小紅帽　◎凱洛．安．達菲著／陳黎、張芬齡譯
　
在童年的盡頭，房屋逐漸消失
成為遊樂場，工廠，情婦般由
屈膝已婚男豢養的副業生產地，
沉默的鐵道，隱士的篷車，
直到你終於來到樹林的邊緣。
在那兒，我初次見到那匹狼。
　
他站在林間空地，高聲朗讀他的詩作，
以狼族特有的拖腔慢調，毛茸茸的腳爪拿著平裝書，
紅酒沾濕了蓄鬍的下顎。他的耳朵
好大！他的眼睛好大！牙齒好大！
中場休息時，我頗為確定他發現到我
二八年華，未經人事，靚妞，流浪兒，並且請我喝一杯酒，
　
我的第一次。你或許想問為什麼。原因在此。詩歌。
這匹狼，我知道，會引我入樹林深處，
離家，到貓頭鷹的眼睛是唯一亮光的
荊棘糾纏的暗處。我緊跟他身後徐行，
長襪被扯爛，運動衫因枝幹勾刺而
成紅色碎片，謀殺案線索。我弄丟了鞋
　
但到達該處，狼窩，最好小心。那晚的第一課，
狼之氣息入耳，是情詩。
我依偎著他扎人的毛皮到天明，因為
有哪個小女孩會不喜愛狼呢？
然後我自他笨重如墊的腳掌間溜出
去尋找一隻活鳥──白鴿──
　
它筆直地從我手上飛向他張開的嘴。
一咬，死了。真棒，床上早餐，他說，
舔食著帶骨的肉。他一入睡，我便爬到狼窩的
後方，那兒是一整面書牆，發出緋紅和金色的光。
文字，文字，活生生地在舌上，在頭裡，
溫暖，拍擊，狂亂，帶翼；音樂和血液。
　
而當時我還年輕──在樹林子
花了十年才知道原來一顆蘑菇
塞住了已下葬屍體的嘴，鳥
是樹吐露出的心思，逐漸蒼白的狼
對月嗥唱同一首老歌，年復一年，
季復一季，同樣的韻，同樣的原因。我拿起斧頭
　
揮向柳樹，想看它如何哭泣。我拿起斧頭砍鮭魚，
想看它如何跳躍。我拿起斧頭砍睡夢中的
野狼，用力一劈，從陰囊到喉嚨，看到
閃閃發光，純白的我祖母的骨頭。
我用石頭填滿他的老肚皮。我將他縫合。
我離開樹林，拿著花，唱著歌，隻身一人。
　
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◎作者簡介
　
凱洛．安．達菲(Carol Ann Duffy)
　
1955年出生於蘇格蘭格拉斯高，五歲時隨家人遷居英格蘭斯塔福郡。後進入利物浦大學就讀，1977年獲得哲學學士學位。於008年獲頒基爾大學和斯塔福郡大學之榮譽博士學位。
　
達菲在2009榮獲英國桂冠詩人，是三百四十一年來英國首位女性桂冠詩人，也是第一位蘇格蘭籍的桂冠詩人。
　
寫詩，也寫劇本。詩作曾多次獲獎，《站立的裸女》(Standing Female Nude,1985)和《另一個國度》(The Other Country,1990)獲「蘇格蘭藝術協會書獎」；《陰暗時光》(Mean Time)獲韋伯特詩歌獎和前進詩歌獎；《出售曼哈頓》(Selling Manhattan,1987)獲毛姆獎；癡迷(Rapture,2005)獲「艾略特獎」；蜜蜂(The Bees,2011)獲「柯斯塔詩歌獎」和「艾略特獎」。
　
◎譯者簡介
　
陳黎
　
1954年生，台灣師範大學英語系畢業。住有詩集，散文集，音樂評介集等二十餘種。曾獲國家文藝獎、吳三連文藝獎，時報文學獎推薦獎、敘事詩首獎、新詩首獎，聯合報文學獎等。2005獲選台灣當代十大詩人。
　
張芬齡
　
臺灣師範大學英語系畢業。著有《現代詩啟示錄》，與陳黎和譯有《辛波絲卡詩集》、《聶魯達雙情詩》、《精靈─普拉斯詩集》、《帕斯詩選》、《拉丁美洲現代詩選》、《世界當代詩抄》、《當代美國詩雙臂─羅伯特．哈斯/布蘭達．希爾曼詩選》等二十餘種。曾獲林榮三文學獎散文獎、小品文獎，並多次獲梁實秋文學獎翻譯獎。
　
以上作者及譯者簡介來自《世界之妻》一書之「關於作者」與「關於譯者」。
　
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◎小編沛容賞析
　
「在童年的盡頭」，告別童趣、告別稚嫩與青澀，而逐漸成熟的時刻，「我」遇見那匹狼。
　　
「我頗為確定牠發現到我」，因此，這不是單方面的，而可以說是雙方──狼與「我」的互相吸引、甚至是勾引，更為貼切。
　
「我」完全知道，將要發生什麼事情，但任其發生。離開原生之處──家，被誘引到森林深處，長襪被扯爛、運動衫被勾成碎片，弄丟了鞋。令人玩味的赤裸描寫，彷彿暗示肉體與性的成熟。
　
第一晚，我與狼過夜，「狼之氣息入耳，是情詩。」說明「我」與狼之間確是有情的，互相依偎直到天明，「哪個小女孩會不喜愛狼呢？」，「我」沒表明自己確實喜歡狼，使用反問句式，那感覺比較像是「我不可能不喜歡狼的」、「我一定喜歡狼」，沒有其他選擇一般。此處的「狼」像一種典型，具體而言或許就是比喻某種類型的人，抽象意義來說，可能指的是某種規範與體制。對於「我」這樣的女孩擁有吸引力，牠能誘拐「我」，心甘情願跟隨其去任何地方、做任何牠想要我做的事。
　
這狼用牠特有的拖腔慢調讀詩，並且擁有整面的書牆、一整面的知識。「我」趁牠睡著閱讀文字，這些文字是活的，並且滋養「我」。
　
「文字，文字，活生生地在舌上，在頭裡，
溫暖，拍擊，狂亂，帶翼；音樂和血液。」
　
「我」在樹林子裡，和狼待在一起，花了十年才理解某些重要的事情。「原來一顆蘑菇/塞住已下葬屍體的嘴」，所以，已逝去的死者無法再出聲；「鳥/是樹吐露的心思」，可是在詩的上一段，更早之前，「我」是抓活鳥給狼當作早餐吃掉的，那時一切再自然不過，「我」根本不曾懷疑。所以，本段首句，「我」才會說：「而當時我還年輕」，因為年輕，還有許多尚未理解的事物。
　
到這裡，如果從頭再看一遍，狼用「高聲朗讀牠的詩作」、「毛茸茸的腳爪拿著平裝書」的姿態將「我」誘進森林，「我」卻是在牠留下的書牆中，逐漸理解一切，並獲得反抗的力量以及方式。
　
狼沒有改變，日復一日，為同樣的原因對月嗥叫，但「我」卻拿起斧頭揮砍這樣的平靜──「我」揮向柳樹、鮭魚，想看他們如何哭泣、如何跳躍，那些「我」尚未明瞭過的故事，想要親眼見證世上一切。最後「我」砍向睡夢中的狼，發現裡頭是「我」祖母的骨頭。
　
原本的童話故事裡，野狼吃掉小紅帽的祖母，並假扮成祖母誘騙小紅帽，同樣吞掉了小紅帽。聞聲趕來的獵人剪開狼肚，小紅帽與祖母得以重見天日。三人將狼肚塞滿石頭，再重新縫合。
　
這首詩裡，剖開狼肚的卻是「我」自己，發現已經化為骨頭的「祖母」，直系血源的母系親人。而應該在「我」與祖母中間的母親卻未曾出現，即使在最初，詩的最首段，「我」的童年盡頭、在「我」來到森林邊緣，並進到林子深處時，「母親」都未曾出現。
　
沒有母親的叮嚀、沒有獵人，沒有他人的拯救。在「我」之前的祖母已經遇害，被狼──某種類型的人們、某種體制與規範──吞噬殆盡，最終留下「我」。
　
「我用石頭填滿牠的老肚皮。我將牠縫合。
我離開森林，拿著花，唱著歌，隻身一人。」
　
離開森林，在結尾被敘述地如此輕易，「我」卻是已在這森林待了十年，才終於藉自己的力氣打破一切，然後如此溫柔地，彷彿一切未曾發生，縫合完狼的肚皮後才行離去。拿花、唱歌，一如曾經的天真美麗，一如最初般，同樣隻身一人。
　
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美術設計：Nysus
IG：https://www.instagram.com/nysus_/
攝影來源：Unsplash
　　
#少女學 #大野狼 #小紅帽 #沛容 #凱洛安達菲 #世界之妻
　
https://cendalirit.blogspot.com/2019/07/20190705.html

