場。

這裡”創作端”是指參與demo母帶製作的階段，基本上一首demo的production其實就跟正式的production沒什麼兩樣，作者們是相當需要投入成本的 (大部份是時間與電費、咖啡零食等費用)，且完成一首demo之後要進行推歌，直到歌曲賣出之前”不會有任何收入”，這就是創作端的音樂人必須承擔的風險。而老外行之有年的做法就是team work，一首demo的製作不會只有做主旋律的人跟詞人，一定也會有歌手 & Tracker(也就是Producer)，甚至成員裡也會包含單純只做Engineering的人；一首歌的完成需要多少人要看情況，比例就依參與的作者們協調好 (也有些參與作者實際上只收fee不拿比例掛名，談好便行) 但肯定的是老外做demo基本上是當一個正式的production在做，所以詞/曲/編曲/錄音/混音各層面都得顧及，這樣才能提升歌曲的競爭力。就以目前競爭非常激烈的韓國音樂市場，主流唱片公司的收歌A&R也都是特別嚴格，demo本身不夠屌的話，就算只是混音差強人意都有可能導致歌曲落選～

如果用這個標準來看台灣早期流通的那些demo, 嚴格說來那些demo都只能算是半成品 — 這在傳統情歌上或許是ok的，但如果一把木吉他＋vocal的demo跟我說這是舞曲，全世界能生產出超屌舞曲的寫歌團隊可都不是這樣搞的好嗎。

早期台灣傳統音樂工業在收歌階段基本上只需要收到好的詞/曲，對歌曲其它部份幾乎都是在製作端用同一套SOP在處理 — 這造就了一段華語流行音樂的盛世(特別是情歌)，但只有這套SOP也讓現在的音樂工業跌至谷底。現今的流行音樂是相當多元的，不可否認情歌在華語音樂裡還是佔最大宗，但其它曲風的歌曲用這套過時的SOP是不可能做得好的！情歌以外的曲風，Track的原創性、獨特性、器樂旋律與音色都非常大的程度影響歌曲的成功度，尤其是廣義的電子舞曲。所以，這就是為什麼外國歌幾乎都是co-write，自幹王是非常稀有的。

回到正題，對於身處目前傳統音樂工業的編曲人而言，與其改變環境不如改變自己，如果真的很在乎版稅，就應該規劃一下音樂事業比重，開始參與創作端的製作。之所以老外賣歌一定會收song fee就是要用來支付demo製作過程產生的所有費用(當然也包含demo的編曲)，這就是我一開始所指的”demo母帶本身是有價值的”這件事。

當然，台灣的唱片環境才剛開始蘊釀跟進這種比較global的做法，其中也會牽扯到一些唱片圈生態政治利益分配的問題。但只要demo能做到頂尖水準，基本上production fee (台灣目前大部份公司的認知是俗稱的”綁編”) 是相當有機會爭取到的。至於應該是多少錢，據我所知的range大約在2000~20000美金都有，不過實際上的工作內容不見得只有編曲的部份，廣義的Tracker其實是包含整個製作的工作 (總之由該曲的trackers自行協調分配)。若以Kpop的運作方式，通常就是歌曲tracker跟唱片公司in-house製作人協調分工與費用即可。

我也能理解有些圈內人覺得我說的某部份太過理想化，但我只能說這些事情其實都已正在發生。只不過站在編曲人的角度，因為已經很習慣了”接案->編曲(創作)->收錢”這樣的工作模式，剛開始參與創作端可能會有些不適應 (常常覺得做白工) — 因為一首demo完成到賣出，快可以很快，慢可能要等到10年後才賣出都有可能。

回應小李老師 Eriky Lee 的話題，我覺得基於曲風的不同，在”創作端”實際參與的 作曲(主旋律)/作詞/編曲(器樂創作) 比例有可能大相逕庭 — 比如說傳統情歌，幾乎都是著重在主旋律跟曲；而舞曲則絕大多數例子是編曲最重要。成功的”原創性編曲”絕對不是找hit songs來抄幾個音色改幾個音那麼簡單而已，甚至很多舞曲最hook的地方都是drop段落的器樂；而這類舞曲的作詞比例依一般國際慣例大概落在12.5%~20%

我建議可以有幾個原則如下 (以原作者們共擁有100%計算)：
1. 把作曲(主旋律)/作詞/編曲(器樂) 三等分當作原則，視曲風作適當比例調整
2.若有實務上的必要 (比如已知pitch對象會另外邀詞/比稿) 則預留一個比例給詞人 (目前幾乎是50%，其實應該要降低，詞人們請不要公幹我)
3.若有實務上的必要，也可share部份比例給未來製作端的編曲人
4.若有純engineer類作者進場且願意不預先拿fee, 則應share一部份比例

另外回應 滾哥 于滾滾 的論點，個人覺得 版稅比例&工錢 其實是得一起整體考慮的，硬要說的話只能說原罪來自傳統工業的遊戲規則 — 對於唱片公司立場而言，歌曲授權費與製作費本都是整體預算的一部份，
而取得demo的錄音著作費用 (song fee) 本就該算是製作費的一環 (至少涵蓋編曲成本)，如果台灣音樂人的demo能夠做到全球該有的水準，且不因不合時宜的遊戲規則而勉強自己做不是最適合自己的工，讓創作端與製作端更緊密結合，才能讓優秀的音樂人得以溫飽生存。反觀現況，很多歌曲從製作端開始直到做完，作者都不一定跟製作端的人有機會做任何的交流。

大家身邊有只靠寫歌就能靠版稅過活的朋友嗎？(入行超過20年的大前輩們不算)
就連寫出小幸運這麼賣座的歌的作者都得靠著不斷接製作/編曲案才能活下去，你說呢？

ps.以上所言都跟需不需修著作權法沒有關聯，只是對關心版權的編曲人/作者提供一個基於現況可以執行的方案。

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