【#地下評論】《屍速列車：感染半島》（Peninsula）
#以下有雷斟酌閱讀
　
4 年前的坎城影展，以法國新浪潮巨擘尚盧高達的作品《輕蔑》定為主視覺，似乎正向世人宣告法國的電影地位仍屹立不搖，但誰也沒能想到，那年的坎城掀起一股強烈韓風。以「復仇三部曲」名聞遐邇的南韓名導朴贊郁以《下女的誘惑》打入主競賽單元，大膽的女女性愛寫出男性父權底下的慾望凝視，此外，在競賽外的兩部南韓類型片，羅泓軫的《哭聲》以及延尚昊的《屍速列車》也造成風潮。
　
這三部作品都在同年於台灣院線亮相，首先由《下女的誘惑》在 6 月登場，接著是 8 月的《哭聲》，南韓電影的口碑在這兩部作品堆疊下，於台灣逐漸延燒，最後由 9 月亮相的《屍速列車》收割，導演延尚昊熟稔類型電影的鏡頭語言，走入病毒與人性間的對立，在末世中豪筆一揮，於高度娛樂性中寫下令觀眾聲淚俱下的類型片典範。
　
4 年後，延尚昊完成《屍速列車》的系列作《屍速列車：感染半島》，續集的時間軸也在病毒爆發的 4 年後，環境與背景條件相同，但因孔劉、馬東石等人確定捨身取義，續集自然不會有這些角色的身影，取而代之的是以姜棟元、李貞賢為首的人馬，描述姜棟元飾演的大兵逃離失控南韓後，在姐夫苦勸之下，逼不得已共同返回被外界孤立的半島，找尋失落的 2000 萬美金，進而展開一場自我救贖的辯證旅程。
　
《屍速列車：感染半島》的核心，就是「救贖」，是表面以活屍包裝，實則探問人性的公路電影。導演延尚昊在開場戲便替全片定調，姜棟元駕車逃離南韓時，途中撞見恐慌的家庭求助，李貞賢飾演的驚慌母親請求姜棟元帶著孩子逃難，但姜棟元因恐懼及猜忌，就此踏下油門別離。延尚昊在此寫下男性的狠心及女性的無助，讓男性的「過去」埋下虧欠（還有在船上另一位母性的遇難），替「現在」的救贖之路鋪墊，而兩性間的對立與互助，此後更隨著劇情推移層層激化。
　
而後，姜棟元離開南韓逃往香港，4 年來在香港如走肉般遊蕩，按照電影設定，朝鮮半島因活屍肆虐成一座孤島，人人敬而遠之，而在《屍速列車：感染半島》中窺見香港，並與南韓相互觀照是有趣的。
　
過去一年，香港因「反送中」抗爭動盪不安，人民與政府衝突日趨惡化，甫推動的「港版國安法」更加速香港死亡。此時香港人心惶惶，自我審查底下出現諸多不敢入境香港的人民，某部分喪志的港人也希冀逃離香港，以免承受牢獄之災。從現實中的香港局勢，遙相對望虛構中因活屍淪陷的朝鮮半島，成了某種意在弦外的解讀——香港因人為因素、中共惡法受困；南韓則因病毒蔓延、活屍大軍遭到遺棄，兩相對比之下，人類與活屍就成了某種折射，都能斷開現今社會群體網絡的鏈結，香港甚至不用活屍便已成孤島，「現實總比電影荒誕」這句話某程度的確精準，不勝唏噓。
　
然而，這樣的過度解讀（相信延尚昊絕對沒有此意），卻也碰巧拉出延尚昊在救贖之路的另一層核心——與「活屍」相比，「人類」更可畏。「活屍」沒有情緒，只能聽音、面光狂奔，只懂無腦地獵捕生人；人類不同，是乘載七情六慾的裝置，在《屍速列車：感染半島》中，更放大了「貪婪」，美國商人、武裝傭兵部隊、返回朝鮮的難民，皆圍繞 2000 萬美金，你爭我奪，於是在角色的求生當中看見人性的醜陋，彼此互相猜忌，黑吃黑，人吃人，貪婪駕馭人性，延尚昊在活屍底下，描繪出一幅人性浮世繪，是底層人類處在煉獄的難堪眾生相。
　