風景No.2　◎#林亨泰
　
防風林 的
外邊 還有
防風林 的
外邊 還有
防風林 的
外邊 還有
　
然而海 以及波的羅列
然而海 以及波的羅列
　
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◎作者簡介
　
　
林亨泰，筆名亨人、桓太，彰化北斗人，台灣師範學校教育系畢業，曾於彰化北斗中學、彰化高工、建國工專、台中商專等任教。
　
1947年加入銀鈴會，由於銀鈴會於1948年聘請楊逵為顧問，加上四六事件及隨即的戒嚴，楊被補，銀鈴會停止活動，林也受到牽連，停止寫作一段時間，直到1953年開始與紀弦接觸，後加入現代派。1964年參與笠詩社，成為首任主編。2004年獲第八屆國家文藝獎。
　
著有詩集《靈魂的啼聲（日文）》、《長的咽喉》、《林亨泰詩集》、《爪痕集》、《跨不過的歷史》等，及詩論集《現代詩的基本精神》、《見者之言》等，1998年出版《林亨泰全集》共十冊。
　
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美術設計：旅臺小子
攝影來源：PublicDomainPictures | sevenheads lopez
　
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◎小編賞析
　
林亨泰是台灣圖像詩的先行者之一，〈風景NO.2〉是他的名作，相信有不少讀者已經讀過。
　
這首詩所寫作的對象，是二林海邊的景色。當我們在看待這首詩的時候，要知道詩中的防風林就是防風林，海就是海，背後並沒有太多的意涵，只是把防風林與防風林與海的關係呈現出來。重複本身表現的是數目上的多。這種類型的寫作跟一般講究意象的詩並不相同，如果太執著在每個象徵背後的意義，或者將句子單獨抽離來看，都很難有太多的收穫。看待圖像詩的時候，把整體當作考量是比較理想的做法。
　
http://cendalirit.blogspot.com/2016/07/20160727.html

