{{ 壹. 談談木吉他伴奏 }}_09

也許因為『吉他』畢竟是西方人的樂器，因此在談到木吉他的伴奏與編曲手法時，例舉西方有名的傑作來學習，似乎是個理所當然的道理；但其實，在民國七〇～八〇年代，當時正在轉型、萌芽的『新』華語流行音樂(相較於這個時期前的民歌年代而言)，也有好些個作品，非常值得拿來當做分析、學習的標的，而且，相較於西方的音樂處理手法，也一點兒都不遜色。

說起民國七〇～八〇年代的臺灣音樂樣貌，我覺得真的比起現在，更要來得有實驗性與多元性，就以當時強調音樂原創性的『滾石』，以及以偶像包裝見長的『飛碟』這兩個品牌，在消費性娛樂產業還不是特別發達的那個時空背景，為了爭奪音樂市場的領導地位，而相互競爭所發展出來的差異化商品，在多年之後重新拿來分析研究，其實，蘊藏在每一個作品中的音樂企圖與市場定位，都比後期因為『數字管理』優先的國際唱片公司的市場策略所發展的同質化商品，要來得有趣、更具有人性許多。

特別是早期的滾石唱片，在汲取了西方音樂的養分之後，轉化強調音樂創作人的音樂實力所推出的音樂作品，對於當時還在高中階段的我，完全是充滿震撼力的衝擊；如果說得矯情一些：當年聆聽的西方搖滾音樂，的確豐富了我的音樂想像力，但如果沒有早年滾石那些傑出的音樂人，實實在在地用華語示範了『我們也可以做到這樣』的那種音樂典範，說實話，我是不是真的有勇氣想要投身音樂、去落實、完成那些音樂的想像力，恐怕還是一個巨大的問號。

因為這樣的緣故，我非常希望能在接下來的文字中，列舉出那些深刻影響了、鼓勵了我的傑出華語作品，來表達我對於那個年代的英雄們誠摯的敬意與感謝。

[一. 木吉他伴奏應該要練起來的曲目～華語篇]

曲目1-9 羅大佑-鄉愁四韻 https://www.youtube.com/watch?v=4zBon_tBuOg

這個作品讓我想要表述的是：

1. 且先不論整個音樂的內容，光是欣賞余光中先生的這首詩作，參考這位文學家的時代背景(https://zh.wikipedia.org/wiki/%E4%BD%99%E5%85%89%E4%B8%AD )，那種鄉愁的意象，是如何溫柔而又深刻地被刻畫出來；也因此，在早期的民歌時期，另外一位重要的民歌旗手楊弦先生就以這首詩作譜寫過另外一個也非常幽靜深遠的旋律版本，在那個『唱自己的歌』而風起雲湧的民歌創作爆發的年代，留下過另外一個發人深省的跫音。

聽聽看胡德夫先生所演唱的楊弦先生旋律版本： https://www.youtube.com/watch?v=cxvobgiioss

是的！在二十一世紀的臺灣現在，來回朔當年的時空背景，我們的確會感受到一種『黨國色彩』的政治斧鑿，是如何作用在音樂或是其他的藝術領域。但我也很想藉由這個作品，來認真看待那些我們真真切切、一路行來的意識形態的轉換：我們的確就是從那個充滿爭議的政治階段，過渡到了現在這個時代，比較起採用斥責、敵對的方式來回首當年，我寧願用『更認真耕耘現在，以避免未來回首的遺憾』，來為我們的臺灣做出一點務實的貢獻。

也因此，我不得不提出我的觀察：近年來的臺灣詞曲音樂創作，在文字的品味與要求上，似乎不復當年的文采；在先前我所例舉的西洋音樂作品，幾乎每一首的文字都有值得細細品味的文學意涵。這並不是說用語直白或使用淺顯易懂的文字風格就一定不好，但更多的創作例證顯示出，現今的創作力有一種『急於表現』的特徵，許多在我看來，還應該只是『練筆』的文字『習作』，就已經被作者認為是一個『創作』，而迫不及待地希望聽眾、市場，要給予肯定的認同。

我只是想說：『懷才不遇』這個悲劇，千萬不要亂套用在自己身上啊！

2. 在吉他的編曲彈奏方面，現在在網路的資料上多數顯示，這首『鄉愁四韻』的編曲者是羅大佑先生本人；但在我模糊的記憶裡，回想當年曾經認真研究的專輯內頁文字，這應該是一位日本吉他手的編曲、錄製作品。請聽聽看這種『寫意』的編曲概念，完全不在商業音樂的制式規範內；他用了很長的篇幅來醞釀音樂的情緒，讓一把吉他在低音綿長的聲響支撐下，在高音聲部用雙弦的和聲式旋律，來營造一種『只有你能意會』的音樂情境，而五聲音階的旋律組合，也將這種東方式的文學體裁和文字主題，襯托得相得益彰。

而在間奏的樂段，應該就很可以意識到這位編曲家是企圖用吉他來呈現中國的古箏或古琴的琴韻，不論是樂句的建構，或是彈奏的張力上，都有著東方樂器印象中該有的氛圍。在後來的這二、三十年，我聽過一些類似的音樂企圖，以吉他模擬東方樂器的語句或神韻；但我必須說，有太多的類似作品只呈現了一種『摹仿外型』的匠氣，對於音樂內在應該要有的靈動，始終差了一大截，也因此讓這種音樂曲風不太能感動消費者---或許，廣義地來說，這也是一種『把習作當成創作』的狀態吧？

然而，在這首『鄉愁四韻』中，編曲、演奏者很適切地將東方文化的底藴，用西方的樂器表達了出來；對於這首曲子，我認為要把每個音都抓出來其實並不困難，但如果要重現那種情境，恐怕是要花相當的苦功。

而事實上，我並不特別建議一定要苦心孤詣地練起這個作品。有些作品，我們懂得如何去欣賞，其實，對於音樂能力的鍛鍊與提升，還是有很大的助益。也許，就像是張三豐在危急之際傳授『太極拳』的真意給張無忌那樣，張無忌越把招式忘掉，張三豐越覺得張無忌深具悟性。

『意』與『形』的各自作用，在音樂的修為上，也有著相近的意涵。

3. 我在這首曲子第一次聽到運用自然泛音的排列組合所寫出來的樂句，也第一次意識到『手指摩擦琴弦』的聲響，居然也可以是音樂場景的一部份；這影響了我後來在編寫鄭秀文的『至理名言』，以及王菲的『旋木』，都很刻意地摹仿這個『聲響』，做為編曲場景裡一個重要的元素。

以上。

羅大佑先生的前三張專輯：『之乎者也』、『未來的主人翁』以及『家』，對我而言，是華語音樂歷史上難以超越的天險！除了選用名家詩人或臺灣鄉土名謠的少數作品之外，羅大佑先生本人的筆鋒，其實也有自成一格的力度與態度，同時，他的旋律能力，恐怕也是華語音樂群雄中少有的佼佼者！在本文的最後，我想選取羅大佑先生在1982年為電影『野雀高飛』所寫的主題曲『野百合也有春天』來呈現他旋律寫作的傑出；我很榮幸曾經能有機會為臺灣另外一個溫暖的聲音『阿桑』編寫過一個木吉他的版本：https://www.youtube.com/watch?v=x5FeDLJaREU

遺憾的是，阿桑已經離我們而去；而重新聆聽這首羅大佑先生的作品時，不知為何，心中浮現的是另外一個文句：『哲人日以遠，典型在夙昔』…

也許是因為阿桑，

也許是因為羅大佑。

祝各位音樂之路以意馭形。