隨著主角一行人返回朝鮮半島，延尚昊迅速以「車」為引導，建構出被遺忘、詛咒的失落國度。當開車的人說道：「南韓我很熟悉，開車沒問題。」延尚昊旋即以武裝傭兵的閃光彈丟出幾道熱辣、鮮明的光，光是一把雙面刃，能驅趕夜幕，照亮城市，但同時也能吸引活屍，當活屍湧入時，在光的見證下，南韓面目全非，熟悉的家園、街道變了樣、走了味，一般的「車」無法立足，更別說是由逃離南韓 4 年的「外地人」操控，於是主角們便落入武裝傭兵的圈套之中，要注意的是，這裡的危機依舊是由人類給出，若非閃光彈，活屍並不會發現主角們，這場戲也帶出「人類」比「活屍」可畏的意旨。說穿了，活屍縱使可怕，仍舊是被人類操控的低端生物，真正用腦袋算計的，是人類，可畏之處不在肉身的強大，而在內心的盤算。
　
一般的車無法在廢墟中生存，延尚昊便拉出另一組救援部隊，由李甄、李濊沅兩名小女孩開著升級版改良車款，前往營救主角，展開一場又一場目不轉睛的飛車動作場面，俐落的轉場，極具律動的剪輯，宣告了這是人與人、人與活屍的相互追擊，三者對立下，是一場場屬於城市的戰鬥，與第一集的高鐵車廂相互對照，延尚昊 4 年前精準掌握密閉空間的特性，4 年後也能在開放場域中揮灑自如，再再證明延尚昊在動作類型片中駕馭「空間」的導演功力，更道出被活屍摧殘 4 年的朝鮮半島，已經是被棄置的人們的主場，每天處在生存邊緣、汲取末世氛圍養分的孩童們，面對活屍都能是神色泰然的姿態。
　
延尚昊也透過這場戲，點醒姜棟元，當姜棟元陷入危機，是由小女孩拯救，延尚昊寫意地拉出意旨——「面對弱小應當給予幫助」，給了姜棟元當頭棒喝，再度批判面對求助的李貞賢未伸出援手的舉動（且是男性漠視女性），有了教訓後，才逐步給出「救贖」的可能性。
　
而從這場戲開始，《屍速列車：感染半島》才揭示這是一部女性主義的電影。除了兩名小女孩的英勇之外，後續也能看到李貞賢經過 4 年的洗禮，從一名無助的母親，轉化成能手握真槍與男人、活屍拼搏的女性，更疊影出片頭另一位選擇與孩子死在船上的母親，母親的角色，在《屍速列車：感染半島》中皆是保護他者的存在。
　
《屍速列車：感染半島》是一部積極、主動的女性電影，女性不再是消極、拖累、等待男性救援的拖油瓶，反而能拯救男性，這點與權海孝飾演的老兵，不斷發電報向名為「Jane」的女性求助也可窺見。順應 #MeToo 時代也好，打破南韓父權窠臼也罷，延尚昊都在續集中，挖掘出和第一集不同的面向，是對父權社會的咆哮，2020 年拯救弱小的不再是孔劉、馬東石，而是李貞賢、李甄和李濊沅等人，她們攜手剽悍開著兩台大車，用堅毅而溫柔的身影，替活屍類型片注入一股別開生面的女性樣貌。
　
除了女性之外，延尚昊更善用「被世界遺棄的朝鮮半島」的特性，在所謂的第三世界中，側寫出第一集較少刻畫的階級脈絡。當人類文明脫離法治，面對災難與死亡進逼時，人性便無止盡惡化，於是延尚昊透過掉落體制之外的傭兵部隊，構築出「地下社會」、建立新的秩序，弱小的人類被稱作「野狗」，遭到豢養、奴役，食物鏈最低層的人類猶如鬥犬般，供上一階層的人類娛樂，延尚昊放大此等特性，讓觀眾窺探脫離法治以及處在生存邊緣的原始人性，所謂「性本惡」，在延尚昊的鏡頭底下精準且到位。
　
或許，讓人類陷入末日危機並非喪屍病毒，而是人之本性，脫離律法依附時，是比喪屍更泯滅人性的存在，延尚昊全片的另一層意旨，也就慢慢浮現而出。這也是續集需要注意並嘗試刻畫的重要角落，延尚昊對於喪屍類型片的世界觀，仍舊極為敏銳。
　