策展訊息 :
台北駐日經濟文化代表處台灣文化中心 歲月之旅–張照堂攝影展
歳月の旅–張　照堂写真展 ( 2015 / 9 / 1 – 10 / 30 )
レセプション : 2015 / 9 / 1 (火) 14 : 00 – 15 : 00
特別講演会 : 2015 / 9 / 1 (火) 15 : 00 – 16 : 30
司会 : 菅沼比呂志（ガーディアン・ガーデン／プランニング・ディレクター）
講師 : 瀬戸正人（写真家）, 張照堂（写真家 / 台南芸術大学名誉教授）, 沈昭良（本展キュレーター / 写真家）
開館時間: 10：00－17：00（土、日曜 & 祝日休館）
会場 : 台北駐日経済文化代表処 台湾文化センター
〒105-0001　東京都港区虎ノ門1-1-12　虎ノ門ビル2階
http://jp.taiwan.culture.tw/content_32.html


2013年9月，台北市立美術館為張照堂舉辦了名為「歲月照堂」的大型回顧展，展覽整體採編年式架構，分別為「少年心影」(1959-1961)、「存在告白」(1962-1965)、「裝置 / 塗鴉 / 原作」(1966-1986)、「社會記憶 / 內心風景」(1970-2005)、「數位發聲」(2005-2013)與「歲月容顏」(2005-2013)等六個主題，內容除了放大與輸出的攝影作品400餘件，也包括8部紀錄影片、裝置、拼貼、攝影原作、編輯刊物、繪本、手稿、歷年展出文宣等等，橫跨張照堂過去所涉略的電影、紀錄片、攝影、現代藝術、文學、劇場、出版等領域。

展出期間，除了吸引成千上百各個世代，不同領域的觀眾留連駐足，更引發相關的學術著述與研究討論，展出規模之全面，影響之深遠，可說是國內攝影藝術圈有史以來所僅見。不僅完整呈現張照堂的影像風格與美學品味，更確立其在台灣攝影與跨領域影像發展脈絡上，承先啟後的卓越成就與崇高地位。日本著述家暨愛知三年展總策展人港千尋，即曾在現代美術學報中坦言：「張照堂不只是一位傑出的攝影家，更是每個國家只可能僅會出現一兩位的那種藝術家。」

