關於《勸世三姐妹》，因為討論實在太熱烈，所以我再補充一下

第一 #語感
有臉友私訊問我什麼叫語感，我想我說的太快，應該再多花點力氣說清楚點。
是的！我們的母語（不管是台語，客語，原住民語）都進入學校體系了。但我想請大家閉上眼睛回想一下：我們的母語有沒有毫無違和地在科學演講裡，傳遞知識；我們的母語有沒有在藝術的領域裡，傳遞情感；我們的母語有沒有在面對外來新事物的時話，被用來傳遞新概念？
[舉例：老師，請問這個python語言若欲學，包括原始開放碼合ＣＣ創用，是欲安怎處理安排？]

你聽起來、或說起來會不會覺得很彆扭？！這就是語感的疏離！我們的語言教育，沒有社會功能的安排，讓大家在學校的母語，只是圈圍在學校裡，沒有透過政治經濟的手段去安排（比方會雙語有加薪？！），讓母語真正在這些新生的事物裡被使用、被理會、被爭執、被喜歡、被討厭，這些都是語言的辯證過程，這樣才會形成語感。有語感的母語社群，才會有共同體。
而這個音樂劇只是其中一小步。

好，回來說，我的母語的歌謠已經變遷到旋律跟語言聲調，彼此之間脫鉤失聯的窘境。
這裏我舉個例：當年很多翻譯日文歌曲的台語歌，其實很多是不合聲調地寫就，比如“黃昏的故鄉”第一句話：叫著我.....第一個字“叫”唱出來的時候，是兩個音so-do"(高音do)的滑音，變成了橋的台語。這就是不ㄠ韻。
然而，這個唸謠式的音樂劇，或許俚俗，或許可以內斂，但創作這件事牽涉太多了（我早說了以下省略三千字）。我只就：我作為一個關心在地母語文化的人立場提出看法。
我喜歡的是它循著說話的方式找旋律，寫出符合劇情推進的歌詞跟表達。

第二 #藝術
戲劇或是任何藝術的再現，常常找的是典型中的典型，或者你也可以叫罕見的類型，“所謂語不驚人死不休”。但要不要用髒話，我再說一次，我覺得不一定。

不過，大家可以從過去文學史裡，從藝術表演裡，去找很多很多例子，一時風俗一地風物，此時被反對，彼時被奉為經典。
例如山東話的水滸傳根本是下里巴人的語言，好好好，提台灣的。布袋戲“南俠翻山虎”裡頭對當時台灣的新生物，以及過往的語言之結合巧妙，我目眩“沈迷”。
我要說的是，別這麼快下定論！

藝術也不是只有談「美」，藝術也討論醜、善、惡、人類處境的歡喜與苦難。藝術扣連著時代，它反映歷史、政治、經濟、社會的脈絡，喚起我們在忙碌生活裡遺忘的感知，衝擊我們習以為常的感知結構，賦予我們反思「我們是誰？」的契機。
我可以看到躍演劇團正努力在做。

第三 ＃布爾喬亞
至於，這齣戲是不是只是布爾喬亞（資產階級）的鄉野奇觀，我可不認為。我捫心自問，從我早年參與黨外運動，所有的本土文化運動，過與不及，或者矯枉過正，我都歷歷在目。我們正走在一個「不再需要去談：文化創作要有框架」的路上前進著。我對文化的欣賞，可以欣賞荒野裡，各個物種之間的辯證演化，我也會欣賞歐洲庭園裡，帶入巴洛克美學的修整線條，我也可以欣賞落地掃，也可以入得廳堂做御前清客。
這樣一齣戲，是中產布爾喬亞的鄉野奇觀，實在太沈重。它的錯在於，劇情中個資的舖陳不夠細膩，道歉不夠草地化，這個要改。

好啦，我寫太多了。
內斂可以是文化，狂野可以是文化。
下里巴人是文化，陽春白雪也是文化，只要只要「它從土地裡長出來」我都歡迎，或者不反對。
我還是說一句話：喜不喜歡是一回事。你當然可以不喜歡。但別太快判它有罪。

#最後的最後，
我在這篇有史以來最文青的貼文的最後，貼一則「算是比較內斂」的表達；裡頭一直咒罵詈言，但最後卻說：「只是在腦海走一遍，不然你會死好幾遍」。
這樣有比較內斂齁？！ https://youtu.be/l81lcfnV2nc

【週末書房：《蜂鳥與謊言》真相與虛幻之間】
＃文末贈書
＃上週抽中《繪本裡的千言萬語》的幸運兒是「樂尼」
＃得獎者請於一週內私訊小編逾期自動放棄獲獎資格

這是「金鼎獎青少年小說家」── 林滿秋的最新心理議題的少年小說。探討謊言中的真實與虛幻。

　　成長過程，你說過謊嗎？為什麼說謊？

　　故事圍繞在十四歲的男孩李允志由於在電玩店鬧事，所以被留在警察局過夜，因而認識了十四歲的言真，言真述說了一個又一個自己的故事，聽起來是那麼的虛幻，卻又無比的真實。

每個人都討厭謊言者，雖然謊言無罪，但善惡全在說話者的一念之間。

　　作者「林滿秋」在自序裡寫著──

人說謊的理由千百種，有的謊言精心設計，有的則是無心之舉。有人因說謊毀了婚姻、友情、前途，甚至搞到身敗名裂；但也有人只是為了避免麻煩、尷尬，或是不想表露自己而說謊。為了幫助別人、避免傷害朋友，各種出於善意的白色謊言，也時時可見。謊言如同空氣，無所不在，我們可以不說謊，卻無法避開別人的謊言。