都說了這是一部「自我救贖」的公路電影，姜棟元被小女孩拯救喚醒內心良知，所以在片子中段義不容辭地回頭拯救被傭兵部隊圍困的姐夫，這是延尚昊描寫角色的醒覺，縱使最終姐夫仍舊亡於傭兵部隊，但正如李貞賢所說：「盡力就好」，姜棟元透過「被拯救」（小女孩）和「拯救他人」（姐夫），兩種互為表裡的主／被動關係，揮別纏住己身多年的愧疚。
　
而在「救贖」的命題底下，延尚昊還使用了「光」的意象。如上述所言，「光」能吸引活屍，是殺人武器，但同時「光」也是黎明升起的象徵，是逃離朝鮮半島的指引，傭兵部隊利用「光」追擊，姜棟元等人也能利用「光」反擊，活屍、人類都能見「光」，「光」是殺人武器抑是續命良藥，端看如何運用，延尚昊的符號隱喻，也如「光」一般，極具可視性，在大銀幕中閃現。
　
片尾，延尚昊設下與首集不同的結尾取向，《屍速列車》的孔劉拼命救人，最終喪命，而《屍速列車：感染半島》則讓姜棟元順利拯救李貞賢，若再細看，便能發現除了權海孝之外，其於喪命的人皆因「貪婪」而死，活下來的姜棟元、李貞賢等人，是救贖，是保護，是犧牲，拾起的皆是人性良善面，從此角度來看，是延尚昊的轉變，也是身為導演「懲惡揚善」的價值取向。
　
綜觀《屍速列車：感染半島》，在活屍類型片底下，將女性、救贖、貪婪、階級等元素熔冶一爐，提煉出人性的複雜面向，全片深入淺出，一語中地讓觀眾感受核心意旨，雖然結尾權海孝的死亡因為角色刻畫不足，力道稍稍偏移，且略嫌濫情薄弱，而母女間重逢擁抱的慢動作也盡顯俗氣，情緒則過於飽滿、突兀，不懂收斂之美，但考量到商業取向，面對的市場與獨立製作取向不同，便能理解延尚昊的處理方式。
　
一部好的類型片，是能夠在動作、娛樂等取向之外，賦予角色立體性，才能激盪觀眾情緒，並非一味遞送驚險場面才是緊張刺激、才是效果十足，《屍速列車》這兩部系列作呈現出來的，正是抓緊角色、扣緊主題的優等佳作。在現今疫情動盪底下，《屍速列車：感染半島》提醒世人的是，當社會集體意識產生的焦慮，轉化為末日前人類的巨大恐懼時，這股恐懼共感的背後，延尚昊正透過影像緊抓微弱的光，希冀逃離黑暗，與觀眾共同飛往和平彼端。
　
‼️感謝『GaragePlay 車庫娛樂』試片邀約，《屍速列車：感染半島》現正熱映中。

#屍速列車感染半島

【#地下專訪】

『專訪《#金都》導演 #黃綺琳』
　
去年金馬獎因為中國抵制風波，連帶造成許多香港電影放棄報名金馬獎，甚至原先接下評審團主席的香港名導杜琪峯也辭去職務，交由台灣導演王童出任。
　
也因此，香港電影也只有（只敢）五部無中資介入的獨立電影入圍，其中包含劇情長片《叔．叔》、劇情短片《紅棗薏米花生》、《老人與狗》、紀錄片《戲棚》，最後一部，就是入圍最佳新導演、男主角、原創電影歌曲的《金都》。
　　
此次專訪是份特別的經驗，因肺炎疫情影響，黃綺琳導演人在香港，我們倆就在『采昌亞洲電影世界 CAI CHANG Asia』的協力下，透過文字暢談《金都》。
　
先從《金都》的緣起「 FFFI 首部劇情電影計劃」開始，初探黃綺琳的創作動機與拍攝途中的困談，黃綺琳也說若沒此計劃可能就沒有《金都》，接著聊鄧麗欣、朱栢康、鮑起靜三位資深演員如何與新導演擦出火花，替全片帶來良性的化學效應，當然，還有金馬獎紀錄保持人張叔平功不可沒的剪輯執導。
　