張照堂，1943年出生於台北縣板橋鎮(現新北市板橋區)，父親為執業醫生，兄弟姊妹共七人排行第五，初中三年級時，向大哥借了一台Aires Automat 120相機把玩，卻也因此開啟了他不凡的影像人生。成功高中時期，參加攝影社團受教於鄭桑溪，其後雖進入台灣大學土木工程系就讀，反倒積極參與藝文活動，廣泛閱讀現代、存在主義文學，並開始觀念性的攝影創作。

大學畢業後分發至離島澎湖服役，退伍後的1965年與鄭桑溪共同發表「現代攝影雙人展」，迥異於當時唯美沙龍與社會寫實的現代視覺語言，自然招來當時傳統攝影圈頹廢消極的惡評，但卻也引起美術與文學界的鼓舞與關注。1968年張照堂進入電視台，從事新聞採訪、專題製作與紀錄片拍攝。1974年也曾瀟灑舉辦了「攝影告別展」。其後二十餘年，他全面性參與紀錄片與電影劇情片的拍攝製作，1997年就任國立台南藝術學院(現國立台南藝術大學)音像紀錄研究所教授，傳道授業，提攜後進不遺餘力。1998年籌劃首屆台灣國際紀錄片雙年展。生涯迄今獲頒有金鐘獎、金馬獎、國家文藝獎及象徵最高榮譽的行政院文化獎等重要獎項。

出生及成長在台灣的張照堂，歷經日本殖民、國府統治、黨外運動、解除戒嚴及總統直選等時期，自初中三年級的接觸相機以來，作品從不為針對特定議題的計畫性拍攝，反而幾乎都是工作之餘的隨性抓取，卻也因此定調了獨特的攝影風格，同時據已清晰回應伴隨他的歲月和時代。誠如評論家郭力昕所言：「張照堂成長於一個極度壓抑、苦悶的年代，並且在這樣的時代氛圍裡，走過了他創作的精華歲月。臺灣的這個時代背景，政治空氣是高壓、肅殺的，攝影文化是空白或貧乏的，張照堂的攝影藝術，就在這樣的政治與文化悶局裡，迸出了一個獨醒的、清越的高音。」

張照堂的作品，除了初中時期作品所展露的直觀純粹，大學時期則因喜愛接觸現代文學與藝術，面對當時台灣社會的政治高壓與思想箝制，攝影頓時也成為他抒發內心寂寥與撫慰外在荒蕪的材料，此時期那些塗抹的白臉、頭套塑膠袋和無頭身影的作品，在日後更被視為台灣現代攝影語法轉向的重要實踐。退伍後，進入媒體工作的張照堂，持續透過觀景窗，緊貼著台灣社會的氛圍與脈動，在城市、巷弄、荒郊和鄉野間，大量超現實語境與荒謬劇場式的作品，引人緘默也發人省思。其後，順應數位時代的來臨，張照堂援用了科技的便捷，將其轉化為攝影表現的另類可能，先前曾在「歲月照堂」回顧展中，陳列展示的拼組作品＜夢遊-遠行之前＞與＜台灣-核災之後＞兩系列實驗性組作，則是2005年進入數位時代後持續進行的創作類型。

綜合過去對於張照堂作品相關論述與研究的歸納，普遍將其創作風格，定調為抵抗當時台灣所處高壓統治與社會處境的精神性衍生，透過其所獨具的攝影眼，心理的，身體的，尋常的，淡然的，直覺的，進一步提出對於現狀的某種超脫與預知。然而，對照張照堂初中時期所拍攝的「少年心影」系列作品，其中所大量穩定展現，有別於那個年齡世代應有的尋找與凝視，很顯然的，他的成就，應不只是時代的重壓與凝鍊所積累而成，有相當確定的一部分，是那一股自幼在他身體血液裏，早已循環流淌的豐富素質與內斂情感。