　　謊言畢竟違背了現實和認知，一般人說謊時都會感到不自然，很容易在肢體、表情上洩露出來，但遇到說謊成精的人，或無法辨識謊言與事實的人，就難以辨識了。這些人說謊的本事或許是與生俱來，或許是經驗的累積，也有可能經過訓練。不論動機或背景，高竿的說謊者都自信而從容，口一張，舌尖便綻放出朵朵花兒。謊言的花朵如此嬌豔，如此甜美，若非等到遍體鱗傷，多半看不出花朵中暗藏的尖刺。

　　人之所以謊話不斷，多半是對語言不尊重，總以為話一出口就消失了，於是天花亂墜，愛說什麼就說什麼。我卻相信語言是有生命的，不然怎會有「眾口鑠金」、「一言九鼎」、「一諾千金」這些成語呢？我總是幻想著：如果說出口的話並沒有消失，而是存在某個空間裡，當我們不斷敘說時，語言的力量會不會真的創造出口中的形象呢？比方說，一個女孩為了炫耀，謊稱有了一個完美的情人，她不停的說著、說著，謊言中的情人逐漸成形了，有一天，真的出現在她面前，那該是番什麼樣的景象啊？

　　書裡的故事從一場演唱會開始。言真和表姊是蜂鳥樂團的頭號粉絲，她們會唱蜂鳥的每一首歌，會跳每一支舞；她們購買蜂鳥所有的周邊產品，隨時關注官網。演唱會發布後，這對表姊妹便計劃著要盛裝赴會，還要參加粉絲見面會。不幸的是，表姊卻病了，言真憂心表姊的病，錯過了購票時間。她以為表姊忘了演唱會，沒想到在演唱會前幾天，表姊表達了前往的意願，並將之視為生前最後的心願。為了完成表姊的最終心願，言真寫信給蜂鳥，蜂鳥深受感動，溫馨贈票。然而演唱會前一天，醫生發出了病危通知，表姊拜託言真，裝扮成她的模樣前往演唱會，為她帶回與蜂鳥的合照。言真含淚答應了。

　　在演唱會上，蜂鳥的歌聲喚起了言真陰沉的心，她並沒有忘記表姊正在與死神搏鬥，邊唱著歌邊祈求上蒼，一定要讓表姊撐著，直到她把合照交到表姊手中。蜂鳥的演唱令人渾然忘我，觀眾如痴如醉，劇情就此急轉直下，言真震驚的發現表姊出現在舞臺上，並公然指責她說謊。言真從小謹守著著父母為她命名的期待，不但不說謊，更痛恨別人說謊。面對表姊的指責，她憤怒、不解，被迫上臺後，才發現那不是表姊，可是那女孩為什麼會跟表姊長得一模一樣？

　　這兩個女孩之間會牽扯出什麼樣的故事？年輕、帥氣，形象正面，如日中天的蜂鳥樂團，跟謊言又有什麼關係？這個故事充滿了奇幻色彩，謊言與事實真假交錯，撲朔迷離，不到最後無法預測究竟是誰說了謊，又為什麼說謊？

　　我相信很少人敢說自己從來沒說過謊。說過謊的人，包括我自己，得當心了，說不定在某個街角，哪座公車站，或是某家餐廳，就會遇到───謊言人物的現身。


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＃還沒成為頭號粉絲的朋友歡迎平時多互動留言得取粉專粉絲標章

【《天橋上的魔術師》：不需要蔑視長輩，你總有一天會老的】

每一段似水年華，說穿了都是一場又一場的輪迴。

有句成語叫「物是人非」，講的是舊景依舊，但人已經不是原來的人、情感一去不復返，但這對我而言比較屬於「小情小愛」的部分。

再拔高一點去看，真正讓我最為動容的，往往是「物非情是」。

縱使物換星移、改朝換代，人類的悲歡永遠相通，透過一些作品產生連結，讓後代與前朝有機會相互理解，最終發現：

物不重要，情是根本，原來大家都是一樣的。

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導演楊雅喆推出新作《#天橋上的魔術師》，故事從 80 年代西門町「中華商場」出發，從居民們的日常中望見他們的愛欲憎，也讓觀眾一窺當時候的社會與政治風貌。