再來，若觀眾細看就能發現，片中主角莉芳和 Edward 居住的小套房中，貼著美國獨立名導吉姆賈木許、經典愛情電影《王牌冤家》以及希區考克（名作《蝴蝶夢》等海報，從《蝴蝶夢》、《王牌冤家》來解讀情侶關係，進一步再探片中「烏龜」、「飛鳥」的符號隱喻，更重要的是，從婚姻關係延伸「香港」與「中國」連結的暗示。綜觀來看，黃綺琳初試啼聲，便懂得以物喻情，層層堆疊出符碼，熟稔影像符號的意義，手法老練不見生澀。
　
我認為，黃綺琳勇敢面對自我以及對香港的誠實，化為《金都》的骨肉與魂魄，不畏艱難地呈現在世人眼前，成為去年香港電影的重要代表作。
　
尤其《金都》片尾，在黃綺琳的鏡頭下，莉芳最終關閉網路，拋下與世界的連結，穿上喜歡的衣裳（這件服裝在開頭被 Edward 嫌棄），於異地獨身一人吃碗熱湯麵，這便是黃綺琳的浪漫，同時也是黃綺琳獻給香港女性的溫柔。
　
‼️《金都 My Prince Edward》熱映中，誠心推薦，全文寫在『The News Lens 關鍵評論網』👉https://bit.ly/2WeVDFG

【#地下榜單】

『 2019年「地下電影」心中台灣院線的 10 大佳片。』
　
2019 年有幸與 355 部電影共同走過，雖不算多，當中也有好有壞，但仍舊希望在此基數中，挖掘出自己的年度十大佳片，提供給讀者、影迷參考、交流或是留存，做為 2019 年的回顧。
　
這份榜單評選標準為「2019 年度台灣院線電影」，不包含影展、串流、數位修復等片，故《婚姻故事》、《愛爾蘭人》、《教宗的承繼》和其他佳片不在榜單中（要不然排名會重新洗牌）。
　
此外，榜單中的某些電影為去年出品，但因片商作業時間拉到今年的台灣院線放映，仍舊選進評選。要說這份榜單的最大遺憾，應該是《燃燒女子的畫像》（Portrait of a Lady on Fire）了。
　
最後，謝謝今年有這些好電影，在紛擾的時代下，仍讓人有機會在漆黑場域，於光影中找到力量。
　
💞1.《#從前，#有個好萊塢》（Once Upon a Time In Hollywood），上映日期：2019/07/24

《從前，有個好萊塢》充滿昆汀塔倫提諾的作者印記，熟稔昆汀的影迷能在此作中發現許多昆汀的風格元素，並找到極大樂趣，武術、戀足癖、義大利西部片、美國老式B級片、非線性敘事手法、《惡棍特工》中火焰槍的惡趣味（將曼森視作納粹）等等，片名《Once Upon a Time In Hollywood》更揭示了全片在寫實中充滿想像空間（與時間）的童話故事性（呼應充滿逆轉性的結尾），令人感受到昆汀對於曼森家族血案的浪漫憧憬，並帶著觀眾想像世界的未來能有一點不一樣。
　
全片最令人感動的戲，私以為是由瑪格羅比飾演的沙朗泰在戲院與《勇破迷魂陣》（1968）合照，眾所皆知，這是莎朗泰被曼森家族謀殺前上映的最後一部電影（遺作《12+1》於死後上映），昆汀大費周章地將莎朗泰進戲院觀影的戲完整拍出，讓片尾的結局格外動人，處處流露出不捨之情。
　
在舊好萊塢的致敬中找到新意，貼近老靈魂賦予想像力，《從前，有個好萊塢》是一幅以懷舊為水墨潑灑而成的新畫作，昆汀大膽、奔放且柔情地獻給每位觀眾。如果說，艾方索柯朗敦厚、內斂地在 1970 年有《羅馬》和墨西哥城，那昆汀塔倫提諾則是絢爛、外顯地在 1969 年有《從前，有個好萊塢》和洛杉磯。
　
🎥影評全文👉http://bit.ly/31q4OCQ
　
💞2.《#寄生上流》（Parasite），上映日期：2019/06/28
　