此次受邀在台灣文化中心展出的23件作品，主要是挑選張照堂在1970-1990年間所拍攝，聚焦在社會記憶與內心風景，同時也回應本展”歲月”與”行旅”意象的精要式集結，除了作品本身的時間跨度，足跡也行旅式的遍及基隆、台北、桃園、苗栗、新竹、嘉義、屏東、宜蘭、花蓮和澎湖等地。其中，望安島上的少女容顏，阿里山上的日出遠眺，鼻頭角港邊的餘暉小憩，算命看板前的晃動身影，水岸邊的駐足凝望，車廂理的沉睡舒醒…。時而匆忙，時而停歇，時而展望，時而掩面，時而奮起，時而喘息。讓我們在人物近景與環境身影的視覺導引下，橫向與縱向的氛圍轉折中，重返那個蒼茫年代，重新經歷那個靜謐時空，領略張照堂在漫長的歲月行旅中，不斷遺落卻又不斷拾起的無盡視野與動人話語。 文 / 沈昭良

　
2013年9月、台北市立美術館で、張照堂（ジャン・ジャオタン）の大型回顧展「歳月/照堂」が行われた。展覧会は年代別の構成を取り、「少年の心」(1959-1961)、「存在の告白」(1962-1965)、「インスタレーション / グラフィティ / オリジナルプリント」(1966-1986)、「社会の記憶 / 心象風景」(1970-2005)、「デジタルでの発信」(2005-2013)、および「歳月の表情」(2005-2013)という六つのテーマに沿って、大きく引き延ばされた400点余の写真作品のほか、８本のドキュメンタリー映像作品、インスタレーション、コラージュ、オリジナルプリント、編集に関わった印刷物や絵本、手書き原稿、過去の展覧会のチラシやポスターなどが展示され、これまでに張照堂が関わって来た、映画、ドキュメンタリー映画、写真、現代美術、文学、舞台、出版など様々な領域を横断する展覧会となった。

　会期中は、おびただしい数のあらゆる世代の観客だけでなく、様々な領域で活動する数多くの観客が足を運び、ここから学術論文や研究討論が生まれた。展示規模は全面的であり、展覧会が社会に与えた影響は計り知れず、台湾の写真芸術史上においても稀な事件であったと言ってよい。展示は、張照堂の写真スタイルやその美学を完全な形で伝えていたのみならず、台湾の写真や領域横断的な映像の歩みにおいて、張が先人の成し遂げたものをさらに刷新していく卓越した存在であることを強く印象づけた。日本の写真家で愛知トリエンナーレ2016の芸術監督を務める港千尋は、（台北市立美術館発行の学術誌）現代美術学報において、「張照堂は、傑出した写真家というだけでなく、いずれの国にも、ひとりかふたり出て来るか、というような芸術家である。」と述べている。

　張照堂は、1943年に台北県板橋鎮(現在の新北市板橋区)に、医者である父のもとに、七人兄弟の五番目として生まれた。中学三年生の時、兄にアイレス・オートマット120というカメラを借りて遊び始めたことが、彼を、後の非凡な映像人としての人生へと導くことになった。成功高校に通っていた頃には、写真サークルに参加して鄭桑溪（ジェン・サンシー）に師事し、その後台湾大学土木工程学部に入学したものの、専門の勉強よりも芸術文化活動にいそしみ、近代文学や存在主義文学を読みあさり、コンセプチュアルな写真制作を行い始めている。

　大学を卒業した張照堂は兵役に就き、離島の澎湖に配属された。退役後の1965年には鄭桑溪とともに「現代写真雙人展」を行い、当時の唯美的サロン写真や社会リアリズム的な近代視覚言語とはまったく異なる作品を発表した。当然のことながら、当時の伝統的な写真界においてはデカダンで消極的だという悪評を招いたが、美術界や文学界からは激励され、注目を集めることとなった。1968年に張はテレビ局に入社、ニュース取材のほか、特別番組やドキュメンタリー映画の撮影に従事した。また、1974年にも、曾瀟灑（ゼン・シャオリー）と「撮影（写真）告別展」を行っている。二十数年ほど、精力的にドキュメンタリー映画やドラマ映画の撮影に関わった張は、1997年には国立台南芸術学院（現・国立台南芸術大学）の音楽映像ドキュメンタリー研究所の教授となり、後続の育成に力を注いだ。1998年には、第1回台湾国際ドキュメンタリービエンナーレの準備に関わっている。これまでに、金鐘賞、金馬賞、国家文芸賞および台湾にて最高栄誉とされる行政院文化賞などの重要な賞を受賞している。