其中，還有一名神秘的「魔術師」負責穿針引線，讓角色看見他們內心的慾望，藉此反思自己。

該劇每集都以「短篇」呈現，每幅短篇環環相扣，意即第一集的主角在第二集是配角，第二集的主角反而是第一集的配角。

待整個劇集觀賞完，你就會明白每個角色都有他們的英雄征途要走，有他們各自的迷茫與不安，但同時他們也擁有克服己身心魔的能力。

簡言之，在《天橋上的魔術師》裡，每個角色都是「主角」。

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有幸受邀看試片，思前想後，決定從第一集的〈99樓〉講起。

這個章節主角是個小學生，名字叫「小不點」，家裡經營皮鞋店，有一個讀建中的優秀哥哥、一個精於做生意的潑辣母親，還有一個成天在家裡拉手風琴的懶散父親。

我覺得第一集很像是個「概覽」，從小不點的兒童視角來看中華商場的眾生相，小孩子「看待任何事情都模模糊糊」的狀態，竟也營造神秘感。

孩子們對成人間愛恨情仇的不在意與不理解，的確很適合拿來放在第一章，成為一個勾起觀眾好奇心的引子。

劇如人生，大抵從簡單到複雜，再從複雜回歸簡單。

當聽到母親和鄰居們在討論某家兒子誤傷父親的八卦，在小不點的角度看來，他其實只感受到媽媽們很吵雜、經過火車聲音很大聲而已。

與其在乎鄰居的家庭糾紛，還不如和死黨討論鬧鬼的廁所和任天堂電動。

看著小不點與家人、同學、鄰居大哥的相處，觀眾同時會感到熟悉，發覺即便相隔幾十年，民風保守、科技不發達，可人與人之間的互動與溫情都是一樣的。

而這，才是導演楊雅喆試圖呈現給觀眾的核心價值。

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日前專訪 #楊雅喆，他向我表示自己想拍的並不是時代劇，沒有打算特別聚焦什麼歷史紀錄，中華商場不過是一個物件，一個場景，他的焦點還是想要放在「人與人之間的關係」。

不得不說，老百姓會煩惱的人事物，跟當下社會氛圍很難脫勾，這也造成後面劇集觀眾還是會見到一些關於同志、警察濫權等議題，層層包裹在每個家庭與愛情問題的背後。

楊雅喆表示：「劇中很多情況拿到現代來看，大家會覺得好像有改善，例如性別平權與政治議題，但這些隱患都還在，未來搞不好還會重新發生也說不定。」

每個時代都有課題，但重要且不變的永遠是人們內心善惡的拉扯，楊雅喆說：「即便看起來是舊時代，但裡頭天真小孩與徬徨青少年的情緒是共同的，這就是我最想做的，讓觀眾能在角色間找到自己的影子。」

楊雅喆前置期進行嚴密田調，找過去住在中華商場的民眾訪談，並製作關於「中華商場歷史演變」的相關短片，要求劇組人員必須得看完影片才能進組。

劇組有幾百人，年齡層 20 歲到 50 歲都有，特別對年輕一輩，中華商場無疑是陌生的。

給工作人員們看影片，是希望他們能記住這個狀態，知道這棟建築的太陽東邊在哪、西邊在哪、鐵道在哪。

「劇組人員們必須對那個年代、那個場景做資料，拍攝時才會更有方向，更容易有共鳴。」楊雅喆道。

以〈99樓〉中三姑六婆在火車旁蜚短流長為例，這就是楊雅喆從田調中得來，中華商場住家和店面合一，一到三樓居民互相認識，人多的地方自然就沒有秘密。

還有，早期住在中華商場的家庭孩子數量都多，原來是半夜父母被火車吵醒，沒事做只好生孩子。

提到這裡，楊雅喆都莞爾：「火車是一個滿重要的輪廓，火車經過阿姨們講話會提高，火車都走了卻忘記把降回音量，家家戶戶牆壁薄，搞到最後大家都知道，這部分很有趣。」

但旋即，楊雅喆反問我：「可是妳仔細想想，劇裡三姑六婆互講八卦的習性，放到現在職場大家還是看得到，我們常常聽到『某某圈子沒有秘密』，其實每個圈子都是呀。」

「這就是人之天性，只是形式不同罷了。」

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訪談結尾，楊雅喆溫柔地說，他希望這部劇能夠讓年輕人對長輩們有所理解，你以為長輩都是食古不化，殊不知他們曾經和你一樣，有風騷、有夢想、會為愛煩惱與受傷。

民國作家蕭紅曾在《呼蘭河傳》描述童年生活的美好與糾結，我覺得和《天橋上的魔術師》有異曲同工之感，都是藉由回望過去展現對人性的悲憫。

蕭紅在《呼蘭河傳》這麼寫的：「春夏秋冬，一年四季來回循環地的走；風霜雨雪，受得住的就過去了，受不住的就尋求自然的結果。」

「至於那些沒有被拉去的，就風霜雨雪，繼續在人間被吹打著。」

卸下年輕人與長輩的階級，我們都是禁受風霜雨打的人類，明明這麼渺小，卻努力在人間學習去愛、大步小步蹣跚朝前。

想想也是挺勵志的。

#Adaymag

https://www.adaymag.com/2021/02/19/the-magician-on-the-skywalk.html