2021 《鏡水樓台》Gazebo and the Water Mirror
#展覽預告

人們透過模仿，習得社會所運行的資訊系統，大腦不斷地學習、接收並四處傳播，資訊都會因有其用處而得以順利保留，成為熟知的文化現象，因此可以立即指認某些符號或概念，快速進入世界的系統。

現今網路迷因(meme)不僅是廣傳在網路上的梗圖，還泛指文化透過模仿的方式，成為訊息傳遞的機制，這些訊息快速的連結、不斷地混種、適應、變形，彼此相互吸引、結合共存，連結成新的訊息結合體。有趣的是它未必有其垂直式的文化脈絡，而是某種發散式的「水平式文化拼接」，發展出脈絡上的跳躍與斷裂，呈現社會與文化現象的存續與擴散。

藝術家在不斷接收網路虛擬空間中流通的文化後，將抽象之記憶形象化，成為某種真實的檔案或外裝的記憶，爾後又再度回到了虛擬(展場)，再次將技術、真理及意義之間的定義不斷翻轉，讓現實主體轉成虛擬之物，重新調換了先與後、真與假、符象與實質之間的關係，讓虛擬成為另一種現實。

本次線上展覽，將與「台灣當代一年展」及由台灣民間所發起，響應世界博覽會的虛擬場館「群眾的國家館」共同合作。「鏡水樓台」透過網路，讓位在一片汪洋海面上，橫豎通直的跨海公路中的三座精美美術館，同時呈現在台灣及杜拜，還有可以自由進入虛擬現場的全球觀眾眼前。它像是透過影像紀錄下曾真實存在的現場，然，當現實與虛擬之間的邊界模糊後，人是否存在於真實已不再重要，破除了現實所限制的框架，其中「水平式的文化拼接」更是某種突破框架之動力，讓訊息或原初即存在的慾望找出新的道路，重新連結成新的隱喻出口。

儘管脈絡並非清楚絕對，依然可見其混雜的摺痕中原初慾望的核心。
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■ 展覽資訊
台灣當代一年展 Taiwan Annual
展期：2021 年 10 月 09 日（六）- 10 月 31 日（日）
開幕 / 閉幕 : 10 月 09 日（六）/ 10 月 23 日（六）
瞭解更多：https://www.facebook.com/tw.annual

「群眾的國家館：我們的世博」
展期：2021 年 10 月 09 日（六）- 10 月 31 日（日）
瞭解更多： https://www.netizenpavilion.info/

#蔡昌豈 #吳柏賢 #陳昱凱 #傅寧 #蔡尚孚 #蔡傑 #羅悅慈 #鏡水樓台 #Gazebo_and_the_Water_Mirror #2021台灣當代一年展 #2021Taiwan_Annual #一年培力 #pavilionchallenge #自己的國家館自己蓋 #重新定義世博

#展覽評論 #吳其育 #封閉世界的設定集
吳其育2021年在 #立方計劃空間個展「封閉世界的設定集」下檔的前一天，兩場當代藝術講座不約而同地提到「 #封閉世界」的概念。這些引用都有互文依據：熱力學第二定律定義了「 #熵值
在封閉系統中增加，在開放系統裡能被減少（負熵）」，而冷戰可以說是吳其育發展「封閉世界」概念的來源之一，也就是置於展場的保羅．N．愛德華茲（Paul N. Edwards）同名書籍《The Closed World》，探討美國冷戰時期裡的科技發展論述如何支持封閉社會裡的政治運作。

生者與死者，全然無動於衷
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#達米恩赫斯特的藝術作品 #鯊魚 #專欄

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1992年，此時倫敦的薩奇美術館正舉辦著青年藝術家節的作品，其中所展示的一個裝置藝術，隨即引起了眾多觀眾群的哄動。
在一個玻璃櫃中，竟然有一條長4.2公尺，被切成三等份的鼬鯊，浸泡在被水稀釋的甲醛溶液裡。

這個前所未見的作品名為《生者對死者無動於衷》，是英國藝術家達米恩·赫斯特（Damien Hirst）最具知名度的作品，並直面帶給觀眾「死亡」的震撼，除了令觀眾開始探討生命在生與死的主軸外，在當代藝術具有非常重大的價值。