《寄生上流》延續著奉俊昊一貫的「階級」命題，但奉俊昊揮別了跨國大製作，回到韓國本土後的創作視角更加犀利通徹，此作彷彿披著《小偷家族》的表皮，內藏《我們》的血骨，以喜劇方式大膽切入社會議題，底層社會的悲哀無奈全都建立在大量的黑色幽默之下，沒有過多《小偷家族》的溫情，卻同樣以「欺騙」（無論階級）解構出人、家庭、社會與國族中「生存」的無力之感。
　
奉俊昊在片中也透過不同的象徵符號凸顯階級的上與下，諸如山頂與水溝，半地下室氣窗以及落地窗的對比，豪宅中又藏的的地下室，此外，還有狗、蟑螂等生物跟人類求生本能的隱喻，印地安人階級與被掠奪的投射、韓國寄生於美帝主義等等，其中也透過或明或暗以及極具空間感的攝影掌握，呈現出富人與貧人的心理狀態。
　
有趣的是，導演在電影裡將嗅覺立體化，即便寄生於上流，卻擺脫不了無形的「窮味」，這如同階級般無法消除的窮味也成為電影裡的關鍵點，最精彩的一場戲，當然是那場「暴雨」，在精準的交叉剪輯中放大人性，更把階級無力之感的意象沖刷出來，如排山倒海般反覆衝擊人心。
　
《寄生上流》入俗，卻深富底蘊，以精心設計的劇情、環環相扣的連鎖反應，流暢的運鏡，精準的構圖，畫龍點睛的配樂，搭配演員極具張力的表演，終究對韓國社會完成了一則笑中帶淚的警世寓言，奉俊昊極具特色的作者印記，創造出自身的電影語言。
　
🎥影評全文👉http://bit.ly/2ZbpPBu
　
💞3.《#幸福的拉札洛》（Happy as Lazzaro），上映日期：2019/04/26
　
此作表面抹上一層愛、善良與純真，但骨子裡包藏了導演艾莉絲羅爾瓦雀對義大利的哀愁，以聖潔的小寓言望向人類社會結構變遷上的巨大悲劇，其實更打破了文化隔閡的藩籬，跨越國族，這樣的故事或許存在於每個國家與階級中，且導演筆下的拉札洛實在令人討喜，拉扎洛或許象徵著使徒、英雄或是神祇，所以在結尾的死亡，才有了典型悲劇性的戲劇張力，流露出一股淡然的惆悵，這份惆悵並不令人討厭，卻教人鼻酸，甚至在觀者心中昇華成久久飄散不去的餘味。
　
小津安二郎曾說：「電影和人生，皆以餘味定輸贏。」在大銀幕上和拉札洛乘著時光機走過一遭，再回望自己的人生，或許我們都曾經善良的活過，卻因時間、空間、社會的轉變漸漸忽略內心與拉札洛相同的那份特質：是聖潔的使徒、是偉大的英雄、是不朽的神祇，或者更精確地說那是「好人的氣味」，而艾莉絲羅爾瓦雀則將這樣的氣味，以及那些逝去的美麗與當代的哀愁，永存進影像中。
　
🎥影評全文👉http://bit.ly/2FDpe2S
　
💞4.《#安妮華達最後一堂課》（Varda by Agnes），上映日期：2019/07/12
　
《安妮華達 最後一堂課》作為這位傳奇女導的最後一部作品（紀錄片），在今年初柏林影展映演，影片從「靈感」、「創造」、「分享」三個面向出發，起於劇情片《五點到七點的克萊歐》，止於紀錄片《最酷的旅伴》，在短短 115 分鐘的片長，扣緊了安妮華達各階段性的重要創作。
　
華達不斷從過往的舊作分享其人生觀，對於喜愛華達的影迷來說，應該是一部集大全的嘉年華，《幸福》、《無法無家》、《功夫大師》、《千面珍寶金》等經典之作一部接一部地出現。此外，華達與德米的婚姻生活、互為因果的創作型態也沒被此片遺漏；然而，華達不只是電影工作者，更是行為藝術家，從「拾荒者」為概念核心，進而以馬鈴薯的概念延伸創作出藝術品，透過藝術品讓普世感受出生命，都是華達的可貴之處。
　
