得知近期舉辦的魏德聖「青澀影展」將線上展映魏導早期短片，於是調出去年在桃園光影電影館的映後精華節錄，分享給各位影迷。6月11日（五）晚間九點放映《黎明之前》、6月18日晚間九點放映《七月天》，將在「 ＠果子電影 x 米倉影業 」YouTube頻道放映，好片不容錯過。

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桃園光影電影館《黎明之前》《七月天》座談節錄─魏德聖 × 翁煌德

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「浮光掠影─短片輯」在 2020 的最後，邀請到開拓台灣電影視野的名導─魏德聖，回顧其兩部修復作品《黎明之前》（1997）與《七月天》（1999），從導演最初的創作了解創作之路開展，並何以成為台灣近期電影之「先行者」？以下節錄之對談紀錄，魏德聖簡稱「魏」，翁煌德簡稱「翁」。

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# 每次創作給自己的課題
翁：因大四的時候有幸於魏導的公司實習，參加到《KANO》（2014）的專案。今年高雄電影節重映魏導早期作品《黎明之前》的修復版本，所以就趕快連絡魏導的公司，促成了今夜的放映。對導演來說可能時代有點久遠，但我們還是聊聊魏導當初的創作經過。

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魏：每次要回頭看自己二、三十年前的片子，都很不好意思。《黎明之前》是我剛開始練習拍片的第三部劇情片，那時跟幾個同樣是助理出生朋友約好，每個人都要寫一部「鬼故事」的短片劇本，最後只有我寫出來（笑）。但從那時起，每部作品我都很有意識地嘗試自己不足的部分：第一次拍短片時，非常一板一眼的執行，一顆、一顆鏡頭分好執行，更精準來說，是把演員當作道具使用。

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但在《黎明之前》我改變自己的壞習慣，找真的演員來合作，我更是很害怕，不知道怎麼跟演員溝通，但還是要去做。整個拍攝過程練習以整場戲的方式討論，再分鏡頭拍攝。到《七月天》就開始練習場面調度，很多的演員、很大的場景，我要怎麼跟攝影師、燈光師配合，用最精煉的機器運動，完成一部作品。經過這些嘗試才長出膽量覺得可以挑戰市場、拍攝長片。

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翁：導演更之前的作品是 1995 年的《戲言》跟1996 年的《對話三部》，其中《戲言》尤其震驚，是導演在裡面也有擔綱演出。演員的部分，也談談導演第一次和專業演員蔡琴、范瑞君及王柏森合作的經驗。

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魏：寫劇本的當時，我就在楊德昌導演工作室工作，所以就有點冒昧的問蔡琴蔡姊願不願意演出，另外兩位主要演員也都是朋友。但回頭看25年前，短片基本上都是導演們的私下的習作，根本不會有專業演員參與製作，故《黎明之前》也算是不可思議的創舉。

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#《七月天》的編排

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翁：《黎明之前》片中所探討的情節，以為「死」就會得到解脫，沒想到死了之後是繼續受苦與淪難。緊接著又看了《七月天》這部作品，我第一次看完全震懾於「憤怒」的情緒中。若拿掉第一場戲，我們是慢慢跟著角色的怒火，最後看著主角放火燒毀一切。但導演第一幕的安排，好像就預示了後續？

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魏：原本的開場的爆發力不夠，把片尾放到開頭反而如你說有預言式的感覺。《七月天》當年有得到短片的輔導金，那時候提案的片名是《賣冰的兒子》，創作的源頭是因為感知到一種文化─「鋸冰塊」的產業正在消逝，變成工廠化、工業化。以「賣冰的兒子」去「放火」極大的落差去詮釋那樣的憤怒。但創作時才剛入行，所以模仿的痕跡很多：類似侯孝賢電影的氛圍。也不是刻意要這樣，調性或鏡頭語言、敘事的風格就會有那樣的影子。但想既然要做了，就把整個更生猛、粗野，濕濕黏黏的粗魯，想把生命那種黏膩在影像中展現。

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翁：片中也討論到各種層次的暴力，主角在黑社會體系不管是肢體的、言語的，到後續進入警察局，警察也是以殘酷刑求的方式獲得查案需要的資料。黑白兩道好似沒有差別，批判性非常高。