不過，此作品日後卻取得相當兩極的評價，並引發一場長年間的巨大爭論。
至於該作品誕生的根因，則要讓我們先追溯其背景時代講起：

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20世紀末期是諸多現代藝術崛起的年代，雖然保育觀念尚未全面盛行，但是已經出現提倡多元議題等國際時事的趨勢，此外在各項領域中的『後概念』藝術也極度發展，並影響了各國青年藝術家的發展，其中也包含了YBAs，他們是來自英國、1988年成立的視覺藝術家團體。

YBAs的成員們皆來自倫敦大學金匠學院與皇家藝術學院，除了赫斯特外，還包含翠西·艾敏（Tracey Emin）、安雅·加拉喬（Anya Gallaccio）、查普曼兄弟（Jake and Dinos Chapman）等人。他們所提倡的概念為「震撼戰術」，希望能藉由大膽和荒誕的畫面刺激觀眾的感官，引發的潮流也振興了在倫敦等地的當代商業畫廊，令世人開始重視這些新興的藝術家。

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赫斯特早年有著不順遂的人生，也曾一度沉迷於毒品與酒精過，然而憑藉著對藝術的執著與見解，他後將過去的求學經驗、在太平間兼職的工作經歷、對於病理學的喜愛轉化成作品的媒介
也開始大膽使用動物、昆蟲等生物，將其屍體浸泡在甲醛溶液製作成作品。
1991年，赫斯特因認為鯊魚帶有「強大得令人生畏」的氣場，聘請了一名澳洲漁民從赫維灣捕捉一條鼬鯊，耗資約6000英鎊製作《生死》這個作品。
想當然，這種將「生命體藝術化」的表現，特別以動物的特徵訴諸令人不安的意象；除了擺脫藝術原有的形式框架，更拓寬了當代藝術原有的定義，邁向更前衛的體制突破。
評論界對《生死》思想的隱喻充滿著盛譽，也令赫斯特成就在日後奠定了基礎，更在1995年的英國當代藝術大獎榮獲了特納獎。
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隨著赫斯特後續製作的一系列作品，包含以兩隻乳牛做成的《母子分離》一顆牛頭構成的《腓力》等，雖觀眾接受的價值觀亦比過往提升不少，然而各界的撻伐卻依然未有停止的狀況
包含部分評論家、動物權益組織、人道團隊等，也對赫斯特的作品抱持的負面評論。

反對者的主張認為：

•「赫斯特以不友善的方式『殺害稀有的鯊魚』作為藝術品，除了踐踏生物且忽視保育觀念，該作品甚至含有非常濃厚的商業操作，因此《生死》的評價實為過譽。」

更具爭議的事，隨著時間日復一日的流逝，《生死》的作品也漸漸損壞，其中甲醛的變質使鯊魚身體開始有腐爛的跡象，最終赫斯特於2006年更換一條從昆士蘭海岸附近被捕的鯊魚。
對於多次修繕與各界的議紛，赫斯特則認為鯊魚的腐爛：「是死亡與腐朽的過程。」
並進一步表示：「作為一個概念藝術家，我覺得作品仍舊是想表達出同樣的含意和價值。」

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2004年，《生死》以1200萬美元的價格賣出，是至今當代藝術第二昂貴的成交品。
如同多數藝術家一樣，赫斯特本身就是一位具有爭議行為的人物，也曾多次抄襲而受到質疑，其龐大的影響力到至今也影響著此刻他的人生，同時也有嘗試做出其他不同調性的藝術品，如以日常素材構成的《對逃亡的後天無能》。

至於探討本有其存在價值的「生命」本身，在赫斯特透過藝術品的型式擺佈，到漸漸消逝的關鍵問題似乎也還是未解。
對於您本身的話，對於《生死》的感觸又會是如何呢？

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#話說明天大學開學我真的好害怕未來會過度忙碌課業而人間蒸發
#每次看到喜歡的畫師因課業因素突然消失就好難過
#留言收本次參考資料和赫斯特其他的作品

