曙光 汪奕聞2021鋼琴獨奏會 古典好好聽名家系列 全球疫情自2019年年始延續至今，近期在疫苗問世後才似乎能看見些許的曙光。 這次的音樂會曲目特別呼應人們在疫情中複雜的心情。在最主要的三首曲子裡，貝多芬第31號鋼琴奏鳴曲，蕭邦幻想波蘭舞曲和拉赫曼尼諾夫的六首樂興之時裡都在經歷各種難題後以勝利結尾。 上半場的貝多芬與蕭邦皆為降A大調並以兩首台灣作品作為中間的橋樑。貝多芬的這首晚期鋼琴奏鳴曲有著如歌的第一樂章，詼諧的二樂章，苦難的三樂章和漸漸獲得重生的第四樂章。晚期的貝多芬充滿了貝多芬對人生的體悟以及哲學，以正向的心態接受生命中種種困難並戰勝了困境。 因為各種鎖國政策使得許多人無法回家或見到親朋好友。在這首唯美的”回憶”裡，蕭泰然譜出了人們對家鄉的思念。黃輔棠的告別也形容各種不捨與對人的思念。 蕭邦一生都未回到波蘭但從未停止過對祖國的思念。這首幻想波蘭舞曲跟一般的波蘭舞曲最大的差別在於他帶了很多回憶的成分在樂曲的素材裡。現實與夢交叉的心境跟我們在疫情中時間停止的感覺頗為相似。相較於疫情嚴重的全世界，台灣更彷彿活在平行時空，在這段時間內還得以過相當正常的生活。 下半場的普郎克和拉赫曼尼諾夫都是情感極為豐沛和色彩繽紛的曲子。每一首都表達著獨一無二的情感和個性。同樣的在大多為小調的下半場，拉赫曼尼諾夫的第六首樂興之時以如鐘聲般的和弦呈現出巨大的能量並以C大調作為結尾象徵著生命中不管經歷多少的難題，苦痛終究會結束。 曲目： 貝多芬: 鋼琴奏鳴曲第31號作品110 21 min Beethoven Sonata No.31 Op.110 蕭泰然: 回憶 Tyzen Hsiao Memory from Memories of Home 4 min 黃輔棠: 告別 蕭邦: 幻想波蘭舞曲 作品61 14 min Chopin: Polonaise Fantasie Op.61 Intermission 普朗克: 悲歌 Poulenc Melancolie 6 min 普朗克: 愛的小徑 Poulenc Les Chemins de L’amour 3’15 min 拉赫曼尼諾夫: 樂興之時 作品 16 28 min Rachmaninoff 6 Moment Musicals 時間：6月5日（週六）中午14點30分 國家音樂廳演奏廳 票價：500、800、1000 地址：台北市中山南路21-2號 兩廳院售票：https://www.opentix.life/program/1369595046080991237 經歷： 第六屆日本仙台國際音樂大賽亞軍暨觀眾獎得主汪奕聞（Evan Wong），其演出經歷遍及世界各地，包括美國紐約卡內基廳、莫肯音樂廳、波士頓喬丹廳、約翰漢考克音樂廳、芝加哥文化中心、德國漢諾威Richard Jakoby Saal、芬蘭音樂中心音樂廳、日本霧島音樂廳、仙台日立廳、南韓大邱音樂廳、台灣國家音樂廳、台中歌劇院…等。 汪奕聞擁有歐美雙博士──德國漢諾威音樂戲劇學院（Hochschule fur Musik und Drama Hannover）鋼琴演奏博士（Solo Klasse）和美國西北大學音樂院（Northwestern University Bienen School of Music）音樂藝術博士（DMA）。他也是美國茱莉亞音樂學院（The Juilliard School）碩士、新英格蘭音樂院（New England Conservatory）學士榮譽獎章（Academic Honors）。師承Matti Raekallio、Jerome Lowenthal、Russell Sherman、Wha Kyung Byun、Boris Slutsky、Alan Chow、Ewa Kupiec與劉孟捷。汪奕聞亦曾參與Leon Fleisher、Andras Schiff、Sergei Babayan、Menahem Pressler、Klaus Hellwig等的大師班。