《最後一堂課》就像那些以前我們看見的作品一樣，謙虛的行為處世，飽滿豐沛的情感，活潑靈動的性格，造就了她的一生，造就了她的影像。
　　
全片也正如同華達最愛的沙灘那般，在沙灘上的風景，有天、有海、有地，最終拼貼成一幅送給世人最溫暖的美麗風景，想不到有任何謝幕方式比《最後一堂課》更好，謝謝電影，謝謝安妮華達。
　
🎥影評全文👉http://bit.ly/30Oo1hn
　
💞5.《#小丑》（Joker），上映日期：2019/10/03
　
陶德菲利普斯將此作時空背景設置於虛構的高譚市，然而，在分裂腐敗的高譚市中，更能與美國社會相呼應，從30年代經濟大蕭條走到21世紀初雷曼兄弟金融海嘯，自由經濟與資本主義的瓦解將眾人推向更無秩序的分裂，躁動的人心、底層的反動、階級的對立、政府的無能，在這樣的敘事背景中，處於社會邊緣的亞瑟，在爛泥般的生活中掙扎、對僅存的良善希望逐步瓦解，從城市的異化代入個人心理的轉變，《小丑》極佳地以緩慢的節奏緊抓故事核心，更將高譚市所謂的「虛構」指涉為「真實」，編導透過小丑的惡衝破文化藩籬，開槍鳴笛，打醒普世眾人。
　
「階級」的意象也透過「階梯」的形體象徵，更在示威抗議中體現，當窮人們在拋頭顱、灑熱血時爭取權益時，富人們坐在高級劇院中觀看查理卓別林的《摩登時代》，別忘記，《摩登時代》以經濟大蕭條的社會底層為命題，諷刺地在喜劇中呈現勞工階級於經濟危機中被大環境吞噬，無奈且無力，與命運拍桌對賭時，小人物的身影終教人鼻酸，導演刻意貼加此筆，加強其戲謔性，也暗示了故事走向。
　
然而，馬丁史柯西斯在《計程車司機》中，同樣闡述了階級的差異，《計程車司機》在後越戰時期討論了底層小人物的徬徨與迷惘，也流露出階級的不可違逆性，貫串全片的那句競選標語「We are the people.」過了43年，在陶德菲利普斯的《小丑》中則有了重新解讀的可能，或許「We are the clowns.」才是人性的最佳註腳，亞瑟與崔佛斯（《計程車司機》主角名），便是同一種人了。
　
🎥影評全文👉http://bit.ly/2ZFGCNg
　
💞6.《#沒有煙硝的愛情》（Cold War），上映日期：2019/02/14
　
波蘭導演帕威帕利科斯基繼《依達的抉擇》後，再度將故事背景放在二次大戰後，且同樣精彩地以黑白影像映襯出人性，交出不愧於坎城最佳導演的作品。
　
此片在黑白影像的質地、音樂的更迭當中將大時代下的愛情一刀一刀鑿下，故事主人翁糾纏橫跨20年的愛情，當中國族、權力、藝術間的天秤拉扯也都能自然鋪陳且不過於生硬，而每一段過場時的黑幕則留給了影像呼吸的空間，威帕利科斯基深知如何用影像說故事，其力道能生猛有勁，卻又同時能柔情似水，尤其片尾男女主角起身走出景框之外，留下風吹草動的無畏，將全片的餘味保留下來，綿延不絕地縈繞心頭。
　
冷戰的題材容易生硬且落入俗套，但帕威帕利科斯基能掌握住自己的風格，以小人物的情愛唱出時代悲歌，此片是導演獻給父母、波蘭的匠心鉅作。
　
💞7.《#痛苦與榮耀》（Pain and Glory），上映日期：2019/08/02
　
《痛苦與榮耀》為阿莫多瓦導演生涯第 21 部作品，同時為「導演三部曲」的最終章，從《慾望法則》、《壞教慾》 到今年的《痛苦與榮耀》共橫跨 32 年的時間完成，多數媒體稱之為集大成之作，故事描述描述年事已高的電影導演馬洛回憶起 60 年家鄉西班牙小鎮的故事，是阿莫多瓦的半自傳作品。
　