本集主題：「寫給Alaska 的」介紹

訪問作者：陳乙緁

內容簡介
以跨越時空的旅遊概念，重新想像各種關於生命
失去，與愛的詩與散文。

　　散文以阿拉斯加為一個空間和意象，指涉一種遙遠的過去，已故，失去的人事物。文字在詩與散文間，寒冷的意象與炙熱的溫度間協調，生命中的瞬間與永恆中互轉，千百種愛的絮語寫給每一個還在尋找永恆的人。全文以五個章節貫穿：自然、空間、臉譜、神話、敘事，綿密交織。自然的章節中，在四季，與各種自然景觀中做各種情與景的對話與想像。空間則結合了實際建築，場景，抽象的畫框，與圖書館，由抽象的概念探討美學，生死等人生議題，及創造實驗劇場式場景的故事。臉譜紀錄，平凡日常中的人物側寫，從最親的親人，到街頭藝人。神話的章節中，文字結合寫實與神話故事，敘事的章節則以圖像，意象，散文，詩，劇情去實踐各種敘事學的可能性。

　　以旅人的心境，描繪人生途中不同時空與階段下各式風景，或過去，或未來，或異地，或故鄉。文中探討失去，死亡，和愛情在生命中與存在的意義。愛情可以如龍捲風般，偶遇可以在雪地，戀人在月光下卻幻做一隻貓，人魚成了走不進禮堂的新娘，從中世紀古老建築到博物館畫框，從舞曲到焦糖瑪奇朵，文中不斷協調的是對遠方的思念，與人我間情感的距離，一如小步舞曲。主詞是祂你我他她牠它，走在人生中不同季節，透過對自然觀察、旅行、文學、美術、舞蹈、音樂、詩歌和神話的描繪下，重新對生命，愛與追尋重新思考與定義。

　　篇章是瞬間，亦為永恆，有遺憾，卻留有更多的空白，魔法和愛。透過文字，冰山融化了，瀰漫在空氣中的是一如紫丁香般的記憶，香草般的歡喜，與藝術與文學對生命美的啟發。因為書寫，所以，愛存在。

作者簡介：陳乙緁
　　喜愛旅遊、閱讀、美食、戲劇、表演藝術、跨文化議題。於美國印第安納大學取得比較文學博士後於愛荷華古寧學院及馬里蘭聖瑪麗學院任教，以及於華府的Liberty Language Services擔任口譯。文章散見於《世界日報》和《華府每日新聞》，並於2016年出版《記憶零度C》散文集。

作者粉絲頁： Claire Chen 陳乙緁

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#promo
　
2500 年前，畢達哥拉斯率先提出了「黃金比例」的概念，利用尺規作圖、準確分割，製作出了正港的「正五角星」，並奉其為美與和諧的比例；數百年後，幾何學之父歐幾里德在《幾何原本》中，正式提出了黃金比例的定義，運算、四捨五入後大約是 1.618。
　
直到現代，許多產業與藝術品仍視黃金比例為重要參考指標，同時也深深影響著我們對於「美」的看法……不僅如此，連螢幕都能加入「黃金比例」的概念，以 16：10 的比例打造，增加 11% 的可視空間！
　
※ 本動畫由 微星科技 委託，泛科學企劃執行 ※
　
延伸閱讀：
黃金比例訓練你的美感
https://pansci.asia/archives/50814
想泡出黃金比例的超美味 Espresso？讓我們翻開覆蓋的數學模型！
https://pansci.asia/archives/182800