🎞️ マチネの終わりに  「人は変えられるのは 未来だけだと思いこんでいる。 だけど実際は、 過去も未来によって 常に変えられているのではないかと。  あなたの今日の悲しけが、明日の出会いによって、 大切な思い出に変えられますように。」   「人們總認為能夠改變的只有未來，但實際上是，過去也經常能被未來所改變。 願你今日的悲傷，會因明日的際遇而成為彌足珍貴的回憶。」    會看到這部電影完全是意料之外，但人生充滿意料之外之事的我很樂於接受這樣的計畫變更。 前一晚看好電影院的電影時間，原本預定在看《藍色恐懼》之前看《拂曉》，沒料到週五是新舊片輪番的日子。  表演自然不用說，有經歷有故事的年紀，隨著演員們臉上歲月留下的真實痕跡，只要一點細微的表情變動便總能讓我著迷不已。能夠看到「長得自然」的演員的表演，是我喜歡日本作品的原因之一。 而對於有樂器演奏的作品一向直接加50分的我，在看完這部《日間演奏會散場時》後真的覺得心滿意足，不僅僅是因為福山雅治彈奏古典吉他真的很帥，而是我也非常買這類故事的單。（有才的人真的魅力難以抵擋啊～） 觀影前從不做功課的我總是對於喜歡的電影在看完後才立刻檢索其典故及其他人的觀後感，要能經歷到這樣浪漫的故事說常見也不常見，因人而異吧！所以有些人會覺得故事過於庸俗，但在俗套之餘仍能令我產生共感，便無須對他人的負面觀影心得感到難過了。至少在我個人經驗裡，這樣俗氣爛漫的劇情，好像還蠻常見的。（笑）  即使劇情走向可想而知，那樣成熟穩重的四十歲愛戀仍令我很嚮往（？），不疾不徐不矯揉不造作，在蒔野（福山雅治 飾）想寄出關心洋子（石田百合子 飾）安危的信件時，一字一句躊躇著，最後把打好的問候全部刪除，改而以前一次見面時暢聊未果的電影《幸福的貨幣》做為話題，在看似閒話家常的文字間卻能令人感受到真切的關心。那是一種在快文字時代的現今社會，大家並不常去加以思考便只盼即時進行互動所無法達到的文字本應能承載的厚度及溫度。  作者平野啓一郎在分析愛戀時提到：「人們說到愛，總是說愛上的是哪個對象，但愛這件事情主要是和愛不愛自己有關。當愛上一個人時，往往是覺得因為跟對方在一起時的自己顯得可愛，我們愛的，或許只是跟對方在一起的時候的自己。」愛的到底是對方還是自己，是兩件事；而愛「和對方在一起的自己」則又奠基在兩人是否真的相愛而非單方的自我滿足。  劇中飾演蒔野經紀人一角的三谷早苗（櫻井友紀 飾），雖說在電影中看似是個大反派般的存在，但我們是用全觀在看戲，當然會覺得她很可惡，但她其實也只是想用她的方式去愛她愛的人不是嗎？當她做出看了訊息、弄壞手機、為了自己愛的人的前途而欺騙了深愛的他，這還不夠真實嗎？  「じゃあ、あなたの幸せを大事にしなさい。」洋子先是表情複雜，喝了一口三谷以為是要潑到她頭上的水後，微笑著淡淡地說。  如果要說謊，就要做好一生背負的準備，但三谷多年後了解到無論再怎麼愛對方，也無法用自己的愛框住蒔野，所愛之人是否真的感到幸福快樂，如果真的愛對方的話是不可能感覺不出來的。也因此老套的在最後坦白了一切，但想想能做出這樣的抉擇，其實也真的很不容易吧。  