此作在今年坎城影展，於嚴格的場刊分數中拿到 3.3 的高分，僅次於奉俊昊拿下金棕櫚的《寄生上流》，且順利將第 8 度合作的「拉丁情人」安東尼奧班德拉斯捧上今年的影帝寶座。
　
綜觀全片，阿莫多瓦細水長流地不斷回顧自己生涯的點滴，誠懇地翻攪出私密記憶攤在銀幕前，讓自己、讓觀眾去品嚐阿莫多瓦的人生哲思，全片最棒的一場戲出現在收尾，一盞明燈點醒了阿莫多瓦與觀影的影迷，電影是美好與救贖的意旨油然而生。
　
如果說昆汀塔倫提諾藉由《從前，有個好萊塢》，與童年往事共存，用電影讓美好的想像延續；那阿莫多瓦則是藉由《痛苦與榮耀》，與過去的自己和解，用電影找到除病的良藥。
　
💞8.《#你的臉》（Your Face），上映日期：2019/05/17
　
《你的臉》花了兩個月拍攝13張臉，最後剪輯成76分鐘的長片，此作品無法分類，它不是紀錄片也非劇情片，它就是一部「電影」，這部電影運用特寫鏡頭聚焦於臉部，透過大銀幕凝視著每張人臉，沒有任何表演，只是述說過往，在一張張臉與一段段陳舊往事中，閃現了人類的複雜情感，當你靜下心，這張臉已然是全世界。
　
這種體驗已然是屬於蔡明亮與電影院的行為藝術，透過鏡頭與場域，任何事情都變得不同，任何記憶都將在這張臉中浮現，真實、虛幻、時間，在巨大的黑盒子中不斷交錯、解構與再造，最終浮現的，是生命之美，謝謝蔡明亮，每張臉都好美好美。
　
💞9.《#我們的青春，#在台灣》（Our Youth in Taiwan），上映日期：2019/04/12
　
《我們的青春，在台灣》表面上瞄準了太陽花學運，但這部片不只講政治，更多時候，更大的重點是在講成長中的那些懷疑、酸甜與苦辣，是傅榆導演紀錄著自己、陳為廷與蔡博藝的青春，寫下帶著些許矛盾、些許莽撞、些許動人的生命篇章。
　
觀眾跟著傅榆的視角，從《我們的青春，在台灣》中看著那些大大小小的社運活動，諸如士林王家、反對大埔強拆、反旺中壟斷甚至是太陽花，多數紀錄社會運動的紀錄片多半聚焦在運動本身，但傅榆卻捕捉到另一層可貴的種種片段，傅榆從時代的巨輪中望向自身的微觀之處，談明星神話的破滅；談彼此脆弱的時刻；談人性勇敢的光輝，全片私密且誠懇，帶勁卻溫柔，令人印象深刻。
　
去年傅榆在金馬舞台上的那席話，再到今年上映所激出的漣漪，已然讓此片成為台灣近年不可或缺的電影之一。
　
💞10.《#復仇者聯盟：#終局之戰》（Avengers: Endgame），上映日期：2019/04/24
　
《復仇者聯盟：終局之戰》裡，導演以時空旅行作為逆轉一切的關鍵，讓英雄在拯救未來的同時，卻也修補他們各自過往的遺憾，索爾與母親的感人對話、東尼對父親的釋懷、隊長與心愛女孩的再次相遇，每個英雄都藉由彈指事件，得以拼湊自我。而那些經典台詞、熟悉場景的重現，帶我們細數過去11年來英雄的點點滴滴，名副其實的最終之作。
　
羅素兄弟的群戲調度功力不用說，但此次劇情更顯沈穩，每個角色都有著自己的主場時刻，也在電影裡找到自己的最佳歸宿。「始於鋼鐵人，終於鋼鐵人。」最後一場鋼鐵人葬禮，集結所有重要角色，除了感受到鋼鐵人對 MCU 的不可取代，這場景同樣具承先啟後的意義，開山始祖即便退位，下一階段仍後繼有人。
　
此片是「遊樂園」系列作的影史標竿，無論是幕前幕後所激起的討論火花，或是影迷與產業間發展出的獨有文化，各方面來看皆是 2019 不可忽視的作品，且往後幾十年仍舊會不斷搬上檯面討論。
　
#新年快樂