【認真玩】2020台北雙年展 | 嚴肅的玩笑 |《你我不住在同一個星球》// 李長潔
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前往2020台北雙年展，台北的天空陰冷，以《你我不住在同一個星球》（You and I Don't Live on the Same Planet）為主題的北美館，並沒有明顯的國際性藝術大展的氣氛，灰白色的天空與牆面，灰白色的大廳與主視覺，一切像是某種策略性的低調，迫使著「台灣人」體驗著在「全球」疫情爆炸時，還能舉辦藝術大展的那種奢華。甚至懷疑，這雙年展，是不是策展人Bruno Latour的一個嚴肅的玩笑。
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▓ #知識論的改革實驗及其展演
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Bruno Latour，當代重要的人類學家、哲學家、社會學家，70年代後期開始，根據科技與社會的交纏關係，展開整個人類智識知識論的規劃，提出行動者網絡理論，重新思考啟蒙時代以來的人文主義，甚至是「有人以來」的人類主義，重新納入多重行動者的視域與軌跡，試圖在《實驗室生活》、《科學在行動》、《巴斯德的實驗室》、《我們從未現代過》、《激情的經濟學》、《面對蓋婭》等一系列的思想實驗與批判裡，獲得一點點解放「眾生」的機會。
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因為Latour的巨型-微型理論的裝置，與他無比的雄心，他的策展論述，看起來就是有種「救贖性」。已經好幾年了，幾乎每一次的大型展覽，都呈現滿滿的末日主義，藝術家與觀眾聯合起來懷舊、批評與哀悼。Latour帶著點科幻意味的拓樸學圖式策展，很容易讓人以為是一種微中二的救贖性，但其根本應該是用力跳離知識思辨與實踐框架的試圖。
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▓ #全球的否定的辯證法
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《你我不住在同一個星球》共分成「全球化星球」、「維安星球」、「脫逃星球」、「另類重力星球」、「實體星球」五個天文體，五個天文體被鑲嵌在一場向量不同的星（全）球解離當中。Latour式的「全球的否定的辯證法」倒轉、抽空、吸收了人類世界裡的所有主題，將我們吸入充滿矛盾的網絡當中，我們再也無法依靠前方的未來，標定逃逸的路線。我在想，這是否也是我看不是很懂這次展覽的緣故，所有的定義、展示、證明、翻譯都暫時失效了，這個失效可能發生在任何一個層次上：觀賞者、藝術家、策展者。
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撇開知識論的難題。到底這展覽好不好看呢？
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▓ #嚴謹的審美
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有幾個作品在藝術性與理論性上，都算是嚴謹又精采，挺奇怪的，嚴謹居然成為藝術批評的論斷之一，說明了當代藝術「跨域」的性質。例如在「實體星球」部分，領土仲介所的《變動的海洋》（Oceans in Transformation, 2020），他用 資料視覺化的方式，模擬 / 詮釋了敏感的海洋資料軌跡，資料數據的「量」的概念，變成了一種兼具審美與分析的溝通。
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▓ #體驗行動者的網絡
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《跨物種影像交會》（Interspecies Cinematic Encounters, 2020），則在諾大的黑色展場空間中，透過大型的鋼架組構裝置，架構出多重世界與複數行動者的觀賞體驗，人類、動物、植物、礦物、水、霧霾、鬼魂、精靈等，在其間互相接觸、調解、感染、融合、轉化彼此。某個程度上，雖然沒有很多，但在佈展上算是比較奇觀而複雜，觀眾似乎可以體驗到行動者網絡理論的表面意涵。
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▓ #辯證劇場與概念地景
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最精采的作品，莫過於《質量／彌撒》（Mass, 2020）的物理學 / 哲學辯證劇場，藝術家在展場打造出一個由影像、光線、聲音、道具所構成的思想劇場，你可以步行穿梭於概念地景中，參與影片中物理學家的哲學對話，探索當代物質性之辯論：對立的兩個物理理論模型，無限大（相對論）和無限小（量子物理學），那是不存在於相同世界的兩種現實。
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▓ #作品之外的作品
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最後，令我關注的焦點，盡然很常發生在非展示場域中。像是比以往更加不明顯、更加低調的展場設計，完全剝除藝術展覽肩負大眾娛樂與教育的目標，回到一種思想與實作的集合體實驗上，如「協商劇場」（Théâtre des négociations）的運行。
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另外，如關閉電源的二樓電梯，讓觀眾自行用身體力量，步上二樓階梯。然後，在二樓展覽開始處，觀眾先看到的居然不是《你我不住在同一個星球》的策展主題，而是「參觀須知」：戴口罩、勤洗手、保持1.5公尺以上距離。你的全球「不是」/「就是」你的全球，深深的、日常的、真切的反諷啊~ 比作品還精彩（誤）

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#官方網站：https://www.taipeibiennial.org/2020

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#值得去看個5次
#比天能燒腦
#但天能我真的睡著