　台湾で生まれ育った張照堂は、日本の植民地支配、国民党による統治、党外運動（訳注：民進党誕生以前の台湾における民主化運動）、戒厳令解除や、総統直接選挙などの時代を生き抜いてきた。初めてカメラに触った中学校３年生の頃から、作品は特定のテーマに沿って計画的に撮影されてきたわけではないが、むしろ仕事のあいまをぬって気ままに撮り続けてきたことが却って、独特の写真スタイルをそこに定着させ、ともに歩んだ歳月と時代とを、はっきり映し出すようになった。これについて、評論家郭力昕（グォ・リーシー）は次のように述べている。「張照堂は極度に抑圧された苦悶の時代に生まれ育ち、そのような時代の雰囲気の中で最も優れた作品を生み出した。この時代の台湾の政治的空気は高圧的・粛殺的であり、写真文化は空白でないとしても非常に貧しいものであった。張照堂の写真芸術はそんな政治・文化的に鬱々とした状況にあって、孤高の澄み切った高音を響かせたのである。」

　張照堂の作品は、中学校時代には直感的な純粋さをみせていたが、大学時代には、彼の近代文学や芸術への傾倒のために、当時の台湾社会の高圧的な政治や思想統制へと向き合い、内面の寂寥を表現し、荒寥とした外界への慰めとなった。この時期発表された白塗りの顔や、頭に被ったビニール袋、頭のない身体を写した作品などは、その後ますます、台湾近代写真の語法を転換させる重要な実践であったと見なされるようになった。兵役からの退役後マスコミでの仕事を始めた張照堂は、それ以降もファインダーをとおして、台湾社会の雰囲気や脈動に切迫する大量のシュルレアリスティックで不条理劇的な作品を、都市や路地、荒れた郊外や農村で撮影し続け、観る者を沈黙に導き、内省を促した。その後張はデジタル時代の到来に順応し、そのハイテクの利便性を用いて、写真表現の新しい可能性を追い求めた。先の「歳月照堂」回顧展で展示された《夢遊—遠行の前》と《台湾—原発事故後》のふたつの実験作品シリーズは、2005年にデジタルカメラを用い始めて以降、張がずっと取り組んでいるものである。

　これまでの張照堂の作品についての論文や研究には、その作品スタイルを、当時の台湾の高圧的な統治や社会状況に身を置くことで生まれる精神性との関連について語るものが多い。独自の撮影眼をとおした、心理的で身体的、さらりとして飄々とした直感的な表現だと捉え、さらには現状に対するある種の超越を提言する予言だとする。しかしながら、張照堂が中学校時代に撮った「少年の心」シリーズの、大量で安定した表現と比べてみると、このくらいの年の少年が当たり前に持っている探究心や対象の凝視とは、明らかに異なっていることがわかる。彼が成し遂げたことは、時代の重圧と精錬の蓄積のみによるものとは言えないだろう。そこには幼少時より彼の身体の血の中に循環していた写真家としての豊かな素質と、含蓄に富む情感が、必ず影響していたはずだと思うのだ。

　今回台湾文化センターで展示する23点の作品は、張照堂が1970年から1990年のあいだに撮影したものを中心に選び、社会の記憶と心象風景に焦点を当てた。これらは同時に、先に述べた展覧会の「歲月」と「旅」の意象から精選したものでもあり、作品がくぐり抜けて来た長い時間だけでなく、作家が基隆や台北、桃園、苗栗、新竹、嘉義、屏東、宜蘭、花蓮や澎湖などの各地を旅した足跡を辿るものともなっている。望安島の少女の表情や、遠くに臨む阿里山の日の出，鼻頭角港の傍で夕焼けを眺めながらのひとやすみ、占いの看板の前で揺れ動く人影、水辺で足をとめて遠くを見つめる人、電車の中で眠ったり気持ちよく目覚めたりする人々…。時にあわただしく、時にゆったりと、時に遠くを眺め、時に顔を隠し、時に奮起し、時に息を荒くする。我々は、近景の人物と周囲の物影という視覚に導かれるように、水平や垂直の雰囲気の変化の中で、あの蒼茫たる時代に立ち戻り、あの静謐な時空を再び体験する。張照堂の長い歳月をかけた旅の中で、絶え間なく置き去りにされ、また絶え間なく掬い上げられてきた無限の視野と、心を動かす物語を味わいながら。
テキスト/ 沈昭良（シェン・ジャオリャン）