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魏：你想的比我想的還精采（笑）。我當初的安排是想要讓主要角色一直陷入困境。自小我的成績中間偏後，這樣的位置讓我可以跟好學生、壞同學打交道，有機會接近各形各色的人。但我始終沒有見過「講道義的流氓」。黑社會，都是貪生怕死、狐假虎威者居多，因此我不相信「道義」這件事，在片中就特別強調這點─「道義是不存在」。

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翁：演員王恩詠的表現相當亮眼，近期在《最乖巧的殺人犯》也有演出，想請問導演怎麼將少年想要學壞，但又十分青澀的演技雕琢，讓成家這個角色足以立體？

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魏：雖然看起來是素人，但他們絕大都是劇場演員。雕琢不敢說，但一次一次的練習下來對於演員的掌控，還有自己要表達什麼，所以走位與表演、節奏確定後，鏡頭的擺位就比較從容。整場練習演員與機器都走對了之後才開始拍，不再是以往一個一個鏡頭去進行。才知道與演員的溝通其實沒有那麼難，是演要每場戲精準的傳達，整場戲節奏再核對就好。

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# 開拓自己的路─「純十六影展」

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翁：1999 年，導演與鴻鴻、鄭文堂、魏德聖、蕭菊貞等影像創作者為了讓作品有更被看到的機會，創辦了「純十六」影展，放映的作品就包含了《3橘之戀》（1999）、《明信片》（1999）、《紅葉傳奇》（1999）等作品。想請問導演當時獨立創作者的狀態。

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魏：每創作者最大的心願就是觀眾看到他的作品，進而喜歡他的作品，尋找展示作品的管道和平台，就變成最重要的功課。創作者在初期是不會有足夠資金籌拍長片，故都從短片起家。當時也只有金穗獎短片獎，且很封閉，多半也只有在影視科族群間才有討論。我們一群人有幸拿到第一屆輔導金，驚覺在資金充足下，不論作品的品質、敘事結構都會有不同層次的提升，與為了交作業而拍出的影像成熟度完全不同。但即便如此，當時獲獎最高待遇也就是在電影資料館放映兩次，就被冰凍起來，無法重見天日。不甘如此，就跟當時六個導演一起籌畫了「純十六」影展。

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從設計海報到張貼、行銷、談戲院，租一個廳要多少錢這類的細節著手，甚至連十六釐米播放器自己搬動、保管。參展導演除了映後，還要輪班負責驗票、場務、映後遞麥克風和主持都要自己來。因宣傳做得很透，加上不同創作者的人脈都不盡相同，互相吸引各自族群，就如此炒作起來，甚至贏過當時好萊塢商業片。

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# 創作的原點─活在人間

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觀眾：長久以來一直很喜歡導演的作品，想請問導演如何與編劇合作以及主題的發想？會把自己的性格投射在其中？

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魏：因為節省經費常都是自己編導，一直到《KANO》才第一次跟別人合作，我自己的感覺是不管怎麼做，兩個創作者的生活習慣、視野是不一樣的，故就算故事完整了，最後還是必須得轉化成導演可以執行的狀態。但最重要的是要「活在人間」，想要寫劇本或拍片的人，我覺得最好是從「紀錄片」做起。我自小住在台南廟口旁，養成跟各種階級對話的能力。庶民文化才是真正生活的哲學，能跟不同樣的人溝通，語言的內容可以讓你的故事角色更有生命力，而不會變成每個角色都是你自己！

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這些經驗下來，我自己累積了一種創作故事的方式。劇本教學會教你從第一場故事大綱、人物，打下三角形，接著就進入畫面思考，反而一片空白故事無法延展。我後轉以「故事思考」開始創作，一路寫下來三萬、四萬個字都有，整個故事順過、修改成劇本格式，再大的故事都會變得很簡單。此外，不是說把個人的狀態完全投射，我會把「想要的」狀態放在其中，跟自己下棋，把角色放在自己佈的局，並適時給予打擊。我很享受這樣的創作過程！

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# 對現場創作者的鼓勵

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魏：整個電影生存環境不斷改變，平台被網路取代，我們更要去思考如何打破這個框，而不是在那個框裡面認命，更要把夢做大並精準執行，這個框就會被你擠破、並去思考如何贏得你的觀眾，創作回饋就在這邊。不論金融、商業，或是流行它不斷在更迭，唯一不變的就是人文根源，這是台灣最豐富的東西！