我喜歡日本電影除了膚淺的就是喜歡日本之外，當這部作品在探討「愛」時，並不是只能看到男女主角是如何詮釋，周圍的每個角色也都用著自己的方式，在展現各種形式的「愛」的樣貌。  其中我覺得有趣真實的橋段是當蒔野收到三谷的自白訊息時，那種無力怪罪、自我懊悔、不知如今能歸咎於何處的愚蠢，崩潰化作無聲，潛意識已將手中的玻璃杯捏碎，回到現實手中握著的卻是完好的玻璃杯，只因在極度憤怒時仍知道手指要彈吉他很重要不能受傷的理性而笑，覺得自己無力又可笑這點，像極了我自己以往在經歷任何不理性且戲劇化的人生情緒時，卻能理性地對自己催眠著趕快記住這樣的痛、這樣的氣、這樣的苦與不堪供未來表演使用，然後也在意識到自己都已經身處谷底了卻還能思考這種事而感到荒唐可笑。  蒔野在復出的表演最後看到了洋子因而臨時更改表演曲目，甚至看似不合理的拿起麥克風對著洋子說這首曲子獻給她，但這世界上任何事情倘若與戀愛沾上邊，根本也就無須談論合不合理了。看到這一幕不禁想起某任也曾在舞台上說「這首歌，獻給她！」並離開原本負責的區域走到舞台中央拿起麥克風自彈自唱的唱起了周杰倫的〈可愛女人〉，導致如今我聽到這首歌時還是會哭出來。  「人們總認為能夠改變的只有未來，但實際上是，過去也經常能被未來所改變。可以說被改變，也可以說是自行改變。而所謂的『過去』，就是這樣纖弱、易感的吧？」  「貝多芬日記裡一句『傍晚會看清一切。』，意思大概是：隨著樂曲的發展會發現，原來這個主題帶有這種可能性，如此一來，這個主題聽起來就不會和原來一樣了。在不知道花朵全開的樣貌下凝視的花蕾，等知道花朵全開的樣子後，在回朔的記憶裡就不是相同的花蕾了。音樂，並非只向未來直線前進，也會一直像這樣，朝著過去展開。如果無法理解這一點，就完全不懂賦格形式的奧妙。」 

👂🏻 《蜜蜂與遠雷》從電影版開拍前就是備受矚目的明星作品。由恩田陸創作的同名原著小說，《蜜蜂與遠雷》是史上首位雙料獲得類型文學最高榮譽「直木賞」與娛樂小說指標「本屋大賞」的得主，而六百多頁細膩描繪一場國際鋼琴大賽與四位主角之間的夢想與掙扎，廣被譽為「難以化為影像」的作品。但是如同作品本身充滿奇蹟色彩，《蜜蜂與遠雷》在導演石川慶的指導編排下，成功躍上大螢幕，兼顧敘事緊湊與人物刻劃。對於一本資訊與細節眾多的小說而言，算是可圈可點的改編。 ⠀ 《蜜蜂與遠雷》故事圍繞於「芳江國際鋼琴大賽」，四位日本選手榮傳亞夜、馬薩爾、風間塵、高島明石背後的夢想與心魔。分成三次初賽，與最終決賽。四位主角的設定可以切為橫軸為「天才與地才」，縱軸是「專業與業餘」。天才與是榮傳亞夜，一位曾經備受注目的鋼琴天才少女，七年前因為母親的離世而消失於鋼琴舞台。專業和地才是馬薩爾，迷人帥氣的茱莉亞音樂學院明日之心，苦心追求完美。而天才業餘是風間塵，沒有受過正式訓練，連一台實體鋼琴都沒有的單純奇才，認為音樂的存在是要讓人享受的。最後一位則是地才業餘，已高齡參賽平常在樂器店上班的高島明石，目標是彈奏出老嫗能解的旋律。 ⠀ 有別於小說以風間塵作為主角，電影將重心放在榮傳亞夜如何突破自身心魔，重返鋼琴殿堂。其實與其他三位角色相比，亞夜彈鋼琴並沒有一個大目標，她沒有像馬薩爾追求完美，希望再次復興古典樂，或是像風間或明石希望將音樂打破階級門檻，變成普羅大眾皆能欣賞的藝術。亞夜小時候前進的目標是有母親的指導與陪伴，因此在母親去世後，亞夜失去了彈琴的動力。再也沒有人陪她一起練琴，或是練完琴後遞上水問暖。亞夜的將自己的人生停格在七年前的悲劇，因此電影以亞夜重新找回目標，似乎更具有戲劇探索性。 ⠀ 而片名「蜜蜂與遠雷」雖然電影沒有多加著墨，其實是取自風間塵的故事。身為養蜂子弟出生的風間塵，感受到了世界上各種純粹聲音的存在：小至蜜蜂翅膀拍動的小鳴律動，大至遠端烏雲雷聲的巨響震人。風間塵被鋼琴大師稱為「上天送給世人的禮物」，他在故事裡就是「音樂」的實體化身。風間塵琴聲的清撤無瑕，無拘無束，正提醒著其他三位角色，「享受音樂」的重要性。攝影方面在風間表演部分也刻意做畫面旋轉、鏡頭顛倒等設計，加強風間「與眾不同」的部分。而另外一位業餘代表，明石則是比較像是「樂迷」存在，希望將自己愛的旋律帶給所有平凡人。心態就像是普遍粉絲一般，總是希望將自己愛的偶像分享給其他人認識。 ⠀ 電影利用剪接強化亞夜和風間塵之間的關係，暗喻亞夜與音樂的關聯。例如：開頭介紹風間塵時，畫面卻是使用亞夜的畫面。而中段亞夜和風間塵的四手聯奏，讓亞夜慢慢重拾對於鋼琴的熱情。最後決賽風間演奏時，直接切到亞夜與內心黑洞的正面對視。個人覺得亞夜和風間塵在月光下的四手聯奏捕捉了《蜜蜂與遠雷》想傳達的音樂力量。尤其是中段旋律切成輕快節奏，兩人隨著音樂律動，亞夜打破冰冷的表情，終於露出微笑。月光一束打在兩人身上，像聚光燈，世界的煩躁都不重要，盡情用鋼琴揮灑當下的愉快，表現了風間的隨性，亞夜的內心小復原，實為本片最令人印象深刻的片段了！ ⠀ 此外《蜜蜂與遠雷》在視覺語言上也富有創意巧思，像是亞夜表演時，琴蓋的反射卻是小時候媽媽與她練琴時的倒影，傳達亞夜內心真正過不去的坎。但是必須說，電影第三幕決賽部分，剪接稍微凌亂，看得出來努力想把四位角色的內心轉化和救贖表現出來，可惜沒有成功融合。覺得是混音部分在切換人物時應該可以作前後音樂漸強漸弱交叉，而不是留出空白段落，讓觀眾明顯感受場景與場景之間的切點，弱化了原本可以一氣呵成的戲劇強度，反而使我們還沈浸在馬薩爾的故事之時，卻被唐突切到亞夜的內心掙扎之中，感覺剪接和混音部分能夠做得更好。還有決賽的表演，鏡頭設計雖然充滿創意，但是剪接似乎沒有表現出交響樂表演該有的滂薄氣勢。 ⠀ 而飾演風間塵的新人鈴鹿央士，在其他前輩面前毫無怯場，演活該角色的純真潔淨，十分亮眼，也橫掃的當年各種電影新人獎。因從演出《被愛妄想症》、《小偷家族》躍上一線女演員的松岡茉優，作為本片中心人物，十分精彩的傳達亞夜的陰影與純真。松岡茉優的戲路從電視劇《問題餐廳》後就經常演出外表冷漠陰沈但內在有小偏執，會突然反差萌活潑的角色形象。某程度上，亞夜也恰巧是這樣的人物設定，面對馬薩爾會變回活潑小女孩，但遇上評審長或是其他角色，則又關閉內心，回歸冰山美人形象。亞夜的服裝及髮型設計十分有趣，整齊簡潔的短髮隨著彈琴的力道擺動，表現亞夜演奏時的投入，效果很好。而亞夜前期都以紅色服裝出現，透露其內心回歸舞台的不安躁動，而中段稍微找回自信時，服裝變為平靜的湛藍。而決賽預演時，則是淡紫色，剛好是藍和紅的結合，暗示亞夜因為再次挑戰自己曾失手樂曲感到恐懼與不自信。片尾突破心魔後，換上與七年前相似的黑色表演服，氣勢十足，眼神滿是堅定與勇氣，為亞夜這角色的旅程畫下圓滿的句點。幕後花絮裡，彈琴部分都是演員真實演出，非常佩服主角們為角色準備所付出的練習。 ⠀ 《蜜蜂與遠雷》充滿對比性的角色設定，伴隨精彩刺激的鋼琴演奏，成功兼具娛樂與深度。或許電影改編本身也是反身性地成為，一部打破藩籬，無論門內門外，老嫗都能解的古典音樂電影呢！請讓我們一同盡情享受音樂帶來的純粹美好吧！ ⠀ 🐝 蜜蜂與遠雷 (2019) Listen to the Universe